索尔·勒维特
Sol LeWitt
艺术家名：索尔·勒维特（Sol LeWitt）
生卒日期： 1928年9月9日 - 2007年4月8日
国籍：美国
索尔·勒维特的全部作品（0）
所罗门·“索尔”·勒维特（Solomon "Sol" LeWitt）是一位与各种运动相关的美国艺术家，包括概念艺术和极简主义。
勒维特在 20 世纪 60 年代末期以其壁画和“结构”（他更喜欢用这个词来代替“雕塑”）而闻名，但他在绘画、版画、摄影、油画、装置和艺术家书籍等多种媒体领域也颇有建树 。 自 1965 年以来，他一直是世界各地博物馆和画廊数百场个展的主题。拉里·布鲁姆 (Lary Bloom) 撰写的第一本艺术家传记《索尔·勒维特：思想的一生》（Sol LeWitt: A Life of Ideas）于 2019 年春季由卫斯理大学出版社出版 。
生活
勒维特出生于康涅狄格州哈特福德的一个俄罗斯犹太移民家庭。 他的父亲在他 6 岁时去世。他的母亲带他去哈特福德的沃兹沃斯图书馆上艺术课。 1949 年从雪城大学获得艺术学士学位后，勒维特前往欧洲，接触了古代大师的画作。 此后不久，他参加了朝鲜战争，先是在加利福尼亚，然后是日本，最后是韩国。 勒维特于 1953 年搬到纽约市，并在下东区赫斯特街的旧德系犹太人定居点设立了工作室。 在此期间，他在视觉艺术学院学习，同时还在《十七》（Seventeen）杂志追求自己对设计的兴趣，在那里他从事粘贴、机械设计和复印工作。 1955年，他在建筑师贝聿铭的办公室担任平面设计师一年。 大约在那个时候，勒维特还发现了 19 世纪末摄影师埃德沃德·迈布里奇 (Eadweard Muybridge) 的作品，他对序列和运动的研究对他产生了早期的影响。 这些经历，加上他 1960 年在纽约现代艺术博物馆 (MoMA) 担任夜间接待员和文员的初级工作，影响了勒维特后来的作品。
在现代艺术博物馆，勒维特的同事包括艺术家同事罗伯特·莱曼（Robert Ryman）、Dan Flavin、吉恩·比里（ Gene Beery）和罗伯特·曼戈尔德（Robert Mangold），以及未来的艺术评论家和作家、在图书馆担任侍者的露西·利帕德（Lucy Lippard）。 1960 年，策展人多萝西·坎宁·米勒 (Dorothy Canning Miller) 举办了著名的“十六个美国人”展览，展出了贾斯珀·琼斯、罗伯特·劳森伯格和Frank Stella的作品，在与勒维特有联系的艺术家群体中引起了极大的兴奋和讨论。 勒维特还与汉娜·达博文（Hanne Darboven）、Eva Hesse和Robert Smithson成为了朋友。
20 世纪 60 年代末，勒维特在纽约的几所学校任教，包括纽约大学和视觉艺术学院。 1980年，勒维特离开纽约前往意大利斯波莱托。 20 世纪 80 年代末返回美国后，勒维特将康涅狄格州切斯特作为他的主要居住地。 他因癌症并发症在纽约去世，享年 78 岁。
作品
勒维特被认为是极简艺术和观念艺术的创始人。 他多产的二维和三维作品范围广泛，从壁画（其中 1200 多幅已完成）到数百幅纸上作品，一直延伸到塔、金字塔、几何形式和级数形式的结构。 这些作品的尺寸范围广泛，从书籍和画廊大小的装置到具有纪念意义的户外作品。勒维特的第一批系列雕塑创作于 20 世纪 60 年代，采用正方形的模块化形式，以不同的视觉复杂性进行排列。 1979年，勒维特参与了露辛达·蔡尔兹（Lucinda Childs）舞蹈团的作品《舞蹈》（Dance）的设计。
雕塑
20 世纪 60 年代初，勒维特首次开始创作他的“结构”，他用这个术语来描述他的三维作品。 他对开放式、模块化结构的频繁使用源于立方体，这种形式从他成为艺术家之初就影响了艺术家的思维。 在创作了由封闭式木制物体组成并手工涂上厚重漆的早期作品后，他在 20 世纪 60 年代中期“决定完全去除皮肤并揭示结构”。 这种骨骼形式，即彻底简化的开放立方体，成为艺术家三维作品的基本组成部分。 20 世纪 60 年代中期，勒维特开始研究开放式立方体：十二个相同的线性元素在八个角连接起来形成骨架结构。 从 1969 年起，他开始构思许多大规模的模块化结构，由工业制造商用铝或钢建造。 勒维特的几个立方体结构大约与视线齐平。 艺术家以这种比例将身体比例引入到他的基本雕塑单位中。
经过早期实验，勒维特于 1965 年左右为他的模块化立方体确定了一个标准版本：梁之间的负空间与雕塑材料本身的正空间的比例为 8.5:1，或者17/2。 该材料也将被漆成白色而不是黑色，以避免早期类似作品的黑色“表现力”。 比例和颜色都是任意的审美选择，但一旦采用，它们就会在几件代表勒维特“模块化立方体”作品的作品中得到一致使用。 收藏勒维特模块化立方体作品样本的博物馆发布了基础教育课程建议，旨在鼓励孩子们研究艺术品的数学特性。
从 20 世纪 80 年代中期开始，勒维特用堆叠的煤渣块创作了一些雕塑，但仍在自我施加的限制内产生变化。 这时，他开始使用混凝土砌块。 1985年，第一个水泥立方体在巴塞尔的一个公园建成。 从 1990 年起，勒维特构思了多种使用混凝土块建造的塔楼。 勒维特在 20 世纪 90 年代末创作的作品与他著名的几何形式词汇有所不同，生动地表明了艺术家对有些随机的曲线形状和高度饱和的色彩日益增长的兴趣。
2007 年，勒维特构想出了 9 座塔，这是一个由 1000 多块浅色砖砌成的立方体，每边长 5 米。 它于 2014 年安装在瑞典的希维克艺术中心（Kivik Art Centre）。
墙画
1968 年，勒维特开始为他直接绘制在墙上的二维作品构思一套指导方针或简单的图表，首先用石墨，然后用蜡笔，后来用彩色铅笔，最后用色彩丰富的印度墨水、明亮的丙烯酸等材料来绘制。 自从 1968 年为保拉·库珀画廊 (Paula Cooper Gallery) 的首场展览（一场为结束越南战争的学生动员委员会而举办的展览）创作了一件艺术品以来，勒维特的数千幅画作就被直接安装在墙壁表面。 1969 年至 1970 年间，他创作了四个“绘画系列”，呈现了他许多早期壁画的基本元素的不同组合。 在每个系列中，他对正方形分为四个相等部分的二十四种可能组合中的每一种都应用了不同的变化系统，每个部分都包含勒维特使用的四种基本类型的线条之一（垂直，水平，左对角线和右对角线） ）。 结果是二十四个原始单元中的每一个都有四种可能的排列。 绘图系列 I 中使用的系统被勒维特称为“旋转”，绘图系列 II 使用称为“镜像”的系统，绘图系列 III 使用“交叉和反向镜像”，绘图系列 IV 使用“交叉反向”。
在 1972 年首次安装在剑桥麻省理工学院的《墙画 #122》（Wall Drawing #122） 中，该作品包含“两条交叉线的所有组合，随机放置，使用来自角落和侧面的弧线、直线、非直线和折线”，从而产生 画廊墙壁上展示着 150 个独特的配对。 勒维特进一步扩展了这一主题，创作了诸如纽约现代艺术博物馆的《墙画#260》（Wall Drawing #260）等变体，它系统地贯穿了弧线和线条的所有可能的两部分组合。 构思于 1995 年的《墙画 #792：黑色矩形和正方形》（Wall Drawing #792: Black rectangles and squares）强调了勒维特早期对艺术与建筑交叉点的兴趣。 这件作品横跨布鲁塞尔芭芭拉·格拉德斯通画廊（Barbara Gladstone Gallery）的两层楼，由黑色矩形的不同组合组成，形成不规则的网格状图案。
勒维特于 20 世纪 70 年代末移居意大利斯波莱托，他将自己从石墨铅笔或蜡笔转向生动水墨的转变归功于他与乔托、马萨乔和其他早期佛罗伦萨画家的壁画的邂逅。 在20世纪90年代末和2000年代初，他创作了高饱和度的彩色亚克力墙画。 虽然它们的形状是曲线形的、有趣的并且看起来几乎是随机的，但它们也是根据一套严格的指导方针绘制的。 例如，带子是标准宽度的，并且任何彩色部分都不能接触相同颜色的另一部分。
2005 年，勒维特开始创作一系列“涂鸦”墙画，之所以如此命名，是因为它们要求制图员用石墨涂鸦来填充墙壁区域。 涂鸦以六种不同的密度进行，这些密度显示在艺术家的图表上，然后以字符串形式绘制在墙壁表面上。 涂鸦密度的渐变产生了暗示三个维度的连续色调。 最大的涂鸦墙画《墙画#1268》（Wall Drawing #1268）正在奥尔布赖特-诺克斯美术馆（ Albright-Knox Art Gallery）展出。
根据勒维特的作品原则，勒维特的壁画通常是由艺术家本人以外的人绘制的。 即使在他去世后，人们仍在创作这些图画。 因此，他最终会使用助手团队来创作此类作品。 1971 年，勒维特在撰写有关绘制壁画的文章时指出，“每个人画线的方式不同，每个人对文字的理解也不同”。 从 1968 年到 2007 年去世，勒维特创作了 1,270 多幅壁画。 现场绘制的壁画通常在展览期间存在，然后它们被销毁，使作品的物理形式变得短暂。 它们可以根据展览目的多次安装、拆卸，然后重新安装到另一个位置。 当转移到另一个位置时，墙的数量只能通过确保保留原始图表的比例来改变。
勒维特的永久壁画可以在纽约安盛公正中心（Axa Equitable Center）等地找到。瑞士再保险美洲总部位于纽约阿蒙克、亚特兰大市政厅《墙画#581》（Wall Drawing #581, 1989/90），华盛顿特区沃尔特·E·华盛顿会议中心《墙画#1103》（Wall Drawing #1103, 2003）； 纽约康拉德酒店（Conrad Hotel）的《傻傻的杜比（蓝与紫）》（Loopy Doopy（蓝与紫），1999）； 布法罗的奥尔布赖特-诺克斯美术馆（Albright-Knox Art Gallery）的《墙画#1268：涂鸦：楼梯（AKAG）》（Wall Drawing #1268: Scribbles: Staircase (AKAG), 2006/2010）； 阿克伦艺术博物馆，阿克伦（2007）； 纽约哥伦布圆环地铁站； 犹太博物馆（纽约），纽约； 剑桥麻省理工学院绿色物理中心（Bars of Colors Within Squares (MIT)，2007）； 美国驻柏林大使馆； 沃兹沃斯图书馆； 以及俄亥俄州奥柏林的约翰·皮尔逊之家。 艺术家最后的公开壁画《壁画#1259：Loopy Doopy (斯普林菲尔德)》(2008) 位于马萨诸塞州斯普林菲尔德的美国法院（由建筑师 Moshe Safdie 设计）。 《墙画#599：Circles 18（1989）》——黄色、蓝色、红色和白色交替带状同心圆的靶心——于 2013 年安装在纽约犹太社区中心的大厅。
水粉画
20 世纪 80 年代，特别是在意大利旅行之后，勒维特开始使用水粉画（一种不透明的水性颜料）来创作对比色的自由流动的抽象作品。 这些作品与他的其他实践有很大的不同，因为这些作品是他亲手创作的。 勒维特的水粉画通常根据特定主题进行系列创作。 过去的系列包括《不规则形式、平行曲线、波浪笔触和网状网格》（Irregular Forms, Parallel Curves, Squiggly Brushstrokes and Web-like Grids）。
尽管这种松散渲染的构图可能与他早期更具几何结构的作品在视觉上有所不同，但它仍然符合他最初的艺术意图。 勒维特煞费苦心地用他的水粉画作品制作了自己的版画。 2012 年，艺术顾问海蒂·李·科玛罗米（Heidi Lee Komaromi）策划了“索尔·勒维特：1983-2003 年纸上作品”展览，展示了勒维特在生命最后几十年中在纸上使用的各种技巧。
艺术家的书籍
自 1966 年起，勒维特对连载的兴趣导致他在整个职业生涯中创作了 50 多本艺术家书籍，后来他向沃兹沃斯雅典娜图书馆捐赠了许多样本。 1976 年，勒维特与其他艺术家和评论家露西·利帕德 (Lucy Lippard)、卡罗尔·安德罗基奥 (Carol Androcchio)、艾米·贝克 (Amy Baker) (Sandback)、Edit DeAk、迈克·格里尔 (Mike Glier)、南希·林恩 (Nancy Linn)、 沃尔特·罗宾逊（ Walter Robinson）、英格丽德·西西（ Ingrid Sischy）、帕特·斯泰尔（Pat Steir）、咪咪·惠勒（Mimi Wheeler）、罗宾·怀特（Robin White）和伊雷娜·冯·扎恩（Irena von Zahn）。 勒维特是“艺术家之书”流派的标志性创新者，这一术语是为 1973 年费城摩尔艺术与设计学院黛安娜·佩里·范德利普 (Dianne Perry Vanderlip) 策划的展览而创造的。
印刷品公司（Printed Matter）是最早致力于创作和发行艺术家书籍的组织之一，其中包括自助出版、小型出版社出版以及艺术家网络和集体。 对于勒维特和其他人来说，印刷品还充当了前卫艺术家的支持系统，平衡了其作为市中心艺术界的出版商、展览空间、零售空间和社区中心的角色，从这个意义上说，勒维特效仿了作为现代艺术博物馆工作人员所认识并享受的有抱负的艺术家网络。
建筑和景观美化
勒维特与建筑师斯蒂芬·劳埃德（Stephen Lloyd）合作，为贝丝·沙洛姆·罗德夫·泽德克（Beth Shalom Rodfe Zedek）设计了一座犹太教堂。他构思了这座“通风”的犹太教堂建筑，其浅圆顶由“茂盛的木制屋顶梁”支撑，这是对东欧木制犹太教堂的致敬。
1981年，勒维特受费尔蒙特公园艺术协会（Fairmount Park Art Association，现称为公共艺术协会， Association for Public Art）的邀请，为费尔蒙特公园的一个场地提出了一件公共艺术品的提案。 他选择了一块长方形的土地，称为赖利纪念馆，并提交了一张附有说明的图纸。 《花卉四个方向的线条》（Lines in Four Directions in Flowers）于 2011 年安装，由 7,000 多株植物精心排列而成。 在他最初的提案中，艺术家计划在四个相等的矩形区域中种植四种不同颜色（白色、黄色、红色和蓝色）的花卉装置，按四个方向（垂直、水平、对角线右和左）排列，并由常绿植物框出 树篱高约 2 英尺，每个色块包含四到五个依次开花的物种。
2004年，《六曲墙》（Six Curved Walls）雕塑被安装在雪城大学校园克劳斯学院的山坡上。 这座混凝土块雕塑由六面起伏的墙壁组成，每面高 12 英尺，跨度 140 英尺。 该雕塑的设计和建造是为了纪念南希·坎托 (Nancy Cantor) 就任雪城大学第十一任校长。
收藏
自 20 世纪 60 年代初以来，他和妻子卡罗尔·安德罗西奥 (Carol Androccio) 通过购买、与其他艺术家和经销商交易或作为礼物收集了近 9,000 件艺术品。 通过这种方式，他获得了约 750 名艺术家的作品，其中包括 Dan Flavin、罗伯特·莱曼（Robert Ryman）、汉娜·达尔博文（Hanne Darboven）、Eva Hesse、唐纳德·贾德（Donald Judd）、河原温（On Kawara）、宫本和子（Kazuko Miyamoto）、Carl Andre、丹·格雷厄姆（Dan Graham）、汉斯·哈克（Hans Haacke）、格哈德·里希特等。 2007年，韦瑟斯彭艺术博物馆（Weatherspoon Art Museum ）举办的“勒维特收藏精选”展览汇集了大约100件绘画、雕塑、素描、版画和照片，其中包括安德烈、爱丽丝·艾科克（Alice Aycock）、贝恩德和希拉·贝歇尔（Bernd and Hilla Becher）、简·迪贝茨（Jan Dibbets）、杰基·费拉拉（Jackie Ferrara） 、吉尔伯特和乔治（Gilbert and George）、Alex Katz、罗伯特·曼戈尔德（ Robert Mangold）、布莱斯·马登（Brice Marden）、Mario Merz、希林·内沙特（Shirin Neshat）、帕特·斯泰尔（ Pat Steir）和许多其他艺术家。
展览
勒维特的作品于 1964 年在纽约凯玛画廊（Kaymar Gallery）由 Dan Flavin策划的群展中首次公开展出。随后丹·格雷厄姆（Dan Graham）的约翰·丹尼尔斯画廊（John Daniels Gallery）于 1965 年为他举办了首次个展。1966 年，他参加了“主要结构”展览 在纽约犹太博物馆举办的展览（一场有助于定义极简主义运动的开创性展览），提交了一个由 9 个单元组成的无标题、开放式模块化立方体。 同年，他参加了纽约杜万画廊（ Dwan Gallery）的“10”展览。 后来，他受哈拉尔·塞曼 (Harald Szeemann) 邀请参加 1969 年在瑞士伯尔尼艺术馆举办的“当态度成为形式”展览。 1993 年，勒维特在接受采访时谈到那些年，他说道：“我决定让颜色或形状后退并以三维的方式进行。”
海牙市立博物馆于 1970 年举办了他的首次回顾展，随后他的作品于 1978 年在纽约现代艺术博物馆举办的大型职业生涯中期回顾展中展出。 1972/1973 年，勒维特在欧洲的首次博物馆展览是 收藏于伯尔尼艺术馆和牛津现代艺术博物馆。 1975 年，勒维特为沃兹沃斯雅典娜艺术博物馆的第三届 MATRIX 展览创作了“哈特福德雅典娜博物馆的矩形位置”。 同年晚些时候，他参加了沃兹沃斯雅典娜博物馆的第六届 MATRIX 展览，为第二幅壁画提供指导。 现代艺术博物馆于 1978-79 年为勒维特举办了他的第一次回顾展。 该展览前往美国多个场馆进行。 在 1987 年德国明斯特雕塑展中，他实现了《黑色形式：失踪犹太人纪念碑》（Black Form: Memorial to the Missing Jews），这是一堵由黑色混凝土砌块组成的长方形墙，位于优雅的白色新古典主义政府大楼前广场的中心，它现在安装在汉堡阿尔托纳市政厅。 此后的其他主要展览包括《索尔·勒维特素描 1958-1992》（Sol LeWitt Drawings 1958-1992），该展览由荷兰海牙市立博物馆于 1992 年举办，并在接下来的三年内巡展到英国、德国、瑞士、法国、西班牙和其他国家的博物馆。 1996年，纽约现代艺术博物馆举办了巡回调查展：“索尔·勒维特版画：1970-1995”。 2000 年，旧金山现代艺术博物馆举办了勒维特大型回顾展。该展览曾在芝加哥当代艺术博物馆和纽约惠特尼美国艺术博物馆巡回展出。
2006 年，勒维特的绘画系列……在迪亚贝肯（Dia Beacon）展出，主要展示这位概念艺术家 20 世纪 70 年代的绘画作品。 绘图员和助理使用石墨、彩色铅笔、蜡笔和粉笔直接在墙上画画。 这些作品基于勒维特的复杂原理，消除了画布对更广泛结构的限制。
博物馆藏品
勒维特的作品被最重要的博物馆收藏，包括：伦敦泰特现代美术馆、埃因霍温范阿贝博物馆、贝尔格莱德塞尔维亚国家博物馆、巴黎蓬皮杜中心、瑞士沙夫豪森新美术馆、堪培拉澳大利亚国家美术馆、 澳大利亚、古根海姆博物馆、现代艺术博物馆、纽约、Dia:Beacon、曼哈顿犹太博物馆、迈阿密佩雷斯艺术博物馆、佛罗里达州、马萨诸塞州当代艺术馆、北亚当斯、麻省理工学院列表艺术中心公共艺术收藏、剑桥、 华盛顿特区国家美术馆以及赫希霍恩博物馆和雕塑花园。 索尔·勒维特 (Sol LeWitt) 在立陶宛维尔纽斯欧洲公园（Europos Parkas）建造的双负金字塔是后柏林墙时代艺术史上的重大事件。
影响
索尔·勒维特是他那个时代的主要人物之一。 他通过质疑一个想法、艺术家的主观性以及给定想法可能产生的艺术品之间的基本关系，改变了艺术创作的过程。 虽然许多艺术家在 20 世纪 60 年代挑战原创性、作者身份和艺术天才的现代概念，但勒维特否认极简主义、概念主义和工艺艺术等方法仅仅是技术性的或哲学的阐释。 勒维特在他的《观念艺术段落》中断言，观念艺术既不是数学的，也不是智力的，而是直觉的，因为将想法转化为艺术作品所固有的复杂性充满了偶然性。 勒维特的艺术并非艺术家的一手之力，而是艺术家的杰作。 每件作品背后的理念都超越了作品本身。 21世纪初，勒维特的作品，尤其是壁画，因其经济洞察力而广受好评。 尽管这些图画很朴素——大多数都是在一张纸上以简单的说明形式存在——但这些图画可以在世界任何地方一次又一次地制作，而无需艺术家参与其制作。
艺术世界
2014 年，他在纽约苏富比拍卖行的纸板水粉画《波浪笔触》（Wavy Brushrinkle，1995 年）创下了 749,000 美元的拍卖纪录。
生卒日期： 1928年9月9日 - 2007年4月8日
国籍：美国
索尔·勒维特的全部作品（0）
所罗门·“索尔”·勒维特（Solomon "Sol" LeWitt）是一位与各种运动相关的美国艺术家，包括概念艺术和极简主义。
勒维特在 20 世纪 60 年代末期以其壁画和“结构”（他更喜欢用这个词来代替“雕塑”）而闻名，但他在绘画、版画、摄影、油画、装置和艺术家书籍等多种媒体领域也颇有建树 。 自 1965 年以来，他一直是世界各地博物馆和画廊数百场个展的主题。拉里·布鲁姆 (Lary Bloom) 撰写的第一本艺术家传记《索尔·勒维特：思想的一生》（Sol LeWitt: A Life of Ideas）于 2019 年春季由卫斯理大学出版社出版 。
生活
勒维特出生于康涅狄格州哈特福德的一个俄罗斯犹太移民家庭。 他的父亲在他 6 岁时去世。他的母亲带他去哈特福德的沃兹沃斯图书馆上艺术课。 1949 年从雪城大学获得艺术学士学位后，勒维特前往欧洲，接触了古代大师的画作。 此后不久，他参加了朝鲜战争，先是在加利福尼亚，然后是日本，最后是韩国。 勒维特于 1953 年搬到纽约市，并在下东区赫斯特街的旧德系犹太人定居点设立了工作室。 在此期间，他在视觉艺术学院学习，同时还在《十七》（Seventeen）杂志追求自己对设计的兴趣，在那里他从事粘贴、机械设计和复印工作。 1955年，他在建筑师贝聿铭的办公室担任平面设计师一年。 大约在那个时候，勒维特还发现了 19 世纪末摄影师埃德沃德·迈布里奇 (Eadweard Muybridge) 的作品，他对序列和运动的研究对他产生了早期的影响。 这些经历，加上他 1960 年在纽约现代艺术博物馆 (MoMA) 担任夜间接待员和文员的初级工作，影响了勒维特后来的作品。
在现代艺术博物馆，勒维特的同事包括艺术家同事罗伯特·莱曼（Robert Ryman）、Dan Flavin、吉恩·比里（ Gene Beery）和罗伯特·曼戈尔德（Robert Mangold），以及未来的艺术评论家和作家、在图书馆担任侍者的露西·利帕德（Lucy Lippard）。 1960 年，策展人多萝西·坎宁·米勒 (Dorothy Canning Miller) 举办了著名的“十六个美国人”展览，展出了贾斯珀·琼斯、罗伯特·劳森伯格和Frank Stella的作品，在与勒维特有联系的艺术家群体中引起了极大的兴奋和讨论。 勒维特还与汉娜·达博文（Hanne Darboven）、Eva Hesse和Robert Smithson成为了朋友。
20 世纪 60 年代末，勒维特在纽约的几所学校任教，包括纽约大学和视觉艺术学院。 1980年，勒维特离开纽约前往意大利斯波莱托。 20 世纪 80 年代末返回美国后，勒维特将康涅狄格州切斯特作为他的主要居住地。 他因癌症并发症在纽约去世，享年 78 岁。
作品
勒维特被认为是极简艺术和观念艺术的创始人。 他多产的二维和三维作品范围广泛，从壁画（其中 1200 多幅已完成）到数百幅纸上作品，一直延伸到塔、金字塔、几何形式和级数形式的结构。 这些作品的尺寸范围广泛，从书籍和画廊大小的装置到具有纪念意义的户外作品。勒维特的第一批系列雕塑创作于 20 世纪 60 年代，采用正方形的模块化形式，以不同的视觉复杂性进行排列。 1979年，勒维特参与了露辛达·蔡尔兹（Lucinda Childs）舞蹈团的作品《舞蹈》（Dance）的设计。
雕塑
20 世纪 60 年代初，勒维特首次开始创作他的“结构”，他用这个术语来描述他的三维作品。 他对开放式、模块化结构的频繁使用源于立方体，这种形式从他成为艺术家之初就影响了艺术家的思维。 在创作了由封闭式木制物体组成并手工涂上厚重漆的早期作品后，他在 20 世纪 60 年代中期“决定完全去除皮肤并揭示结构”。 这种骨骼形式，即彻底简化的开放立方体，成为艺术家三维作品的基本组成部分。 20 世纪 60 年代中期，勒维特开始研究开放式立方体：十二个相同的线性元素在八个角连接起来形成骨架结构。 从 1969 年起，他开始构思许多大规模的模块化结构，由工业制造商用铝或钢建造。 勒维特的几个立方体结构大约与视线齐平。 艺术家以这种比例将身体比例引入到他的基本雕塑单位中。
经过早期实验，勒维特于 1965 年左右为他的模块化立方体确定了一个标准版本：梁之间的负空间与雕塑材料本身的正空间的比例为 8.5:1，或者17/2。 该材料也将被漆成白色而不是黑色，以避免早期类似作品的黑色“表现力”。 比例和颜色都是任意的审美选择，但一旦采用，它们就会在几件代表勒维特“模块化立方体”作品的作品中得到一致使用。 收藏勒维特模块化立方体作品样本的博物馆发布了基础教育课程建议，旨在鼓励孩子们研究艺术品的数学特性。
从 20 世纪 80 年代中期开始，勒维特用堆叠的煤渣块创作了一些雕塑，但仍在自我施加的限制内产生变化。 这时，他开始使用混凝土砌块。 1985年，第一个水泥立方体在巴塞尔的一个公园建成。 从 1990 年起，勒维特构思了多种使用混凝土块建造的塔楼。 勒维特在 20 世纪 90 年代末创作的作品与他著名的几何形式词汇有所不同，生动地表明了艺术家对有些随机的曲线形状和高度饱和的色彩日益增长的兴趣。
2007 年，勒维特构想出了 9 座塔，这是一个由 1000 多块浅色砖砌成的立方体，每边长 5 米。 它于 2014 年安装在瑞典的希维克艺术中心（Kivik Art Centre）。
墙画
1968 年，勒维特开始为他直接绘制在墙上的二维作品构思一套指导方针或简单的图表，首先用石墨，然后用蜡笔，后来用彩色铅笔，最后用色彩丰富的印度墨水、明亮的丙烯酸等材料来绘制。 自从 1968 年为保拉·库珀画廊 (Paula Cooper Gallery) 的首场展览（一场为结束越南战争的学生动员委员会而举办的展览）创作了一件艺术品以来，勒维特的数千幅画作就被直接安装在墙壁表面。 1969 年至 1970 年间，他创作了四个“绘画系列”，呈现了他许多早期壁画的基本元素的不同组合。 在每个系列中，他对正方形分为四个相等部分的二十四种可能组合中的每一种都应用了不同的变化系统，每个部分都包含勒维特使用的四种基本类型的线条之一（垂直，水平，左对角线和右对角线） ）。 结果是二十四个原始单元中的每一个都有四种可能的排列。 绘图系列 I 中使用的系统被勒维特称为“旋转”，绘图系列 II 使用称为“镜像”的系统，绘图系列 III 使用“交叉和反向镜像”，绘图系列 IV 使用“交叉反向”。
在 1972 年首次安装在剑桥麻省理工学院的《墙画 #122》（Wall Drawing #122） 中，该作品包含“两条交叉线的所有组合，随机放置，使用来自角落和侧面的弧线、直线、非直线和折线”，从而产生 画廊墙壁上展示着 150 个独特的配对。 勒维特进一步扩展了这一主题，创作了诸如纽约现代艺术博物馆的《墙画#260》（Wall Drawing #260）等变体，它系统地贯穿了弧线和线条的所有可能的两部分组合。 构思于 1995 年的《墙画 #792：黑色矩形和正方形》（Wall Drawing #792: Black rectangles and squares）强调了勒维特早期对艺术与建筑交叉点的兴趣。 这件作品横跨布鲁塞尔芭芭拉·格拉德斯通画廊（Barbara Gladstone Gallery）的两层楼，由黑色矩形的不同组合组成，形成不规则的网格状图案。
勒维特于 20 世纪 70 年代末移居意大利斯波莱托，他将自己从石墨铅笔或蜡笔转向生动水墨的转变归功于他与乔托、马萨乔和其他早期佛罗伦萨画家的壁画的邂逅。 在20世纪90年代末和2000年代初，他创作了高饱和度的彩色亚克力墙画。 虽然它们的形状是曲线形的、有趣的并且看起来几乎是随机的，但它们也是根据一套严格的指导方针绘制的。 例如，带子是标准宽度的，并且任何彩色部分都不能接触相同颜色的另一部分。
2005 年，勒维特开始创作一系列“涂鸦”墙画，之所以如此命名，是因为它们要求制图员用石墨涂鸦来填充墙壁区域。 涂鸦以六种不同的密度进行，这些密度显示在艺术家的图表上，然后以字符串形式绘制在墙壁表面上。 涂鸦密度的渐变产生了暗示三个维度的连续色调。 最大的涂鸦墙画《墙画#1268》（Wall Drawing #1268）正在奥尔布赖特-诺克斯美术馆（ Albright-Knox Art Gallery）展出。
根据勒维特的作品原则，勒维特的壁画通常是由艺术家本人以外的人绘制的。 即使在他去世后，人们仍在创作这些图画。 因此，他最终会使用助手团队来创作此类作品。 1971 年，勒维特在撰写有关绘制壁画的文章时指出，“每个人画线的方式不同，每个人对文字的理解也不同”。 从 1968 年到 2007 年去世，勒维特创作了 1,270 多幅壁画。 现场绘制的壁画通常在展览期间存在，然后它们被销毁，使作品的物理形式变得短暂。 它们可以根据展览目的多次安装、拆卸，然后重新安装到另一个位置。 当转移到另一个位置时，墙的数量只能通过确保保留原始图表的比例来改变。
勒维特的永久壁画可以在纽约安盛公正中心（Axa Equitable Center）等地找到。瑞士再保险美洲总部位于纽约阿蒙克、亚特兰大市政厅《墙画#581》（Wall Drawing #581, 1989/90），华盛顿特区沃尔特·E·华盛顿会议中心《墙画#1103》（Wall Drawing #1103, 2003）； 纽约康拉德酒店（Conrad Hotel）的《傻傻的杜比（蓝与紫）》（Loopy Doopy（蓝与紫），1999）； 布法罗的奥尔布赖特-诺克斯美术馆（Albright-Knox Art Gallery）的《墙画#1268：涂鸦：楼梯（AKAG）》（Wall Drawing #1268: Scribbles: Staircase (AKAG), 2006/2010）； 阿克伦艺术博物馆，阿克伦（2007）； 纽约哥伦布圆环地铁站； 犹太博物馆（纽约），纽约； 剑桥麻省理工学院绿色物理中心（Bars of Colors Within Squares (MIT)，2007）； 美国驻柏林大使馆； 沃兹沃斯图书馆； 以及俄亥俄州奥柏林的约翰·皮尔逊之家。 艺术家最后的公开壁画《壁画#1259：Loopy Doopy (斯普林菲尔德)》(2008) 位于马萨诸塞州斯普林菲尔德的美国法院（由建筑师 Moshe Safdie 设计）。 《墙画#599：Circles 18（1989）》——黄色、蓝色、红色和白色交替带状同心圆的靶心——于 2013 年安装在纽约犹太社区中心的大厅。
水粉画
20 世纪 80 年代，特别是在意大利旅行之后，勒维特开始使用水粉画（一种不透明的水性颜料）来创作对比色的自由流动的抽象作品。 这些作品与他的其他实践有很大的不同，因为这些作品是他亲手创作的。 勒维特的水粉画通常根据特定主题进行系列创作。 过去的系列包括《不规则形式、平行曲线、波浪笔触和网状网格》（Irregular Forms, Parallel Curves, Squiggly Brushstrokes and Web-like Grids）。
尽管这种松散渲染的构图可能与他早期更具几何结构的作品在视觉上有所不同，但它仍然符合他最初的艺术意图。 勒维特煞费苦心地用他的水粉画作品制作了自己的版画。 2012 年，艺术顾问海蒂·李·科玛罗米（Heidi Lee Komaromi）策划了“索尔·勒维特：1983-2003 年纸上作品”展览，展示了勒维特在生命最后几十年中在纸上使用的各种技巧。
艺术家的书籍
自 1966 年起，勒维特对连载的兴趣导致他在整个职业生涯中创作了 50 多本艺术家书籍，后来他向沃兹沃斯雅典娜图书馆捐赠了许多样本。 1976 年，勒维特与其他艺术家和评论家露西·利帕德 (Lucy Lippard)、卡罗尔·安德罗基奥 (Carol Androcchio)、艾米·贝克 (Amy Baker) (Sandback)、Edit DeAk、迈克·格里尔 (Mike Glier)、南希·林恩 (Nancy Linn)、 沃尔特·罗宾逊（ Walter Robinson）、英格丽德·西西（ Ingrid Sischy）、帕特·斯泰尔（Pat Steir）、咪咪·惠勒（Mimi Wheeler）、罗宾·怀特（Robin White）和伊雷娜·冯·扎恩（Irena von Zahn）。 勒维特是“艺术家之书”流派的标志性创新者，这一术语是为 1973 年费城摩尔艺术与设计学院黛安娜·佩里·范德利普 (Dianne Perry Vanderlip) 策划的展览而创造的。
印刷品公司（Printed Matter）是最早致力于创作和发行艺术家书籍的组织之一，其中包括自助出版、小型出版社出版以及艺术家网络和集体。 对于勒维特和其他人来说，印刷品还充当了前卫艺术家的支持系统，平衡了其作为市中心艺术界的出版商、展览空间、零售空间和社区中心的角色，从这个意义上说，勒维特效仿了作为现代艺术博物馆工作人员所认识并享受的有抱负的艺术家网络。
建筑和景观美化
勒维特与建筑师斯蒂芬·劳埃德（Stephen Lloyd）合作，为贝丝·沙洛姆·罗德夫·泽德克（Beth Shalom Rodfe Zedek）设计了一座犹太教堂。他构思了这座“通风”的犹太教堂建筑，其浅圆顶由“茂盛的木制屋顶梁”支撑，这是对东欧木制犹太教堂的致敬。
1981年，勒维特受费尔蒙特公园艺术协会（Fairmount Park Art Association，现称为公共艺术协会， Association for Public Art）的邀请，为费尔蒙特公园的一个场地提出了一件公共艺术品的提案。 他选择了一块长方形的土地，称为赖利纪念馆，并提交了一张附有说明的图纸。 《花卉四个方向的线条》（Lines in Four Directions in Flowers）于 2011 年安装，由 7,000 多株植物精心排列而成。 在他最初的提案中，艺术家计划在四个相等的矩形区域中种植四种不同颜色（白色、黄色、红色和蓝色）的花卉装置，按四个方向（垂直、水平、对角线右和左）排列，并由常绿植物框出 树篱高约 2 英尺，每个色块包含四到五个依次开花的物种。
2004年，《六曲墙》（Six Curved Walls）雕塑被安装在雪城大学校园克劳斯学院的山坡上。 这座混凝土块雕塑由六面起伏的墙壁组成，每面高 12 英尺，跨度 140 英尺。 该雕塑的设计和建造是为了纪念南希·坎托 (Nancy Cantor) 就任雪城大学第十一任校长。
收藏
自 20 世纪 60 年代初以来，他和妻子卡罗尔·安德罗西奥 (Carol Androccio) 通过购买、与其他艺术家和经销商交易或作为礼物收集了近 9,000 件艺术品。 通过这种方式，他获得了约 750 名艺术家的作品，其中包括 Dan Flavin、罗伯特·莱曼（Robert Ryman）、汉娜·达尔博文（Hanne Darboven）、Eva Hesse、唐纳德·贾德（Donald Judd）、河原温（On Kawara）、宫本和子（Kazuko Miyamoto）、Carl Andre、丹·格雷厄姆（Dan Graham）、汉斯·哈克（Hans Haacke）、格哈德·里希特等。 2007年，韦瑟斯彭艺术博物馆（Weatherspoon Art Museum ）举办的“勒维特收藏精选”展览汇集了大约100件绘画、雕塑、素描、版画和照片，其中包括安德烈、爱丽丝·艾科克（Alice Aycock）、贝恩德和希拉·贝歇尔（Bernd and Hilla Becher）、简·迪贝茨（Jan Dibbets）、杰基·费拉拉（Jackie Ferrara） 、吉尔伯特和乔治（Gilbert and George）、Alex Katz、罗伯特·曼戈尔德（ Robert Mangold）、布莱斯·马登（Brice Marden）、Mario Merz、希林·内沙特（Shirin Neshat）、帕特·斯泰尔（ Pat Steir）和许多其他艺术家。
展览
勒维特的作品于 1964 年在纽约凯玛画廊（Kaymar Gallery）由 Dan Flavin策划的群展中首次公开展出。随后丹·格雷厄姆（Dan Graham）的约翰·丹尼尔斯画廊（John Daniels Gallery）于 1965 年为他举办了首次个展。1966 年，他参加了“主要结构”展览 在纽约犹太博物馆举办的展览（一场有助于定义极简主义运动的开创性展览），提交了一个由 9 个单元组成的无标题、开放式模块化立方体。 同年，他参加了纽约杜万画廊（ Dwan Gallery）的“10”展览。 后来，他受哈拉尔·塞曼 (Harald Szeemann) 邀请参加 1969 年在瑞士伯尔尼艺术馆举办的“当态度成为形式”展览。 1993 年，勒维特在接受采访时谈到那些年，他说道：“我决定让颜色或形状后退并以三维的方式进行。”
海牙市立博物馆于 1970 年举办了他的首次回顾展，随后他的作品于 1978 年在纽约现代艺术博物馆举办的大型职业生涯中期回顾展中展出。 1972/1973 年，勒维特在欧洲的首次博物馆展览是 收藏于伯尔尼艺术馆和牛津现代艺术博物馆。 1975 年，勒维特为沃兹沃斯雅典娜艺术博物馆的第三届 MATRIX 展览创作了“哈特福德雅典娜博物馆的矩形位置”。 同年晚些时候，他参加了沃兹沃斯雅典娜博物馆的第六届 MATRIX 展览，为第二幅壁画提供指导。 现代艺术博物馆于 1978-79 年为勒维特举办了他的第一次回顾展。 该展览前往美国多个场馆进行。 在 1987 年德国明斯特雕塑展中，他实现了《黑色形式：失踪犹太人纪念碑》（Black Form: Memorial to the Missing Jews），这是一堵由黑色混凝土砌块组成的长方形墙，位于优雅的白色新古典主义政府大楼前广场的中心，它现在安装在汉堡阿尔托纳市政厅。 此后的其他主要展览包括《索尔·勒维特素描 1958-1992》（Sol LeWitt Drawings 1958-1992），该展览由荷兰海牙市立博物馆于 1992 年举办，并在接下来的三年内巡展到英国、德国、瑞士、法国、西班牙和其他国家的博物馆。 1996年，纽约现代艺术博物馆举办了巡回调查展：“索尔·勒维特版画：1970-1995”。 2000 年，旧金山现代艺术博物馆举办了勒维特大型回顾展。该展览曾在芝加哥当代艺术博物馆和纽约惠特尼美国艺术博物馆巡回展出。
2006 年，勒维特的绘画系列……在迪亚贝肯（Dia Beacon）展出，主要展示这位概念艺术家 20 世纪 70 年代的绘画作品。 绘图员和助理使用石墨、彩色铅笔、蜡笔和粉笔直接在墙上画画。 这些作品基于勒维特的复杂原理，消除了画布对更广泛结构的限制。
博物馆藏品
勒维特的作品被最重要的博物馆收藏，包括：伦敦泰特现代美术馆、埃因霍温范阿贝博物馆、贝尔格莱德塞尔维亚国家博物馆、巴黎蓬皮杜中心、瑞士沙夫豪森新美术馆、堪培拉澳大利亚国家美术馆、 澳大利亚、古根海姆博物馆、现代艺术博物馆、纽约、Dia:Beacon、曼哈顿犹太博物馆、迈阿密佩雷斯艺术博物馆、佛罗里达州、马萨诸塞州当代艺术馆、北亚当斯、麻省理工学院列表艺术中心公共艺术收藏、剑桥、 华盛顿特区国家美术馆以及赫希霍恩博物馆和雕塑花园。 索尔·勒维特 (Sol LeWitt) 在立陶宛维尔纽斯欧洲公园（Europos Parkas）建造的双负金字塔是后柏林墙时代艺术史上的重大事件。
影响
索尔·勒维特是他那个时代的主要人物之一。 他通过质疑一个想法、艺术家的主观性以及给定想法可能产生的艺术品之间的基本关系，改变了艺术创作的过程。 虽然许多艺术家在 20 世纪 60 年代挑战原创性、作者身份和艺术天才的现代概念，但勒维特否认极简主义、概念主义和工艺艺术等方法仅仅是技术性的或哲学的阐释。 勒维特在他的《观念艺术段落》中断言，观念艺术既不是数学的，也不是智力的，而是直觉的，因为将想法转化为艺术作品所固有的复杂性充满了偶然性。 勒维特的艺术并非艺术家的一手之力，而是艺术家的杰作。 每件作品背后的理念都超越了作品本身。 21世纪初，勒维特的作品，尤其是壁画，因其经济洞察力而广受好评。 尽管这些图画很朴素——大多数都是在一张纸上以简单的说明形式存在——但这些图画可以在世界任何地方一次又一次地制作，而无需艺术家参与其制作。
艺术世界
2014 年，他在纽约苏富比拍卖行的纸板水粉画《波浪笔触》（Wavy Brushrinkle，1995 年）创下了 749,000 美元的拍卖纪录。
索尔·勒维特作品收藏于：
