安格尔

安格尔

Jean-Auguste-Dominique Ingres

代表作品:
艺术家名:安格尔(Jean-Auguste-Dominique Ingres)
生卒日期: 1780年8月29日 - 1867年1月14日
国籍:法国
安格尔的全部作品(125)

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean-Auguste Dominique Ingre)是法国新古典主义画家。安格尔深受过去艺术传统的影响,并渴望成为正统学术的守护者,反对盛行的浪漫主义风格。尽管按照尼古拉斯·普桑(Nicolas Poussin)和雅克·路易斯·大卫(Jacques Louis David)的传统,他认为自己是一位历史画家,但他最伟大的遗产是他的肖像画,无论是绘画还是绘画。他对形式和空间的表现性扭曲使他成为现代艺术的重要先驱,影响了毕加索亨利·马蒂斯和其他现代主义者。

他出生在蒙托邦的一个普通家庭,到巴黎的雅克-路易·大卫工作室学习。1802年,他在沙龙首次亮相,并因其作品《阿喀琉斯接待阿伽门农的使者》而赢得了罗马大奖赛。1806年,当他离开罗马居住时,他对意大利和佛兰芒文艺复兴大师的研究风格已经完全成熟,在他的余生中几乎不会改变。1806年至1824年,他在罗马工作,随后又在佛罗伦萨工作,期间他定期将画作送到巴黎沙龙,在那里,批评家们批评他的画作,认为他的风格古怪而过时。在这段时间里,他几乎没有收到他渴望绘制的历史画的委托书,但他能够养活自己和妻子,成为一名肖像画家和绘图员。

1824年,当他的拉斐尔式的绘画《路易十三的誓言》获得赞誉时,安格尔最终在沙龙中获得认可,并被公认为法国新古典主义学派的领袖。尽管历史绘画佣金的收入使他能够少画一些肖像画,但他的《伯廷先生》标志着他在1833年的下一次流行成功。第二年,他对自己雄心勃勃的作品《圣辛可里安的殉难》受到严厉批评感到愤怒,因此返回意大利,1835年担任罗马法国学院院长。他于1841年永久返回巴黎。在晚年,他画了许多早期作品的新版本,一系列彩色玻璃窗设计,几幅重要的女性肖像,以及《土尔其浴女》,这是他几幅东方女性裸体画中的最后一幅,他在83岁时完成了这幅作品。

早年:蒙托邦和图卢兹

安格尔出生于法国塔恩加隆省(Tarn-et-Garonne)的蒙托邦( Montauban),是让-马里·约瑟夫·安格尔(Jean-Marie-Joseph Ingres,1755-1814)和妻子安妮·穆莱特( Anne Moulet,1758-1817)七个孩子中的第一个(其中五个在婴儿期幸存)。他的父亲是一位成功的艺术大师,一位微缩画画家、雕塑家、装饰石匠和业余音乐家;他的母亲是一位假发制造大师的女儿,几乎目不识丁。从他的父亲那里,年轻的安格尔很早就受到了绘画和音乐方面的鼓励和指导,1789年,他创作了第一幅已知的绘画作品,这是一个仿古模型的研究。从1786年开始,他就读于当地的克雷蒂安教育学院(École des Frères de l'Éducation Chrétienne),但他的教育因法国大革命的动荡而中断,1791年学校的关闭标志着他传统教育的结束。对他来说,学校教育的不足始终是一个不安全的根源。

1791年,约瑟夫·安格尔带着儿子来到图卢兹,年轻的让·奥古斯特·多米尼克(Jean-Auguste Dominique)在图卢兹参加了皇家雕塑与建筑学院(Académie Royale de Peinture)。在那里,他学习了雕塑家让·皮埃尔·维根(Jean-Pierre Vigan)、风景画家让·布莱恩特(Jean Briant)和新古典主义画家纪尧姆·约瑟夫·罗克斯(Guillaume-Joseph Roques)。罗克斯对拉斐尔的崇拜对这位年轻艺术家产生了决定性的影响。安格尔在多个学科中获奖,如作曲、“人物与古董”和生命研究。他的音乐天赋是在小提琴家勒琼(Lejeune)的指导下发展起来的,从13岁到16岁,他在图卢兹首都交响乐团担任第二小提琴手。

从很小的时候起,他就决心成为一名历史画家。在路易十四时期皇家绘画和雕塑学院建立的艺术家等级体系中,历史画家一直延续到19世纪,被认为是绘画的最高水平。他不想像他父亲那样简单地制作真实生活的肖像或插图;他想代表宗教、历史和神话中的英雄,将他们理想化,并以解释他们行为的方式向他们展示,与最好的文学和哲学作品相抗衡。

巴黎(1797-1806)

1797年3月,学院授予安格尔绘画一等奖,8月他前往巴黎,在雅克-路易·大卫的画室学习。雅克·路易斯·大卫是法国和欧洲革命时期的著名画家,他在他的画室里呆了四年。安格尔以他主人的新古典主义为榜样。1797年,大卫创作了他的巨作《萨宾妇女的干预》,并逐渐改变了他的风格,从严格的现实主义的罗马模型转向希腊艺术中纯洁、美德和朴素的理想。大卫的另一个学生埃蒂安·让·德雷·克鲁兹(Étienne-Jean Delécluze)后来成为一名艺术评论家,他将安格尔描述为一名学生:

他之所以与众不同,不仅仅是因为他的性格坦率,以及他喜欢独自工作的性格……他是最勤奋的人之一……他几乎没有参与到周围乱哄哄的蠢事中去,他比他的大多数同道弟子更加坚持不懈地学习……在他的早期研究中,我们已经看到了这位艺术家今天所具有的天赋、轮廓的巧妙、形式的真实而深刻的情感以及具有非凡正确性和坚定性的造型。虽然他的几位同志和大卫本人都表示在他的研究中有夸大的倾向,但每个人都被他的伟大作品所打动,并认识到他的才华。

1799年10月,他被法国美术学院( École des Beaux-Arts)绘画系录取。1800年和1801年,他因绘制男性躯干而获得人物画大奖。1800年和1801年,他还参加了学院最高奖项罗马大奖赛,该奖项授予获胜者在罗马法兰西学院居住四年的权利。在他的第一次尝试中,他获得了第二名,但在1801年,他的《阿喀琉斯接待阿伽门农的使者》获得了最高奖。画中右边的使节塑像肌肉发达,结实如雕像,风格如大卫所教,但左边的两个主要塑像阿基里斯(Achilles)和帕特洛克勒斯(Patroclus),灵活、生动、优雅,就像精致的浅浮雕。

由于国家资金短缺,他在罗马的居住被推迟到1806年。与此同时,他在巴黎与大卫的其他几个学生一起在国家提供的工作室工作,并进一步发展了一种强调轮廓纯度的风格。他从拉斐尔的作品、伊特鲁里亚的花瓶画和英国艺术家约翰·弗拉克斯曼(John Flaxman)的轮廓版画中找到了灵感。他画的赫马佛洛狄忒斯(Hermaphroditus)和仙女萨尔马西斯(Salmacis)展现了一种新的女性美的风格化理想,这将在他的《朱庇特和忒提斯》和他著名的裸体作品中重现。

1802年,他在沙龙首次亮相,画了一幅《女性肖像》(Portrait of a Woman)(目前下落不明)。1804年至1806年间,他绘制了一系列肖像画,这些肖像画以其极为精确而引人注目,尤其是其丰富的织物和微小的细节。其中包括《菲尔伯特·里维埃尔》,《萨宾·里维埃的肖像》(Portrait of Sabine Rivière,1805-1806),《艾蒙夫人》,以及《卡罗琳·里维埃尔》。这些女性的脸一点也不细致,但很柔和,以她们的大椭圆眼睛、细腻的肤色和梦幻般的表情而著称。他的肖像画通常有纯色、深色或浅色或天空的简单背景。这是一个系列的开始,使他成为19世纪最著名的肖像画家之一。

在安格尔等待离开罗马时,他的朋友洛伦佐·巴托里尼(Lorenzo Bartolini)向他介绍了意大利文艺复兴时期的绘画作品,特别是拿破仑从意大利战役中带回并放在卢浮宫的阿格诺·布朗佐诺Jacopo Pontormo的作品。安格尔将它们的清晰和不朽融入了自己的肖像风格。卢浮宫里还有佛兰芒艺术的杰作,包括扬·凡·艾克的《根特祭坛画》,法国军队在征服佛兰德斯时没收了这幅画。文艺复兴时期佛兰德艺术的精确性成为安格尔风格的一部分。安格尔的风格折衷主义代表了一种新的艺术趋势。卢浮宫最近装满了拿破仑在意大利和低地国家的战役中缴获的战利品,为19世纪初的法国艺术家提供了一个前所未有的机会,来研究、比较和复制古代和整个欧洲绘画史上的杰作。正如艺术史学家马乔里·科恩(Marjorie Cohn)所写:“当时,艺术史作为一种学术研究是全新的。艺术家和批评家在试图识别、解释和利用他们刚刚开始感知到的历史风格发展方面相互超越。”从职业生涯一开始,安格尔就自由借鉴早期艺术,采用适合其主题的历史风格,因此被批评家指责为掠夺过去。

1803年,他获得了一项声望很高的委托,成为五位入选的艺术家之一(还有让-巴蒂斯特·格雷兹Robert LefevreCharles MeynierMarie-Guillemine Benoist),为拿破仑·波拿巴(Napoleon Bonaparte)绘制全长肖像。这些物品将被分发到利日、安特卫普、敦刻尔克、布鲁塞尔和根特等县镇,所有这些都是1801年《卢内维尔条约》中新割让给法国的。拿破仑并没有允许艺术家们坐下来,安格尔精心绘制的《穿着第一执政官制服的拿破仑·波拿巴》似乎是模仿Antoine-Jean Gros在1802年绘制的《波拿巴担任第一执政官》。

1806年夏天,安格尔与画家兼音乐家玛丽·安妮·朱莉·弗赖斯蒂尔( Marie-Anne-Julie Forestier)订婚,并于9月前往罗马。尽管他曾希望在巴黎停留足够长的时间,以见证当年沙龙的开幕式,在那里他将展示几幅作品,但就在开幕前几天,他不情愿地离开了意大利。

安格尔在1806年的沙龙上画了一幅新的拿破仑画像,这幅画像展示了拿破仑在加冕礼上登上皇位的情景。这幅画与他早期关于拿破仑作为第一任执政官的画像完全不同;它几乎完全集中于拿破仑选择穿的奢华的帝国服装,以及他所拥有的权力象征。查理五世的权杖,查理曼大帝的宝剑,华丽的织物,毛皮和披风,金色叶子的皇冠,金色的锁链和徽章都以极其精确的细节呈现出来;皇帝的脸和手几乎消失在华丽的服装中。

在沙龙里,他的画作《24岁时画架上的自画像》、里维埃家族的画像和《拿破仑在他的皇位上》受到了非常冷淡的对待。大卫作出了严厉的判决,批评者对此持敌对态度。皮埃尔-让-巴蒂斯特·乔萨尔(Pierre-Jean-Baptiste Chaussard)称赞“安格尔的笔触和表面处理的精细”,但谴责安格尔的风格是哥特式的,并问道:

安格尔有如此多的天赋、如此完美的线条、如此透彻地关注细节,他是如何成功地画出一幅糟糕的画的?答案是他想做一些与众不同的事情……安格尔先生的意图无非是要让艺术倒退四个世纪,让我们回到它的婴儿期,恢复扬·凡·艾克的风格。

罗马与法国学院(1806-1814)

刚到罗马,安格尔就带着越来越强烈的愤慨阅读了他的朋友从巴黎寄给他的无情的负面新闻剪报。在写给未来岳父的信中,他表达了对批评者的愤怒:“所以沙龙是我丢脸的地方……那些无赖,他们一直等到我离开后才刺杀我的名声……我从来没有这么不开心过……我知道我有很多敌人;我从来都不同意他们,将来也不会同意。我最大的愿望是飞到沙龙,把他们和我的作品混为一谈,因为我的作品和他们的完全不同;我越是进步,他们的工作就越不像我。“他发誓再也不在沙龙展出,他拒绝返回巴黎导致了订婚的破裂。几年后,当被问到为什么她从未结婚时,朱莉·弗雷斯蒂尔(Julie Forestier)回答说:“当一个人有幸与安格尔先生订婚时,就不结婚”。

1806年11月23日,他写信给前未婚妻的父亲让·弗赖斯蒂尔(Jean Forestier),“是的,艺术需要改革,我打算成为一名革命者。”典型的是,他在梅迪奇别墅(Villa Medici)的地面上找了一个工作室,远离其他常驻艺术家,并疯狂地画画。从这一时期起,罗马许多纪念碑的绘画作品都被认为是安格尔的作品,但从最近的学术研究来看,这些作品实际上是安格尔的合作者的作品,特别是他的朋友、风景画家Francois-Marius Granet的作品。按照每一位大奖赛冠军的要求,他定期将作品送到巴黎,以便判断自己的进步。传统上,费罗斯寄来的是希腊或罗马男性英雄的画,但安格尔第一次寄来的样品是《沐浴者》(La Baigneuse,1807),这是一幅根据古董花瓶雕刻而成的年轻女性沐浴后背的画,还有一幅更大的《大浴女》,也是安格尔第一位戴头巾的模特,他从他最喜欢的画家拉斐尔那里借来的一个细节。为了满足巴黎学院的要求,他还送出了《俄狄浦斯和斯芬克斯》来展示他对男性裸体的精通。巴黎院士们的结论是,这些人物没有充分理想化。在后来的几年里,安格尔画了这些构图的几种变体;另一件始于1807年的裸体画是《维纳斯》,几十年来一直处于未完成状态,四十年后完成,最后于1855年展出。

在罗马期间,他还画了许多肖像画:《安东尼娅·杜瓦塞·德·尼蒂斯》、《画家弗朗索瓦·马吕斯·格兰特》、《约瑟夫·安托万·莫尔泰多肖像》、《潘考克夫人》( Madame Panckoucke,1811年)和《查尔斯·约瑟夫·劳伦特·科迪尔》。1812年,他为数不多的几幅画像中的一幅描绘了一位年长的妇女,即罗马总督的母亲《图尔农伯爵夫人》。1810年,安格尔在美第奇别墅的养老金结束了,但他决定留在罗马,寻求法国占领政府的庇护。

1811 年,安格尔完成了他最后的学生练习《朱庇特和忒提斯》,这是荷马史诗中的一个场景:海洋女神忒提斯恳求宙斯支持她的儿子阿喀琉斯。 他多年前画的水仙女萨尔玛西斯的脸重新以忒提斯的形式出现。 安格尔满怀热情地写道,自 1806 年以来,他就一直计划画这个主题,他打算“将艺术的所有奢华展现在其美中”。 然而,批评家们又一次充满敌意,对人物夸张的比例和这幅画的平面、不透气的质量提出了批评。


尽管前途未卜,安格尔于1813年娶了一位年轻女子马德琳·夏佩尔( Madeleine Chapelle)为妻,这是她在罗马的朋友向他推荐的。通过通信进行求爱后,他在没有遇见她的情况下向她求婚,她接受了。他们的婚姻很幸福;安格尔夫人的信仰是坚定不移的。随着《托莱多的唐·佩德罗亲吻亨利四世的剑》、《拉斐尔和拉弗纳里纳》、几幅肖像画以及西斯廷教堂内部在1814年的巴黎沙龙上遭到普遍的敌意批评,他继续受到贬损。

学院和佛罗伦萨之后的罗马(1814-1824)

在他离开学院后,一些重要的任务交给了他。法国罗马总督米奥利斯将军是一位富有的艺术赞助人,他请他装饰前教皇官邸卡瓦洛山宫殿的房间,以迎接拿破仑的来访。安格尔根据拿破仑欣赏的一本诗集,为皇帝卧室的天花板绘制了一幅大规模的《罗穆卢斯,克朗的征服者》和《奥西恩之梦》。米奥利斯将军还委托安格尔在奥古斯都、利维亚和奥克塔维亚(1812年)之前为自己的住所阿尔多布兰迪尼别墅(villa Aldobrandini)绘制《维吉尔读《阿奈德》》。这幅画描绘了维吉尔在向奥古斯都皇帝(Emperor Augustus)、他的妻子利维亚(Livia)和妹妹奥克塔维亚( Octavia)背诵他的作品时,提到奥克塔维亚死去的儿子马塞勒斯( Marcellus)的名字,导致奥克塔维亚晕倒。根据庞贝城的考古发现,内部被精确地描绘出来。和往常一样,安格尔制作了同一场景的多个版本:布鲁塞尔比利时皇家美术博物馆保存着一个废弃版本的碎片,1825年,他制作了一幅竖直格式的粉笔画,作为普拉迪埃1832年复制版画的模型。通用米奥利斯版本在19世纪30年代由安格尔重新购买,在安格尔的指导下由助手重新制作,从未完成。《奥西恩之梦》同样被重新收购、修改,但没有完成。

1814年春天,他前往那不勒斯为卡洛琳·穆拉特女王(Caroline Murat)作画。那不勒斯国王约阿希姆·穆拉特(Joachim Murat)早些时候购买了《那不勒斯沉睡者》(La Dormeuse de Naples),这是一款睡姿裸体。原作已丢失,但仍有几幅画存在,安格尔后来在《大宫女》重新审视了这一主题。穆拉特还委托两幅历史画作《拉斐尔和拉弗纳里纳》和《保罗和弗朗索瓦德里米尼》,以及后来成为安格尔最著名的作品之一的《大宫女》,与《那不勒斯沉睡者》(La Dormeuse de Naples)一起创作。由于穆拉特政权的崩溃和1815年约阿希姆·穆拉特(Joachim Murat)被处决,安格尔从未收到付款。随着拿破仑王朝的垮台,他发现自己基本上被困在罗马,没有庇护。

他继续用铅笔和油画创作出大师级的肖像画,几乎达到了摄影精度;但是,随着法国政府的下台,绘画委员会变得罕见。在职业生涯的低谷时期,安格尔用铅笔为许多经过战后罗马的富有游客,特别是英国游客画像,以此增加收入。对于一个渴望获得历史画家声誉的艺术家来说,这似乎是一件卑微的作品,而对于那些敲他门问他“这是画这些小肖像的人住的地方吗?”,他会生气地回答:“不,住在这里的人是个画家!”他在这一时期大量创作的肖像画如今已成为他最受赞赏的作品之一。据估计,他画了大约500幅肖像画,其中包括他著名朋友的肖像。他的朋友包括许多音乐家,包括帕格尼尼(Paganini),他经常与其他人一起演奏小提琴,这些人都对莫扎特(Mozart)、海顿(Haydn)、格鲁克(Gluck)和贝多芬(Beethoven)有着共同的热情。

他还制作了一系列的小画,被称为“吟游诗人风格”,是中世纪和文艺复兴时期的事件的理想写照。1815年,他画了《阿雷蒂诺和查理五世的大使》( Aretino and Charles V's Ambassador),以及《阿雷蒂诺和丁托雷托》(Aretino in the Studio of Tintoretto),这是一幅轶事画,其主题是一位画家挥舞着手枪对着他的批评者,这可能让四面楚歌的安格尔特别满意。同一风格的其他绘画作品包括《亨利四世和他的孩子们玩耍》( Playing with His Children,1817年)以及《莱昂纳多之死》(Death of Leonardo)。

1816年,安格尔制作了他唯一的蚀刻画,一幅法国驻罗马大使加布里埃尔·科尔托伊斯·德普雷西尼(Gabriel Cortois de Pressigny)的肖像。已知他所完成的其他唯一印刷品是两幅石版画:《贝桑松的四位地方法官》(The Four Magistrates of Besançon),作为泰勒男爵( Baron Taylor)在《古代法国风景如画的浪漫之旅》(Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France),以及1825年的《大宫女》的复制品。

1817年,担任法国驻罗马教廷大使的布拉卡斯伯爵( Count of Blacas)为安格尔提供了自1814年以来的第一次官方委托,为他画了一幅《基督将钥匙交给了彼得》(Christ Giving the Keys to Peter.)。完成于1820年,这件壮丽的作品在罗马广受欢迎,但令艺术家懊恼的是,罗马的教会当局不允许将其送往巴黎展出。

1816年或1817年,阿尔瓦公爵费尔南多·阿尔瓦雷斯·德托莱多(Fernando Álvarez de Toledo, Duke of Alva)的后裔委托绘制了一幅因镇压新教改革而获得教皇荣誉的公爵画作。安格尔厌恶这个话题,他认为公爵是历史上的野兽之一,并努力满足委员会和他的良知。经过修改,最终使公爵在背景中变成了一个小人物,安格尔没有完成这项工作。他在日记中写道:“我被迫画这样一幅画,上帝希望它保持素描的状态。”(J'etais forcé par la necessité de peindre un pareil tableau, Dieu a voulu qu'il reste en ebauche.)

他继续向巴黎的沙龙发送作品,希望在那里取得突破。1819年,他将自己的裸体斜倚画《大宫女》以及历史画作《菲利普五世和伯威克元帅》(Philip V and the Marshal of Berwick)和《罗杰解救安吉丽卡》送去,但他的作品再次被评论家指责为哥特式和不自然。评论家凯拉蒂(Kératy)抱怨说,《大宫女》的背部至少长了三个椎骨。评论家查尔斯·兰登(Charles Landon)写道:“经过片刻的注意,人们看到这个人物没有骨骼、肌肉、血液、生命、解脱,没有任何构成模仿的东西……很明显,这位艺术家故意犯了错误,他非常想这样做,他相信要使古代画家的纯真和原始方式复活;但他把早期的一些片段和堕落的死刑当作自己的模型,完全迷失了方向。"

1820年,在佛罗伦萨雕塑家洛伦佐·巴托里尼(Lorenzo Bartolini)的敦促下,安格尔和他的妻子搬到了佛罗伦萨。巴托里尼是他在巴黎多年的老朋友。他仍然不得不依靠肖像画和素描赚钱,但他的运气开始改变。他的画作《罗杰解救安吉丽卡》是为路易十八的私人收藏而购买的,并悬挂在巴黎卢森堡博物馆内,该博物馆最近致力于现世艺术家的作品。这是安格尔进入博物馆的第一件作品。

1821年,他完成了一幅儿时朋友德·帕斯托雷特先生(Monsieur de Pastoret)委托的画作《未来的查理五世,太子进入巴黎》。帕斯托雷特还订购了自己的肖像和宗教作品《戴蓝色面纱的圣母》(Virgin with the Blue Veil)。1820年8月,在德·帕斯托雷特(de Pastoret)的帮助下,他获得了蒙托邦大教堂一幅大型宗教绘画的委托。主题是重建教会和国家之间的联系。安格尔的画作《路易十三的誓言》,灵感来自拉斐尔,纯粹是文艺复兴时期的风格,描绘了国王路易十三发誓将他的统治献给圣母玛利亚。这完全符合复辟新政府的教义。他花了四年时间完成了这幅大油画,并于1824年10月将其带到巴黎沙龙,在那里,它成为最终打开巴黎艺术机构大门并开启他作为官方画家生涯的钥匙。

回到巴黎,撤退到罗马(1824-1834)

1824年,《路易十三的誓言》最终为安格尔在沙龙带来了关键性的成功。尽管司汤达抱怨“那种排除了神性观念的物质美”,但大多数评论家还是赞扬了这部作品。记者、未来总理兼法国总统阿道夫·蒂尔斯(Adolphe Thiers)庆祝了一种新风格的突破:“没有什么比这种多样性更好了,这种多样性是新风格的本质特征。”1825年1月,安格尔被查理十世授予荣誉十字勋章,1825年6月,他当选为艺术学院的成员。德尔佩奇和苏德雷在1826年出版的两个版本的《大宫女》石版画吸引了热切的买家。安格尔获得了24000法郎的复制权——是他六年前为原画支付的20倍。1824年的沙龙也为安格尔的新古典主义带来了一股逆流:德拉克洛瓦以与安格尔截然不同的浪漫风格展示了《希阿岛的屠杀》。

1826年,安格尔绘画的成功促成了一项重大的新任务,《荷马的神化》,这是一幅巨大的画布,纪念了历史上所有伟大的艺术家,旨在装饰卢浮宫查尔斯十世博物馆其中一个大厅的天花板。安格尔未能及时完成1827年沙龙的工作,但用格里赛勒(grisaille)展示了这幅画。1827年的沙龙成为了安格尔《荷马的神化》的新古典主义与德拉克洛瓦的新浪漫主义宣言——《萨达纳帕鲁斯之死》——之间的对抗。安格尔满怀热情地参加了战斗,他称德拉克洛瓦为“丑陋的使徒”,并告诉朋友们,他承认德拉克洛瓦的“天赋、高尚的品格和杰出的精神”,但“他有一些我认为是危险的倾向,我必须加以抵制。”

尽管在波旁政府的支持下,安格尔还是欢迎1830年的七月革命。革命的结果不是一个共和国,而是一个君主立宪制,这一点令这位本质上保守和平主义的艺术家感到满意。1830年8月,他在给朋友的一封信中批评了“仍然想玷污和扰乱如此辉煌、如此神圣地赢得的自由的秩序和幸福”的煽动者安格尔的职业生涯几乎没有受到影响,在七月的君主政体下,他继续接受官方委托和荣誉。

安格尔于1833年在沙龙展出,他对《伯廷先生》的肖像画在那里获得了特别的成功。公众发现它的现实主义引人入胜,尽管一些评论家宣称它的自然主义庸俗,色彩单调。1834年,他完成了一幅大型宗教画作《圣辛可里安的殉难》,描绘了第一位在高卢殉难的圣徒。这幅画是1824年内政部委托奥顿大教堂绘制的,画中的肖像由主教指定。安格尔认为这幅画是他所有作品和技巧的总结,他在1834年的沙龙上展出之前,已经创作了十年。他对这种反应感到惊讶、震惊和愤怒;这幅画受到新古典主义者和浪漫主义者的抨击。安格尔被指控在颜色和圣人的女性形象方面存在历史错误,圣人看起来像一尊美丽的雕像。在愤怒中,安格尔宣布他将不再接受公共委托,他将不再参加沙龙。他后来确实参加了一些半公开的展览,并回顾了他在1855年巴黎国际博览会上的作品,但从未再次参加沙龙或将其作品提交给公众评判。相反,1834年底,他回到罗马,成为法国学院院长。

罗马法国学院院长(1834-1841)

安格尔在罗马呆了六年。正如他后来在巴黎的法国美术学院(École des Beaux-Arts)所做的那样,他把大部分精力都投入到绘画学生的培训上。他重新组织了学院,扩大了图书馆的规模,在学院藏品中增加了许多古典雕像的模型,并帮助学生在罗马和巴黎获得公共委托。他前往奥维托(1835年)、锡耶纳(1835年)、拉文纳和乌尔比诺研究古基督教马赛克、中世纪壁画和文艺复兴艺术。他把相当多的注意力放在音乐上,音乐是学院的一门学科。他欢迎弗朗茨·李斯特(Franz Liszt)和范妮·门德尔松( Fanny Mendelssohn)。他与李斯特建立了长期的友谊。作曲家查尔斯·古诺德(Charles Gounod)当时在该学院领取养老金,他描述了安格尔对现代音乐的欣赏,包括韦伯(Weber)和柏辽兹(Berlioz,),以及他对贝多芬(Beethoven)、海顿(Haydn)、莫扎特(Mozart)和格鲁克(Gluck)的崇拜。他与音乐系学生和他的朋友尼科勒·帕格尼尼(Niccolò Paganini)一起演奏贝多芬的小提琴作品。古诺写道,安格尔“有着婴儿般的温柔和使徒般的愤怒。”当司汤达参观学院并诋毁贝多芬时,安格尔转向看门人,指着司汤达,告诉他,“如果这位先生再打电话来,我就不在这里了。”

他因在1834年的沙龙失败而对巴黎艺术机构的怨恨没有减轻。1836年,他拒绝了法国内政部长阿道夫·蒂尔斯(Adolphe Thiers)为巴黎马德兰教堂(Church of the Madeleine)的内部装修提供的一项重要委托,因为该委托首先提供给了对手Paul Delaroche,后者拒绝了。他确实完成了一小部分作品,并将其寄给了巴黎的赞助人。其中一幅是《带女奴的奥达利斯克》,一幅金发的宫女或后宫成员的肖像,当戴头巾的音乐家演奏时,她懒洋洋地躺着。这符合流行的东方主义流派;他的对手德拉克洛瓦为1834年的沙龙创作了一幅类似主题的油画《阿尔及尔妇女在她们的公寓》。背景灵感来源于波斯微型画,充满了异国情调的细节,但这位女性的长斜倚形式是纯粹的安格尔式的。评论家泰菲尔·戈蒂埃(Théphile Gautier)在谈到安格尔的作品时写道:“不可能更好地描绘出闺房的神秘、沉默和令人窒息的气氛。”1842年,他画了第二个版本《带女奴的奥达利斯克》,与第一个版本几乎相同,但背景由他的学生保罗·弗兰德林绘制。


1840年,他寄出的第二幅画是《安条克的病》,这是一幅以爱和牺牲为主题的历史画作,这幅主题曾由大卫在1800年创作,当时安格尔在他的画室里。它是由路易·菲利普一世国王之子奥尔良公爵(Duc d’Orleans)委托绘制的,其建筑背景非常复杂,由学院的一名学生维克多·巴尔塔德(Victor Baltard)设计,他是巴黎大堂(Les Halles)的未来建筑师。中心人物是一位穿着白色衣服的飘渺女子,她的手放在下巴上沉思的姿势重现在安格尔的一些女性肖像中。

他画的安尼奥丘斯(Aniochius)和斯特拉托尼斯( Stratonice),尽管尺寸很小,只有一米,但对安格尔来说是一个巨大的成功。8月,它在杜伊勒里宫(Palais des Tuileries)马桑展馆(Pavilion Marsan)的奥尔良公爵私人公寓中展出。国王亲自在凡尔赛宫迎接他,并让他参观了宫殿。他被委托画一幅王位继承人公爵的肖像,另一幅则由伦耶斯公爵为丹皮尔城堡创作两幅巨大的壁画。1841年4月,他终于回到了巴黎。

最后几年(1841-1867)

回到巴黎后,安格尔最早的作品之一是一幅奥尔良公爵的画像。1842年,这幅画完成几个月后,这位王位继承人在一次交通事故中丧生,安格尔受命制作更多的复制品。他还收到了为事故发生地的教堂设计17扇彩色玻璃窗的委托书,以及为德鲁克斯的奥尔良教堂额外设计8扇彩色玻璃窗的委托书。他成为巴黎艺术学院的教授。他经常带他的学生去卢浮宫参观古典和文艺复兴时期的艺术,指导他们直视前方,避免观看鲁本斯的作品,他认为鲁本斯的作品偏离了艺术的真正价值。

1848年的革命推翻了路易·菲利普(Louis Philippe),建立了法兰西第二共和国,但对他的工作和思想影响甚微。他宣称革命者是“自称法国人的食人族”,但在大革命期间完成了他的《维纳斯》,他于1808年开始进行习作。它代表了维纳斯,从孕育她的海洋中升起,周围环绕着小天使。他欢迎路易·拿破仑新政府,路易·拿破仑于1852年成为拿破仑三世皇帝。

1843年,安格尔开始用两幅大型壁画装饰丹皮尔城堡(Château de Dampierre)的大厅,这两幅壁画分别是《黄金时代》和《铁器时代》( Iron Age),描绘了艺术的起源。他绘制了500多幅预备图,并为这个庞大的项目工作了六年。为了模仿文艺复兴时期壁画的效果,他选择在灰泥上涂油,这造成了技术上的困难。铁器时代的工作从未超越助手绘制的建筑背景。与此同时,黄金时代越来越多的裸体作品让安格尔的赞助人卢恩斯公爵感到不安,安格尔于1847年暂停了壁画的创作。安格尔的妻子于1849年7月27日去世,他的妻子的去世使他深受打击,最终他无法完成这项工作。1851年7月,他宣布将自己的作品赠送给自己的家乡蒙托邦,并于10月辞去法国美术学院教授的职务。

然而,1852年,当时71岁的安格尔与43岁的德尔芬·拉梅尔(Delphine Ramel)结婚,后者是他的朋友马科特·达金泰尔(Marcotte d'Argenteuil)的亲戚。安格尔重新焕发了青春,在随后的十年中,他完成了几件重要的作品,包括《波琳·埃莱诺尔·德布罗意公主》。1853年,他开始为巴黎Hôtel de Ville的一座大厅的天花板《拿破仑一世的神化》(Apotheosis of Napoleon I),1871年5月巴黎公社纵火烧毁了这座建筑。1854年,在助手们的帮助下,他完成了另一幅历史画作《莱姆斯大教堂查尔斯七世加冕典礼上的圣女贞德》。1855年的巴黎世界博览会上展出了对他的作品的回顾,同年拿破仑三世任命他为法国高级官员。1862年,他被授予参议员的头衔,并在公开教育下成为帝国议会成员。他的三幅作品在伦敦国际展览上展出,他作为法国主要画家的声誉再次得到证实。

他继续修改和完善他的经典主题。1856年,安格尔完成了《》,这幅画始于1820年,与他的《维纳斯》密切相关。他画了《莫里哀与路易十四共进晚餐》的两个版本,并制作了他早期作品的变体。其中包括重印《路易十三的誓言》中的圣母像的宗教作品:1858年《选定圣母》之后是《戴皇冠的圣母》和《圣母与熟睡的婴儿耶稣(习作)》。1859年,他创作了《圣母和天使在一起》的新版本,1862年,他完成了《基督与医生》(Christ and the Doctors),这部作品多年前由玛丽·阿玛利女王委托为比齐教堂创作。他画了保罗、弗朗西斯卡、俄狄浦斯和斯芬克斯的小型复制品。1862年,他完成了《黄金时代》的小型纸质版。他最后一幅重要的肖像画可以追溯到这一时期:《莫特西耶夫人的肖像》,《78岁的自画像》和《德尔芬安格尔,没有拉梅尔》,均于1859年完成。应佛罗伦萨乌菲齐画廊的要求,他于1858年制作了自己的《自画像》。这幅画中唯一的颜色是他荣誉军团的玫瑰花结上的红色。

在他生命的末期,他创作了他最著名的杰作之一《土尔其浴女》。它重印了他自1828年以来一直在用他那娇小的《大浴女》绘画的人物和主题。最初于1852年以正方形完成,并于1859年卖给拿破仑王子,之后不久又归还给了这位艺术家。据传说,克洛西尔德公主对大量的裸体感到震惊。在将这幅画重新制作成色调后,安格尔于1862年签署并注明日期,尽管他在1863年进行了额外的修改。这幅画最终被土耳其外交官哈立德·贝(Khalid Bey)购买,他拥有大量裸体和色情艺术收藏,其中包括库尔贝的几幅画。安格尔死后很久,这幅画就一直引起丑闻。它最初于1907年提供给卢浮宫,但在1911年提供给卢浮宫之前被拒绝。



安格尔于1867年1月14日死于肺炎,享年86岁,他住在巴黎伏尔泰码头的公寓里。他被安葬在巴黎的佩雷·拉切斯公墓中,墓穴由他的学生让·玛丽·博纳西(Jean-Marie Bonnassieux)雕刻。他的画室的内容,包括一些主要的绘画作品、4000多幅绘画作品和他的小提琴,都由艺术家遗赠给了蒙托邦市博物馆,现在被称为安格尔博物馆。


在他生命的尽头,他创作了他最著名的杰作之一,《土尔其浴女》。它再现了他自 1828 年以来一直在用他的《大浴女》方式画的人物和主题。最初于 1852 年以方形格式完成,并于 1859 年卖给了拿破仑王子,不久之后它被归还给了艺术家——据传说,克洛蒂尔德公主(Princess Clothilde)被大量的裸体震惊了。将这幅画改造成圆形(tondo) 后,安格尔于 1862 年签署并注明了日期,尽管他在 1863 年进行了额外的修改。这幅画最终被土耳其外交官哈立德·贝( Khalid Bey)购买,他拥有大量裸体和色情艺术收藏品,其中包括几幅古斯塔夫·库尔贝的画。在安格尔死后很久,这幅画继续引起丑闻。它最初于 1907 年提供给卢浮宫,但在 1911 年被赠送给卢浮宫之前被拒绝。

安格尔于 1867 年 1 月 14 日死于肺炎,享年 86 岁,在他位于巴黎伏尔泰河岸的公寓中去世。他被安葬在巴黎的拉雪兹神父公墓,墓葬由他的学生让-玛丽·博纳西 (Jean-Marie Bonnassieux) 雕刻而成。他工作室的内容,包括一些主要画作、4000 多幅素描和他的小提琴,都被艺术家遗赠给了蒙托邦市博物馆,现在被称为安格尔博物馆(Musée Ingres)。

风格

安格尔的风格形成于生命早期,变化相对较小。他最早的绘画作品,如《一个人的肖像画》(Portrait of a Man,Portrait of an unknown,1797年7月3日,现藏于卢浮宫)已经显示出轮廓的文雅和对造型的平行图案的非凡控制。从一开始,他的绘画就以轮廓的坚定为特征,反映了他常被引用的“绘画是艺术的正直”的信念。他认为色彩只不过是绘画的一个附属品,他解释道:“绘画不仅仅是再现轮廓,也不仅仅是线条,绘画也是表达、内在形式、构图、造型。看看这之后剩下什么。绘画是构成绘画的八分之七。”

艺术史学家让·克莱(Jean Clay)说,安格尔“总是从一个确定到另一个确定,结果就是即使是他最自由的素描也显示出与最终作品相同的表现方式。”在描绘人体时,他无视解剖学的规则,他称之为“可怕的科学,我不能不厌恶地想到”——在他寻求一种蜿蜒的阿拉伯风格的过程中。安格尔厌恶可见的笔触,他没有求助于浪漫派所依赖的色彩和光线的变化效果;他更喜欢当地的颜色,只是用半色调在光线中模糊不清。他会重复道:“我是说,我的生活很好。”(“无论你知道什么,你都必须带着剑去了解它。”)因此,安格尔在处理拥挤的作品时,没有办法产生必要的效果统一,例如《荷马的神化》和《圣辛可里安的殉难》。在安格尔的历史和神话绘画中,最令人满意的通常是那些描绘一个或两个人物的作品,如《俄狄浦斯和斯芬克斯》、《沐浴者》、《带女奴的奥达利斯克》和《》,这些主题只以完美的身体健康意识为动力。

在《罗杰解救安吉丽卡》中,女性裸体似乎只是与精心渲染但动作迟钝的罗杰(Roger)骑着鹰马(Hippogriff)飞去营救的形象并置,因为安格尔很少成功地描绘动作和戏剧。根据桑福德·施瓦茨(Sanford Schwartz)的说法“历史、神话和宗教图片显示了巨大的能量和工业,但是,没有明显的内在紧张感,是古装剧……历史图片中的脸基本上是等待会议结束的模特的脸。当一种情感需要表达时,它会刺耳地或木讷地表现出来。"

安格尔反对理论,他对古典主义的忠诚,强调理想、普遍和规律,这是由于他对特定事物的热爱。他相信“美的秘密必须通过真理来发现。”。古人没有创造,他们没有创造,他们认出了。“在安格尔的许多作品中,理想化与特殊性之间存在着冲突,罗伯特·罗森布鲁姆(Robert Rosenblum)称之为“油与水的感觉”。这种矛盾在《吉鲁比尼与抒情诗缪斯》中表现得淋漓尽致。例如,这位81岁的作曲家在写实的画作中,有一位穿着古典服装的理想化缪斯女神陪伴。

安格尔对题材的选择反映了他的文学品味,而他的文学品味受到严重限制:他反复阅读荷马、维吉尔、普鲁塔克、但丁、历史和艺术家的生活。在他的一生中,他重温了少数最喜欢的主题,并为他的许多主要作品绘制了多个版本。他没有分享他那个时代的热情用于战斗场景,通常更喜欢描绘“通过会面或对峙表现出来的启示或亲密决定的时刻,但绝不是暴力。他众多的宫女绘画在很大程度上受到了驻土耳其大使玛丽·沃特利·蒙塔古(Mary Wortley Montagu)妻子的作品的影响,她的日记和信件一经出版,就深深吸引了欧洲社会。

安格尔的学生阿莫里·杜瓦尔(Amaury Duval)写道:“有了这种执行手段,人们很难解释为什么安格尔的作品没有更大,但他经常刮掉,从不满足……也许这项设施本身就让他返工了任何令他不满意的东西,确信他有能力修复故障,而且速度也很快。安格尔的《维纳斯》开始于1807年,但直到1848年才完成,因为他对手臂位置的犹豫不决而中断了很长一段时间。《》也有类似的历史。它开始于19世纪20年代,是一幅“如此简单的素描,人们会认为她是一笔画出来的”阿莫里·杜瓦尔(Amaury-Duval)认为安格尔在1855年对这幅画的重新创作是一种损失。

肖像画

尽管安格尔认为历史绘画是最高的艺术形式,但他的现代声誉在很大程度上取决于其肖像画的卓越品质。1855年,他在世界博览会(ExpositionUniverselle)举办回顾展时,一种逐渐形成的共识认为他的肖像画是他的杰作。他们一贯的高质量掩盖了安格尔经常抱怨的事实,即肖像画的要求剥夺了他本可以用来画历史题材的时间。波德莱尔称他为“法国唯一一个真正制作肖像画的人。贝尔廷先生、莫雷先生和豪森维尔夫人的肖像画都是真实的肖像画,也就是说,是对个人的理想重建……在我看来,一幅好的肖像画总是被戏剧化的传记。”他最著名的肖像是《辩论杂志》(Journal des Debats)主编《伯廷先生》,该杂志在1833年的沙龙上展出时广受赞赏。安格尔原本计划画贝尔廷站着,但在他决定坐着姿势之前,许多小时的努力以创造性的僵局告终。爱德华·马奈将这幅画像描述为“资产阶级的佛陀”。这幅肖像画很快成为贝尔廷社会阶层经济和政治权力上升的象征。

在他的女性肖像画中,他经常以古典雕像为主题;著名的豪森维尔伯爵夫人肖像可能是仿照梵蒂冈收藏中一尊名为“普迪西”(“谦逊”)的罗马雕像。安格尔使用的另一个技巧是以极高的精确度和准确性绘制肖像中的织物和细节,但要将脸部理想化。观众的眼睛会感觉到织物是真实的,并且会认为这张脸同样真实。他的女性肖像包括热情性感的《塞诺内斯夫人肖像》和现实主义的《珍妮·戈宁小姐》、朱诺式的《莫特西耶夫人的肖像》(分别于1851年和1856年站着和坐着),以及高冷的《波琳·埃莱诺尔·德布罗意公主》。

图画

绘画是英格尔艺术的基础。在艺术界,他擅长图形绘画,赢得了最高奖项。在他在罗马和佛罗伦萨的岁月里,他画了几百幅家庭、朋友和参观者的画像,其中许多画的画质很高。他在一系列绘画中对构图进行了改进。在他的大型历史画中,画中的每一个人物都是无数素描和研究的对象,因为他尝试了不同的姿势。他要求学院和巴黎艺术学院的学生们首先完善他们的绘画;他宣称“画得好的东西总是画得好的”。

他的肖像画(现存约450幅)如今已成为他最受赞赏的作品之一。其中不成比例的作品可追溯到他在意大利艰难的早年,但他一直创作朋友的肖像画,直到生命结束。阿格尼斯·蒙根(Agnes Mongan)曾写过关于肖像画的文章:

1806年秋天,在他离开巴黎前往罗马之前,他绘画风格的熟悉特征已经确立,精致而坚实的轮廓,明确而谨慎的形式变形,在精确而生动的特征描绘中抓住相似性的几乎不可思议的能力。

首选的材料也已经确定:光滑白纸上的尖头石墨铅笔。材料和方式对我们来说都是如此熟悉,以至于我们忘记了它们在当时看起来有多么不同寻常……安格尔的绘画方式与本世纪一样新颖。它立即被认为是专家和令人钦佩的如果他的画被严厉批评为“哥特式”,那么他的画就不会受到类似的批评。

他的学生雷蒙德·巴尔兹(Raymond Balze)描述了安格尔在完成肖像画时的日常工作,每幅肖像画都需要四个小时,如早上一个半小时,下午两个半小时,他很少在第二天对它进行润色。他经常告诉我,他在与那位模特共进午餐时得到了这幅肖像的精髓,而这位模特毫无防备地变得更自然了。据约翰·卡纳迪(John Canaday)所说,最终的绘画以如此微妙和不残忍的方式揭示了坐着的人的性格,安格尔可以“在使他们高兴的绘画中揭露一个纨裤子弟、一个愚蠢的女人或一个风袋的虚荣。”

安格尔的肖像画是在编织纸上绘制的,编织纸提供了一个光滑的表面,与铺好的纸(尽管如此,今天有时被称为“安格尔纸”)的棱纹表面非常不同早期的图纸以非常紧绷的轮廓为特征,用尖尖的石墨绘制,而后来的图纸则显示了更自由的线条和更强调的造型,用更柔软、更钝的石墨绘制。

为绘画做准备的绘画作品,如许多关于《圣辛可里安的殉难》和《黄金时代》的研究,在尺寸和处理上都比肖像画更为多样。他通常会画许多裸体模型,以寻求最好的姿态,然后再加衣物。早年,他有时会在半透明面纱后面摆模特姿势,这种面纱掩盖了细节并强调了阿拉伯风格。他经常在测试男性人物的姿势时使用女性模特,就像他在医生中为耶稣画的一样。甚至对他委托拍摄的一些肖像进行裸体研究,但这些都是用雇佣的模特。

颜色

对于安格尔来说,色彩在艺术中扮演着完全次要的角色。他写道,“色彩为绘画增添了装饰;但它只不过是一个女仆,因为它所做的一切都是为了使艺术的真正完美更令人愉悦。鲁本斯安东尼·凡·戴克乍一看是令人愉快的,但他们是骗人的;他们来自贫穷的色彩学派,即欺骗学派。永远不要使用鲜艳的颜色,它们是反历史的。陷入灰色总比陷入鲜艳的色彩好。1838年,巴黎的研究所抱怨说,罗马安格尔的学生“对色彩的真实性和力量缺乏知识,对光线的不同效果缺乏知识,这是令人遗憾的。”。他们所有的画布上都有一种暗淡而不透明的效果。它们似乎只有在暮色中才被照亮。诗人兼评论家波德莱尔( Baudelaire)观察到:“安格尔先生的学生毫无用处地避免了任何颜色的假象,他们相信或假装相信绘画中不需要他们。"

安格尔自己的画作在色彩的使用上有很大的不同,批评家们倾向于指责它们过于灰色,或者相反,过于刺耳,请告诉我们,你是否曾见过如此耀眼、引人注目的画作,甚至是色彩更为精致的画作”。安格尔的画作往往以强烈的地方色彩为特征,如肯尼斯·克拉克(Kenneth Clark)声称在《大宫女》中“反常地享受”的“酸蓝色和瓶绿色”。在其他作品中,特别是在他不太正式的肖像中,如《珍妮·戈宁小姐》,色彩是克制的。

安格尔和德拉克洛瓦

19世纪中叶,安格尔和德拉克洛瓦成为法国两个相互竞争的艺术流派——新古典主义和浪漫主义——的最杰出代表。新古典主义在很大程度上是以约翰·约阿希姆·温克尔曼(Johann Joachim Winckelmann,1717-1768)的哲学为基础的,他写道艺术应该体现“高贵的简单和平静的宏伟”。许多画家都参加了这门课程,包括François GérardAntoine-Jean Gros安·路易·吉罗代·特里奥松和安格尔的老师雅克-路易·大卫。一个相互竞争的流派,浪漫主义,首先出现在德国,并迅速转移到法国。它拒绝了模仿古典风格的想法,称之为“哥特式”和“原始”。法国绘画中的浪漫主义者由西奥多·杰利柯领导,尤其是德拉克洛瓦。这种对立首先出现在1824年的巴黎沙龙,安格尔在那里展示了受拉斐尔启发的《路易十三的誓言》,而德拉克罗瓦则展示了《希阿岛的屠杀》,描绘了希腊独立战争中的悲剧事件。安格尔的画作平静、静态,结构严谨,而德拉克洛瓦的作品则动荡不安,充满了动感、色彩和情感。

这两位画家和画派之间的争论再次出现在1827年的沙龙上,安格尔在沙龙上展示了古典平衡与和谐的典范《荷马的神化》,而德拉克洛瓦则展示了《萨达纳帕鲁斯之死》,这是另一个闪闪发光、动荡不安的暴力场面。这两位画家之间的较量持续了多年,他们都被认为是学校里最好的画家。尽管现代艺术史学家倾向于认为安格尔和其他新古典主义者体现了他们那个时代的浪漫主义精神,但巴黎艺术家和知识分子因这场冲突而产生了强烈的分歧。

在1855年的世界博览会上,德拉克洛瓦和安格尔都有很好的代表。德拉克洛瓦和浪漫主义者的支持者对安格尔的作品大加指责。贡古尔兄弟(Goncourt brothers)描述了安格尔的“吝啬天才”:面对历史,安格尔先生徒劳地向他求助于某种智慧、正派、便利、纠正以及大学毕业生所要求的精神提升。他把人分散在活动中心周围……到处抛一只胳膊,一条腿,一个画得很完美的脑袋,认为他的工作已经完成了……"

波德莱尔也曾同情安格尔,后来转向德拉克洛瓦。”安格尔先生可以被认为是一个有天赋的人,一个能强烈地唤起美的人,但被剥夺了创造天才命运的精力充沛的气质。"

德拉克洛瓦本人对安格尔毫不留情。在描述安格尔在1855年博览会上的作品展览时,他称之为“荒谬……众所周知,以一种相当浮夸的方式呈现……它是不完全智力的完整表达,努力和假装无处不在,在任何地方都找不到自然的火花。"

根据安格尔的学生Paul Chenavard的说法,在他们职业生涯的后期,安格尔和德拉克洛瓦在法国学院的台阶上意外相遇,安格尔伸出手,两人友好地握手。

学生

安格尔是一位认真的老师,他的学生们非常钦佩他。其中最著名的是Théodore Chassériau,他从1830年开始与他一起学习,当时他还是一个早熟的11岁孩子,直到安格尔于1834年关闭工作室返回罗马。安格尔认为沙塞里奥是他最忠实的门徒,甚至根据一位早期传记作家的预测,他将成为“绘画中的拿破仑”。然而,到1840年沙塞里奥访问罗马的安格尔时,这位年轻艺术家对德拉克洛瓦的浪漫主义风格越来越忠诚,导致安格尔与他最喜欢的学生断绝了关系,后来他很少和他严厉地谈论这位学生。没有其他在安格尔治下学习的艺术家成功地确立了强烈的身份,其中最著名的是让·希波利特·弗兰德林Henri LehmannEugène-Emmanuel Amaury-Duval

对现代艺术的影响

安格尔对后世艺术家的影响是巨大的。他的继承人之一是埃德加·德加,他在安格尔的小弟子路易·拉莫特( Louis Lamothe)手下学习。在20世纪,他的影响力更大。毕加索亨利·马蒂斯都承认欠安格尔的债。马蒂斯将他描述为第一位“使用纯色,勾勒出它们而不扭曲它们”的画家绘画的构图,将人物带到前台,消除了19世纪绘画的传统深度和视角,并将呈现他们的人物“像一副纸牌中的人物”压扁,是新的、令人震惊的效果,在19世纪受到批评,但在20世纪受到先锋派的欢迎。1905年,安格尔的一次重要作品回顾会在巴黎的汽车沙龙举行,毕加索、马蒂斯和许多其他艺术家都参观了该沙龙。首次公开展出的《土尔其浴女》的原创和引人注目的构图,对1907年毕加索的《亚维农少女》中人物的构图和姿势产生了明显的影响。这次展览还包括他为未完成的壁画《黄金时代》所做的许多习作,包括一幅引人注目的画,画中女性优雅地围成一圈跳舞。马蒂斯在1909年的画作《舞蹈》中就这幅作品创作了自己的版本。安格尔的《伯廷先生》的特殊姿势和色彩也在毕加索的《格特鲁德斯坦》中重现。

巴内特·纽曼(Barnett Newman)认为安格尔是抽象表现主义的先驱,他解释道:“那家伙是一位抽象画家……他看画布的次数比看模特的次数多。没有他,我们谁都不会存在。”

安格尔博物馆馆长皮埃尔·巴鲁塞写道:

...人们会意识到,从十九世纪最为传统的亚历山大·卡巴内尔布格罗到本世纪最具革命性的亨利·马蒂斯毕加索,各种各样的艺术家都声称他是他们的大师。古典主义者?最重要的是,他被穿透自然美的秘密并通过它自己的方式重新解释它的冲动所感动,一种与大卫截然不同的态度……结果是一种真正的个人和独特的艺术,因为其造型的自主性而受到立体主义者的推崇,因为其富有远见的品质而受到超现实主义者的推崇。

维奥隆·德安格尔

众所周知,安格尔对小提琴的热爱在法语中产生了一个共同的表达方式“安格尔小提琴”(violon d'Ingres),这意味着一种超越人们主要认识的第二种技能。

安格尔从小就是一名业余小提琴手,曾在图卢兹管弦乐队担任过一段时间的第二小提琴手。当他担任罗马法国学院院长时,他经常和音乐学生和客座艺术家一起演奏。查尔斯·古诺德(Charles Gounod)是该学院安格尔(Ingres)手下的一名学生,他只是指出“他不是一名专业人士,更不是一名演奏家”。与学生音乐家一起,他与尼科帕格尼尼演奏了贝多芬弦乐四重奏。在1839年的一封信中,弗朗茨·李斯特形容他的演奏“迷人”,并计划与安格尔一起演奏所有莫扎特和贝多芬的小提琴奏鸣曲。1840年,李斯特还将贝多芬第五交响曲和第六交响曲的抄本献给了安格尔。


安格尔作品收藏于:

卢浮宫(22)

大都会艺术博物馆(8)

安格尔博物馆(8)

伦敦国家美术馆(5)

尚蒂伊孔代博物馆(5)

哈佛艺术博物馆(5)

马里兰州沃尔特艺术博物馆(3)

维多利亚和阿尔伯特博物馆(3)

美国国家艺术馆(3)

巴黎国立高等美术学院(2)

格拉内特博物馆(2)

法布尔博物馆(2)

凡尔赛宫(2)

巴黎小皇宫美术馆(2)

巴黎奥赛美术馆(2)

里昂美术馆(1)

奥德罗普格园林博物馆(1)

Musee Bonnat-Helleu(1)

加利福尼亚州圣地亚哥艺术博物馆(1)

芝加哥艺术博物馆(1)

瑞典国立博物馆(1)

华沙国家博物馆(1)

巴塞尔美术馆(1)

列日武器博物馆(1)

Musée de l'Armée(1)

鲁昂美术馆(1)

纳尔逊-阿特金斯艺术博物馆(1)

贝桑松博物馆(1)

法国南特美术馆(1)

Cathédrale Notre-Dame de Montauban(1)

博纳博物馆(1)

Cathédrale Saint-Lazare d'Autun(1)

苏黎世布尔勒收藏展览馆(1)

昂热美术馆(1)

弗里克收藏(1)

奥古斯汀博物馆(1)

沃兹沃思学会(1)

普希金博物馆(1)

海德收藏博物馆(1)

乌菲兹美术馆(1)

奥斯卡·莱因哈特基金会(1)

诺顿·西蒙博物馆(1)

费城艺术博物馆(1)

Comédie-Française - Palais-Royal(1)

维多利亚国立美术馆(1)

索马亚博物馆(1)

巴伯美术学院(1)

洛杉矶艺术博物馆(1)

埃尔米塔日博物馆(1)

塔夫特艺术博物馆(1)

保罗·盖蒂博物馆(1)