罗伯特·劳森伯格
Robert Rauschenberg
艺术家名：罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）
生卒日期： 1925年10月22日 - 2008年5月12日
国籍：美国
罗伯特·劳森伯格的全部作品（7）
米尔顿·欧内斯特·劳森伯格（Milton Ernest Rauschenberg，Milton Ernest Robert Rauschenberg）是一位美国画家和平面艺术家，其早期作品预示了波普艺术运动。劳森伯格以其《组合》 （Combines，1954-1964）而闻名，这是一组将日常物品作为艺术材料并模糊了绘画和雕塑之间区别的艺术品。劳森伯格主要是一名画家和雕塑家，但他也从事摄影、版画、造纸和表演工作。
劳森伯格在其近 60 年的艺术生涯中获得了无数奖项。其中最著名的是1964 年第 32 届威尼斯双年展国际绘画大奖和1993 年国家艺术奖章。劳森伯格在纽约市和佛罗里达州卡普蒂瓦岛生活和工作，直至 2008 年 5 月 12 日去世。
生活和事业
劳森伯格出生于德克萨斯州亚瑟港，原名米尔顿·欧内斯特·劳森伯格（Milton Earnest Rauschenberg），是多拉·卡罗莱纳（Dora Carolina）和欧内斯特·R·劳森伯格（Ernest R. Rauschenberg）的儿子。 他的父亲有德国和切罗基（Cherokee）血统，母亲有荷兰血统。他的父亲在海湾国家公用事业公司工作，这是一家照明和电力公司。他的父母都是原教旨主义基督徒。他有一个妹妹，名叫珍妮特·贝格诺（Janet Begneaud）。
18 岁时，劳森伯格被德克萨斯大学奥斯汀分校（University of Texas at Austin）录取，在那里他开始学习药理学，但不久后他就退学了，因为课程作业很困难——当时他没有意识到自己患有阅读障碍——而且他不愿意解剖生物课上的一只青蛙。他于 1944 年应征加入美国海军。他居住在加利福尼亚州，在一家海军医院担任神经精神科技术员，直到 1945 年或 1946 年退役。
劳森伯格随后在堪萨斯城艺术学院（Kansas City Art Institute）和法国巴黎朱利安学院（Académie Julian in Paris）学习，在那里他遇到了艺术系学生苏珊·韦尔（Susan Weil）。当时他也将自己的名字从米尔顿改为罗伯特。 1948年，劳森伯格与韦尔一起入读北卡罗来纳州的黑山学院（Black Mountain College）。
在黑山，劳森伯格找到了德国包豪斯的创始人约瑟夫·阿尔伯斯 ，他在 1948 年 8 月号的《时代》杂志上读到过关于他的报道。他希望阿尔伯斯严谨的教学方法能够遏制他习惯性的马虎。阿尔伯斯的初步设计课程依赖于严格的纪律，不允许任何“不受影响的实验”。
用劳森伯格自己的话来说，他成了“阿尔伯斯的傻瓜，他没有谈论的事情的杰出例子”。尽管劳森伯格认为阿尔伯斯是他最重要的老师，但他在约翰·凯奇（John Cage，一位著名的前卫音乐作曲家）身上发现了更兼容的情感。和劳森伯格一样，凯奇也放弃了导师阿诺德·勋伯格（Arnold Schönberg）的纪律性教诲，转而采用更具实验主义的音乐方法。凯奇在劳森伯格职业生涯的早期为他提供了急需的支持和鼓励，两人在接下来的几十年里仍然是朋友和艺术合作者。
从 1949 年到 1952 年，劳森伯格在纽约艺术学生联盟跟随Vaclav Vytlacil和莫里斯·坎特 ( Morris Kantor)学习，在那里他遇到了艺术家同行诺克斯·马丁 (Knox Martin)和Cy Twombly。
1950 年夏天，劳森伯格在康涅狄格州外岛的韦尔家与苏珊·韦尔 (Susan Weil)结婚。他们唯一的孩子克里斯托弗出生于 1951 年 7 月 16 日。两人于 1952 年 6 月分居，并于 1953 年离婚。 此后，劳森伯格与其他艺术家Cy Twombly和贾斯珀·琼斯等人建立了恋爱关系。 他生命最后 25 年的伴侣是艺术家达里尔·波托夫（Darryl Pottorf），他的前助手。
20 世纪 70 年代，他搬进了纽约曼哈顿的诺霍（NoHo，北休斯顿街） 。
劳森伯格于 1968 年 7 月 26 日购买了海滨别墅，这是他在卡普蒂瓦岛上的第一处房产。然而，直到 1970 年秋天，该房产才成为他的永久住所。
劳森伯格于 2008 年 5 月 12 日在佛罗里达州卡普蒂瓦岛因心力衰竭去世。
艺术贡献
劳森伯格的方法有时被称为“新达达主义”，他与画家贾斯珀·琼斯共享这个标签。劳森伯格有句名言：“绘画与艺术和生活息息相关”，他想在“两者之间的间隙”进行创作。像他的许多达达主义前辈一样，劳森伯格质疑艺术品和日常物品之间的区别，他对现成材料的使用重复了马塞尔·杜尚的《喷泉》（Fountain，1917）提出的知识问题。杜尚的达达主义影响也可以在贾斯珀·琼斯的目标、数字和旗帜画作中观察到，这些都是熟悉的文化符号：“头脑已经知道的东西”。
在黑山学院，劳森伯格尝试了多种艺术媒介，包括版画、素描、摄影、油画、雕塑和戏剧；他的作品经常将这些特征结合起来。他在黑山将鹅卵石和砾石压入画布上的黑色颜料中，创作了《夜色绽放》（Night Blooming，1951）画作。同年，他与苏珊·韦尔（Susan Weil）在纽约的公寓中合作制作了全身蓝图，“他们希望将其变成屏幕和壁纸设计”。
从 1952 年秋天到 1953 年春天，劳森伯格与他的艺术家同事兼合作伙伴Cy Twombly一起在意大利和北非旅行。在那里，他利用发现的材料创作了拼贴画和小型雕塑，包括《个人信箱》（Scatole Personali）和《个人癖好》（Feticci Personali）。他在罗马和佛罗伦萨的画廊展出了这些作品。令劳森伯格惊讶的是，许多作品被售出。根据一位评论他的展览的艺术评论家的建议，他将那些没有卖出的扔进了阿尔诺河里。
1953 年回到纽约市后，劳森伯格开始利用曼哈顿下城附近发现的材料（例如废金属、木材和麻线）创作雕塑。在整个 20 世纪 50 年代，劳森伯格通过为蒂芙尼公司（Tiffany & Co.）和邦维特·泰勒公司（Bonwit Teller）设计店面橱窗展示来养活自己，首先是与苏珊·韦尔（Susan Weil）合作，后来以化名马特森·琼斯（Matson Jones）与贾斯珀·琼斯合作。
在 1953 年的一个著名事件中，劳森伯格向抽象表现主义画家Willem de Kooning索要一幅图画，其明确目的是为了将其作为艺术陈述而删除。这件名为《擦除的德库宁绘画》（Erased de Kooning Drawing）的概念性作品是在老艺术家的同意下完成的。
1961 年，劳森伯格通过将想法呈现为艺术品本身，探索了类似的概念方法。他受邀参加巴黎艾里斯·克莱特画廊（Galerie Iris Clert）举办的展览，艺术家们将在会上展示画廊老板艾里斯·克莱特（Iris Clert）的肖像画。劳森伯格提交的材料包括一封电报，声明“如果我这么说，这是艾里斯·克莱特的肖像。”
到 1962 年，劳森伯格的绘画开始不仅融入发现的物体，还融入发现的图像。那年参观安迪·沃霍尔的工作室后，劳森伯格开始使用丝网印刷工艺（通常用于商业复制手段）将照片转移到画布上。 1962年至1964年间创作的丝网画让评论家将劳森伯格的作品与波普艺术等同起来。
自 20 世纪 50 年代中期制作早期的《组合》（Combines）以来，劳森伯格就在他的艺术作品中尝试了技术，他有时使用工作收音机、时钟和电风扇作为雕塑材料。后来，他在与贝尔实验室研究科学家比利·克鲁弗（Billy Klüver）合作时探索了自己对技术的兴趣。他们共同实现了劳森伯格一些最雄心勃勃的基于技术的实验，例如“测深”（Soundings，1968），这是一个对环境声音做出反应的灯光装置。1966 年，克鲁弗和劳森伯格正式成立了艺术与技术实验(EAT)，这是一个非营利组织，旨在促进艺术家和工程师之间的合作。 1969年，美国宇航局邀请劳森伯格见证阿波罗11号的发射。为了响应这一具有里程碑意义的事件，劳森伯格创作了他的《石月系列》（Stoned Moon Series）石版画。这涉及将美国宇航局档案中的图表和其他图像与他自己的绘图和手写文本结合起来。
从 1970 年起，劳森伯格在佛罗里达州卡普蒂瓦的家中和工作室里工作。他在新工作室创作的第一批作品是《纸板》（Cardboards，1971-72）和《早期埃及人》（Early Egyptians，1973-74），他依靠当地采购的材料，如纸板和沙子。劳森伯格以前的作品经常强调城市意象和材料，而现在他更喜欢织物和纸张中天然纤维的效果。他使用溶剂转移技术在纺织品上进行印刷，制作了《霜》（Hoarfrost，1974-76) 和传播（Spread，1975-82) 系列，后者的特点是木板上有大片拼贴织物。劳森伯格使用色彩缤纷的面料创作了《干扰器》（Jammer，1975-76) 系列，其灵感源自他前往印度艾哈迈达巴德（一座以纺织品闻名的城市）的旅行。《干扰器》（Jammer）系列的无形象简约与充满图像的《霜》以及他在纽约创作的早期作品的坚韧形成鲜明对比。
1975 年之后，国际旅行成为劳森伯格艺术进程的核心部分。1984 年，劳森伯格宣布在联合国启动他的劳森伯格海外文化交流中心 (ROCI )。ROCI 项目几乎完全由艺术家资助，包括对世界十个国家进行为期七年的巡演。劳森伯格在每个地点都拍摄了照片，并根据他所访问的文化创作了艺术作品。由此产生的作品在每个国家的当地展览中展出。劳森伯格经常向当地文化机构捐赠艺术品。
从 20 世纪 80 年代中期开始，劳森伯格专注于将丝网印刷图像印刷到各种经过不同处理的金属上，例如钢和镜面铝。他创作了许多所谓的“金属画”系列，包括：《北极光》（Borealis，1988-92）、 《城市波旁》（Urban Bourbon，1988-1996）、《幻影》（Phantoms，1991）和《夜色》 (Night Shades，1991)。此外，在整个 90 年代，劳森伯格继续使用新材料，同时仍然使用更基本的技术。作为他参与最新技术创新的一部分，在他的晚期绘画系列中，他将数字喷墨摄影图像转移到各种绘画载体上。在他的《田园诗般的静修处》（Arcadian Retreats，1996）中，他将图像转移到湿壁画上。他于 1998 年创作的《情趣酒店》（Love Hotel），由植物染料转印在聚层压板上制成，被迈阿密佩雷斯艺术博物馆永久收藏，该博物馆位于艺术家的故乡佛罗里达州，已有近四十年的历史。 为了履行对环境的承诺，劳森伯格在转印过程中使用了可生物降解的染料和颜料以及水，而不是化学品。
白画、黑画和红画
1951年，劳森伯格继承了马列维奇建立的单色绘画传统，创作了《白色绘画》（hite Painting）系列，他将绘画简化为最基本的品质，以获得纯粹和无限的审美体验。白色画作于 1953 年秋季在纽约埃莉诺·沃德 ( Eleanor Ward) 的马厩画廊（Stable Gallery）展出。劳森伯格使用日常的白宫油漆和油漆滚筒来创造光滑、未修饰的表面，这些表面最初看起来像空白画布。然而，约翰·凯奇（John Cage）并没有认为这些白色绘画毫无内容，而是将其描述为“光、影和粒子的机场”，反映房间内微妙的大气变化的表面。劳森伯格本人表示，他们受到了环境条件的影响，“所以你几乎可以看出房间里有多少人。” 与《白色绘画》一样，1951-1953 年的黑色绘画也是在多个面板上创作的，并且主要是单色作品。劳森伯格将哑光和光亮的黑色颜料涂在画布上报纸的纹理底色上，偶尔让报纸保持可见。
到 1953 年，劳森伯格已经从白色绘画和黑色绘画系列转向了高度表现主义的红色绘画系列。他认为红色是绘画中“最难的颜色”，并接受了挑战，将红色颜料直接滴在、粘贴和挤压到包括图案织物、报纸、木头和钉子在内的画布上。红色绘画复杂的材质表面是劳森伯格著名的《组合》（Combine，1954-1964）系列的先驱。
组合（Combines）
劳森伯格收集了纽约市街头的废弃物品，并将它们带回自己的工作室，并将它们融入到自己的作品中。他声称他“想要一些东西，而不是我自己能做的东西，我想利用惊喜、集体性和发现惊喜的慷慨。因此，物体本身被它的背景改变了，因此它成为一个新的东西。”事物。”
劳森伯格关于艺术与生活之间差距的评论为理解他作为艺术家的贡献提供了出发点。他看到了几乎所有事物的潜在美感；他曾经说过，“我真的为那些认为肥皂碟、镜子或可乐瓶之类的东西丑陋的人感到遗憾，因为他们整天被这样的东西包围，这一定让他们很痛苦。” 他的“组合”系列通过将日常物品与传统绘画材料一起纳入美术语境，赋予了日常物品新的意义。联合体消除了艺术和雕塑之间的界限，使两者都出现在一件艺术品中。虽然“组合”在技术上指的是劳森伯格从 1954 年到 1964 年的作品，但劳森伯格在他的整个艺术生涯中继续使用日常物品，如衣服、报纸、城市碎片和纸板。
他的过渡作品《夏琳》（Charlene，1954）和《收藏》 （Collection，1954/1955）促成了《组合》（Combines）的创作，他在其中拼贴了围巾、电灯泡、镜子和漫画等物品。尽管劳森伯格在他的黑色绘画和红色绘画中使用了报纸和图案纺织品，但在组合中，他赋予日常物品与传统绘画材料同等的突出地位。《床》（Bed ，1955）被认为是最早的组合作品之一，它是通过在破旧的被子、床单和枕头上涂抹红色油漆而创作的。这幅作品像传统绘画一样垂直挂在墙上。由于材料与艺术家自身生活的密切联系，《床》通常被认为是一幅自画像，是劳森伯格内心意识的直接印记。一些评论家认为这幅作品可以被解读为暴力和强奸的象征，但劳森伯格将《床》描述为“我画过的最友好的画之一”。他最著名的组合是那些融合了动物标本的组合，例如《字母组合》(Monogram，1955-1959)，其中包括一只毛绒安哥拉山羊，以及《峡谷》 (Canyon，1959)，其中包括一只毛绒金鹰。尽管这只鹰被从垃圾中救了出来，但峡谷因 1940 年的秃头鹰和金鹰保护法案而引起了政府的愤怒。
评论家最初是根据其形式品质来看待联合收割机的：颜色、纹理和构图。20 世纪 60 年代的形式主义观点后来被评论家利奥·斯坦伯格 (Leo Steinberg)驳斥，他说每个组合都是“一个接收器表面，物体散布在其上，数据输入在其上”。根据斯坦伯格的说法，他所谓的劳森伯格的“平板画板”的水平性已经取代了绘画的传统垂直性，并随后允许劳森伯格作品中独特的材料结合表面。
表演及舞蹈
20 世纪 50 年代初搬到纽约后，劳森伯格开始探索他对舞蹈的兴趣。他在黑山学院首次接触前卫舞蹈和表演艺术，在那里他参加了约翰·凯奇的《戏剧作品1号》（Theatre Piece No. 1，1952），这通常被认为是第一部发生剧。他开始为默斯·坎宁安（Merce Cunningham）和保罗·泰勒（Paul Taylor）设计布景、灯光和服装。20 世纪 60 年代初，他参与了格林威治村贾德森纪念教堂的激进舞蹈戏剧实验，并于 1963 年 5 月为贾德森舞蹈剧院编排了他的第一场表演《鹈鹕》 （Pelican，1963） 。 劳森伯格是亲密的朋友与坎宁安相关的舞者包括卡罗琳·布朗（ Carolyn Brown）、维奥拉·法伯（Viola Farber）和史蒂夫·帕克斯顿（Steve Paxton），他们都出现在他编排的作品中。劳森伯格与默斯·坎宁安舞蹈团的全职联系在其 1964 年世界巡演后结束。 1966年，劳森伯格为纽约第69兵团军械库（69th Regiment Armory）的《9晚：剧院与工程》（9 Evenings: Theatre and Engineering）的一部分创作了《开放乐谱》（Open Score）表演。该系列对于艺术与技术实验（EAT）的形成发挥了重要作用。
1977 年，劳森伯格、坎宁安和凯奇十三年来首次重新合作，创作了《游记》 (Travelogue，1977)，劳森伯格为该剧提供了服装和布景设计。 1967年之后，劳森伯格没有编排自己的作品，但在他余下的艺术生涯中 ，他继续与包括特丽莎·布朗在内的其他编舞家合作。
佣金
在他的整个职业生涯中，劳森伯格设计了许多海报来支持对他来说很重要的事业。1965年，当《生活》杂志委托他想象一个现代地狱时，他毫不犹豫地发泄了对越南战争和其他当代社会政治问题的愤怒，包括种族暴力、新纳粹主义、政治暗杀和生态灾难。
1969 年，纽约大都会艺术博物馆委托劳森伯格创作一件作品以纪念其百年诞辰。他了解到博物馆最初的目标在 1870 年的一份证书中有详细说明，并根据该物品创建了他的“百年纪念证书”，上面有博物馆中一些最著名的藏品的图像以及当时董事会的签名。百年纪念证书的副本存在于许多博物馆和私人收藏中。
1979 年 12 月 30 日，《迈阿密先驱报》印刷了 65 万份周日杂志《热带》（Tropic），封面由劳森伯格设计。1983年，他因传声头像（Talking Heads）专辑《说方言》（Speaking in Tongues）的专辑设计获得了格莱美奖。 1986 年，劳森伯格受宝马（BMW）委托，为著名的宝马（BMW）艺术车项目第六期的全尺寸宝马（BMW）635 CSi进行喷漆。劳森伯格的汽车是该项目中第一辆带有纽约大都会艺术博物馆作品复制品以及他自己的照片的汽车。
1998 年，梵蒂冈委托劳森伯格创作了一件作品，以纪念2000 年禧年，并在意大利圣乔瓦尼·罗通多（San Giovanni Rotondo）的比奥神父礼拜堂（Sanctuary of Saint Pio of Pietrelcina）展出。围绕《最后的审判》（Last Judgement）的主题，劳森伯格创作了《快乐启示录》（The Happy Apocalypse，1999），这是一个二十英尺长的模型。最终被梵蒂冈拒绝，理由是劳森伯格将上帝描述为卫星天线是不恰当的神学参考。
展览
劳森伯格于1951年春天在贝蒂·帕森斯画廊举办了他的第一次个展。 1953年，在意大利罗马期间，他受到艾琳·布林（Irene Brin）和加斯佩罗·德尔·科索（Gaspero del Corso）的注意，他们在他们著名的画廊举办了他的第一次欧洲展览。 1953年，埃莉诺·沃德（Eleanor Ward）邀请劳森伯格参加与赛·托姆布雷在马厩画廊举办的联合展览。1954 年，劳森伯格在纽约查尔斯·伊根画廊（Charles Egan Gallery）举行的第二次个展中，展出了他的《红色绘画》（Red Paintings，1953-1953 年）和《组合》（ Combines，1954-1964 年）。 1958年，利奥·卡斯泰利（Leo Castelli）为劳森伯格的《组合》举办了个展。唯一的一次拍卖是卡斯泰利本人收购的《床》（Bed，1955年），现收藏于纽约现代艺术博物馆。
劳森伯格的第一次职业回顾展于1963年由纽约犹太博物馆举办。 1964年，他成为首批在威尼斯双年展上获得国际绘画大奖的美国艺术家之一（詹姆斯·惠斯勒和Mark Tobey此前曾获得绘画奖，分别于 1895 年和 1958 年）。华盛顿特区国家美术收藏馆（现为史密森尼美国艺术博物馆）组织了一次职业生涯中期回顾展，并于 1976 年至 1978 年间在美国各地巡回展出。
20世纪90年代，纽约所罗门· R·古根海姆博物馆（Solomon R. Guggenheim Museum）举办了回顾展（1997年），并于1999年巡展至休斯敦、科隆和毕尔巴鄂的博物馆。 大都会艺术博物馆在纽约举办了《组合》（Combines）展览。2005 年到2007年，到访洛杉矶当代艺术博物馆、巴黎蓬皮杜中心和斯德哥尔摩现代博物馆。劳森伯格的第一次死后回顾展在泰特现代美术馆举办，2016 年在纽约现代艺术博物馆，2017年在旧金山现代艺术博物馆。
遗产
劳森伯格坚信艺术作为社会变革催化剂的力量。劳森伯格海外文化交流中心 (ROCI) 始于 1984 年，旨在通过艺术表达激发国际对话并增进文化理解。ROCI 展览于 1991 年在华盛顿国家美术馆举办，结束了十个国家的巡演：墨西哥、智利、委内瑞拉、中国、西藏、日本、古巴、苏联、德国和马来西亚。
1970 年，劳森伯格创建了一项名为改变公司（Change, Inc.）的计划，根据经济需要向视觉艺术家提供高达 1,000 美元的一次性紧急补助金。 1990年，劳森伯格创建了罗伯特劳森伯格基金会（RRF），以提高人们对他所关心的事业的认识，例如世界和平、环境和人道主义问题。1986年，劳森伯格获得美国成就学院金盘奖。 1993年，比尔·克林顿总统授予劳森伯格国家艺术奖章。 2000年，劳森伯格因抗击艾滋病艺术贡献而荣获艾滋病研究基金会（amfAR）卓越奖。
如今，RRF 拥有劳森伯格职业生涯各个时期的许多作品。2011年，该基金会与高古轩画廊合作推出了罗伯特·劳森伯格私人收藏，其中包括劳森伯格个人艺术收藏的精选作品。展览的收益用于资助基金会的慈善活动。同样在2011年，该基金会启动了“艺术家作为活动家”项目，并邀请艺术家谢泼德·费尔雷（Shepard Fairey）关注他选择的一个问题。他制作的版本作品被出售，为无家可归者联盟筹集资金。 RRF每年继续通过赠款和慈善合作支持新兴艺术家和艺术组织。RRF 有多个驻场项目，分别在纽约基金会总部和已故艺术家位于佛罗里达州卡普蒂瓦岛的房产进行。
2013 年，《复杂》杂志的戴尔·艾辛格 (Dale Eisinger) 将《开放乐谱》( Open Score，1966) 在其有史以来最伟大的行为艺术作品排行榜中排名第七。
艺术市场
2010 年，劳森伯格的作品之一《工作室绘画》（Studio Painting，1960-61）原估价为 600 万至 900 万美元，在纽约佳士得以 1100 万美元的价格从迈克尔·克莱顿的收藏中买下。 2019年，佳士得以8880万美元的价格售出丝网画《水牛二号》（ Buffalo II，1964），打破了艺术家之前的纪录。
游说艺术家转售版税
20 世纪 70 年代初，劳森伯格游说美国国会通过一项法案，当艺术家的作品在二级市场转售时，他们将获得补偿。在出租车大亨罗伯特·斯卡尔(Robert Scull)以 220 万美元出售其部分抽象表现主义和波普艺术作品收藏后，劳森伯格开始争取艺术家转售版税 ( droit de suite )。斯卡尔最初分别以 900 美元和 2,500 美元购买了劳森伯格的画作《解冻》（Thaw，1958 年）和《双功能》 （Double Feature，1959 年），大约十年后，斯卡尔在 1973 年纽约苏富比拍卖会上以 85,000 美元和 90,000 美元的价格出售了这两件作品。
1976 年，劳森伯格的游说努力得到了回报，加州州长杰里·布朗 (Jerry Brown)将《 1976 年加州转售版税法案》签署为法律。 在加州获胜后，这位艺术家继续推行全国性的转售版税立法。
生卒日期： 1925年10月22日 - 2008年5月12日
国籍：美国
罗伯特·劳森伯格的全部作品（7）
米尔顿·欧内斯特·劳森伯格（Milton Ernest Rauschenberg，Milton Ernest Robert Rauschenberg）是一位美国画家和平面艺术家，其早期作品预示了波普艺术运动。劳森伯格以其《组合》 （Combines，1954-1964）而闻名，这是一组将日常物品作为艺术材料并模糊了绘画和雕塑之间区别的艺术品。劳森伯格主要是一名画家和雕塑家，但他也从事摄影、版画、造纸和表演工作。
劳森伯格在其近 60 年的艺术生涯中获得了无数奖项。其中最著名的是1964 年第 32 届威尼斯双年展国际绘画大奖和1993 年国家艺术奖章。劳森伯格在纽约市和佛罗里达州卡普蒂瓦岛生活和工作，直至 2008 年 5 月 12 日去世。
生活和事业
劳森伯格出生于德克萨斯州亚瑟港，原名米尔顿·欧内斯特·劳森伯格（Milton Earnest Rauschenberg），是多拉·卡罗莱纳（Dora Carolina）和欧内斯特·R·劳森伯格（Ernest R. Rauschenberg）的儿子。 他的父亲有德国和切罗基（Cherokee）血统，母亲有荷兰血统。他的父亲在海湾国家公用事业公司工作，这是一家照明和电力公司。他的父母都是原教旨主义基督徒。他有一个妹妹，名叫珍妮特·贝格诺（Janet Begneaud）。
18 岁时，劳森伯格被德克萨斯大学奥斯汀分校（University of Texas at Austin）录取，在那里他开始学习药理学，但不久后他就退学了，因为课程作业很困难——当时他没有意识到自己患有阅读障碍——而且他不愿意解剖生物课上的一只青蛙。他于 1944 年应征加入美国海军。他居住在加利福尼亚州，在一家海军医院担任神经精神科技术员，直到 1945 年或 1946 年退役。
劳森伯格随后在堪萨斯城艺术学院（Kansas City Art Institute）和法国巴黎朱利安学院（Académie Julian in Paris）学习，在那里他遇到了艺术系学生苏珊·韦尔（Susan Weil）。当时他也将自己的名字从米尔顿改为罗伯特。 1948年，劳森伯格与韦尔一起入读北卡罗来纳州的黑山学院（Black Mountain College）。
在黑山，劳森伯格找到了德国包豪斯的创始人约瑟夫·阿尔伯斯 ，他在 1948 年 8 月号的《时代》杂志上读到过关于他的报道。他希望阿尔伯斯严谨的教学方法能够遏制他习惯性的马虎。阿尔伯斯的初步设计课程依赖于严格的纪律，不允许任何“不受影响的实验”。
用劳森伯格自己的话来说，他成了“阿尔伯斯的傻瓜，他没有谈论的事情的杰出例子”。尽管劳森伯格认为阿尔伯斯是他最重要的老师，但他在约翰·凯奇（John Cage，一位著名的前卫音乐作曲家）身上发现了更兼容的情感。和劳森伯格一样，凯奇也放弃了导师阿诺德·勋伯格（Arnold Schönberg）的纪律性教诲，转而采用更具实验主义的音乐方法。凯奇在劳森伯格职业生涯的早期为他提供了急需的支持和鼓励，两人在接下来的几十年里仍然是朋友和艺术合作者。
从 1949 年到 1952 年，劳森伯格在纽约艺术学生联盟跟随Vaclav Vytlacil和莫里斯·坎特 ( Morris Kantor)学习，在那里他遇到了艺术家同行诺克斯·马丁 (Knox Martin)和Cy Twombly。
1950 年夏天，劳森伯格在康涅狄格州外岛的韦尔家与苏珊·韦尔 (Susan Weil)结婚。他们唯一的孩子克里斯托弗出生于 1951 年 7 月 16 日。两人于 1952 年 6 月分居，并于 1953 年离婚。 此后，劳森伯格与其他艺术家Cy Twombly和贾斯珀·琼斯等人建立了恋爱关系。 他生命最后 25 年的伴侣是艺术家达里尔·波托夫（Darryl Pottorf），他的前助手。
20 世纪 70 年代，他搬进了纽约曼哈顿的诺霍（NoHo，北休斯顿街） 。
劳森伯格于 1968 年 7 月 26 日购买了海滨别墅，这是他在卡普蒂瓦岛上的第一处房产。然而，直到 1970 年秋天，该房产才成为他的永久住所。
劳森伯格于 2008 年 5 月 12 日在佛罗里达州卡普蒂瓦岛因心力衰竭去世。
艺术贡献
劳森伯格的方法有时被称为“新达达主义”，他与画家贾斯珀·琼斯共享这个标签。劳森伯格有句名言：“绘画与艺术和生活息息相关”，他想在“两者之间的间隙”进行创作。像他的许多达达主义前辈一样，劳森伯格质疑艺术品和日常物品之间的区别，他对现成材料的使用重复了马塞尔·杜尚的《喷泉》（Fountain，1917）提出的知识问题。杜尚的达达主义影响也可以在贾斯珀·琼斯的目标、数字和旗帜画作中观察到，这些都是熟悉的文化符号：“头脑已经知道的东西”。
在黑山学院，劳森伯格尝试了多种艺术媒介，包括版画、素描、摄影、油画、雕塑和戏剧；他的作品经常将这些特征结合起来。他在黑山将鹅卵石和砾石压入画布上的黑色颜料中，创作了《夜色绽放》（Night Blooming，1951）画作。同年，他与苏珊·韦尔（Susan Weil）在纽约的公寓中合作制作了全身蓝图，“他们希望将其变成屏幕和壁纸设计”。
从 1952 年秋天到 1953 年春天，劳森伯格与他的艺术家同事兼合作伙伴Cy Twombly一起在意大利和北非旅行。在那里，他利用发现的材料创作了拼贴画和小型雕塑，包括《个人信箱》（Scatole Personali）和《个人癖好》（Feticci Personali）。他在罗马和佛罗伦萨的画廊展出了这些作品。令劳森伯格惊讶的是，许多作品被售出。根据一位评论他的展览的艺术评论家的建议，他将那些没有卖出的扔进了阿尔诺河里。
1953 年回到纽约市后，劳森伯格开始利用曼哈顿下城附近发现的材料（例如废金属、木材和麻线）创作雕塑。在整个 20 世纪 50 年代，劳森伯格通过为蒂芙尼公司（Tiffany & Co.）和邦维特·泰勒公司（Bonwit Teller）设计店面橱窗展示来养活自己，首先是与苏珊·韦尔（Susan Weil）合作，后来以化名马特森·琼斯（Matson Jones）与贾斯珀·琼斯合作。
在 1953 年的一个著名事件中，劳森伯格向抽象表现主义画家Willem de Kooning索要一幅图画，其明确目的是为了将其作为艺术陈述而删除。这件名为《擦除的德库宁绘画》（Erased de Kooning Drawing）的概念性作品是在老艺术家的同意下完成的。
1961 年，劳森伯格通过将想法呈现为艺术品本身，探索了类似的概念方法。他受邀参加巴黎艾里斯·克莱特画廊（Galerie Iris Clert）举办的展览，艺术家们将在会上展示画廊老板艾里斯·克莱特（Iris Clert）的肖像画。劳森伯格提交的材料包括一封电报，声明“如果我这么说，这是艾里斯·克莱特的肖像。”
到 1962 年，劳森伯格的绘画开始不仅融入发现的物体，还融入发现的图像。那年参观安迪·沃霍尔的工作室后，劳森伯格开始使用丝网印刷工艺（通常用于商业复制手段）将照片转移到画布上。 1962年至1964年间创作的丝网画让评论家将劳森伯格的作品与波普艺术等同起来。
自 20 世纪 50 年代中期制作早期的《组合》（Combines）以来，劳森伯格就在他的艺术作品中尝试了技术，他有时使用工作收音机、时钟和电风扇作为雕塑材料。后来，他在与贝尔实验室研究科学家比利·克鲁弗（Billy Klüver）合作时探索了自己对技术的兴趣。他们共同实现了劳森伯格一些最雄心勃勃的基于技术的实验，例如“测深”（Soundings，1968），这是一个对环境声音做出反应的灯光装置。1966 年，克鲁弗和劳森伯格正式成立了艺术与技术实验(EAT)，这是一个非营利组织，旨在促进艺术家和工程师之间的合作。 1969年，美国宇航局邀请劳森伯格见证阿波罗11号的发射。为了响应这一具有里程碑意义的事件，劳森伯格创作了他的《石月系列》（Stoned Moon Series）石版画。这涉及将美国宇航局档案中的图表和其他图像与他自己的绘图和手写文本结合起来。
从 1970 年起，劳森伯格在佛罗里达州卡普蒂瓦的家中和工作室里工作。他在新工作室创作的第一批作品是《纸板》（Cardboards，1971-72）和《早期埃及人》（Early Egyptians，1973-74），他依靠当地采购的材料，如纸板和沙子。劳森伯格以前的作品经常强调城市意象和材料，而现在他更喜欢织物和纸张中天然纤维的效果。他使用溶剂转移技术在纺织品上进行印刷，制作了《霜》（Hoarfrost，1974-76) 和传播（Spread，1975-82) 系列，后者的特点是木板上有大片拼贴织物。劳森伯格使用色彩缤纷的面料创作了《干扰器》（Jammer，1975-76) 系列，其灵感源自他前往印度艾哈迈达巴德（一座以纺织品闻名的城市）的旅行。《干扰器》（Jammer）系列的无形象简约与充满图像的《霜》以及他在纽约创作的早期作品的坚韧形成鲜明对比。
1975 年之后，国际旅行成为劳森伯格艺术进程的核心部分。1984 年，劳森伯格宣布在联合国启动他的劳森伯格海外文化交流中心 (ROCI )。ROCI 项目几乎完全由艺术家资助，包括对世界十个国家进行为期七年的巡演。劳森伯格在每个地点都拍摄了照片，并根据他所访问的文化创作了艺术作品。由此产生的作品在每个国家的当地展览中展出。劳森伯格经常向当地文化机构捐赠艺术品。
从 20 世纪 80 年代中期开始，劳森伯格专注于将丝网印刷图像印刷到各种经过不同处理的金属上，例如钢和镜面铝。他创作了许多所谓的“金属画”系列，包括：《北极光》（Borealis，1988-92）、 《城市波旁》（Urban Bourbon，1988-1996）、《幻影》（Phantoms，1991）和《夜色》 (Night Shades，1991)。此外，在整个 90 年代，劳森伯格继续使用新材料，同时仍然使用更基本的技术。作为他参与最新技术创新的一部分，在他的晚期绘画系列中，他将数字喷墨摄影图像转移到各种绘画载体上。在他的《田园诗般的静修处》（Arcadian Retreats，1996）中，他将图像转移到湿壁画上。他于 1998 年创作的《情趣酒店》（Love Hotel），由植物染料转印在聚层压板上制成，被迈阿密佩雷斯艺术博物馆永久收藏，该博物馆位于艺术家的故乡佛罗里达州，已有近四十年的历史。 为了履行对环境的承诺，劳森伯格在转印过程中使用了可生物降解的染料和颜料以及水，而不是化学品。
白画、黑画和红画
1951年，劳森伯格继承了马列维奇建立的单色绘画传统，创作了《白色绘画》（hite Painting）系列，他将绘画简化为最基本的品质，以获得纯粹和无限的审美体验。白色画作于 1953 年秋季在纽约埃莉诺·沃德 ( Eleanor Ward) 的马厩画廊（Stable Gallery）展出。劳森伯格使用日常的白宫油漆和油漆滚筒来创造光滑、未修饰的表面，这些表面最初看起来像空白画布。然而，约翰·凯奇（John Cage）并没有认为这些白色绘画毫无内容，而是将其描述为“光、影和粒子的机场”，反映房间内微妙的大气变化的表面。劳森伯格本人表示，他们受到了环境条件的影响，“所以你几乎可以看出房间里有多少人。” 与《白色绘画》一样，1951-1953 年的黑色绘画也是在多个面板上创作的，并且主要是单色作品。劳森伯格将哑光和光亮的黑色颜料涂在画布上报纸的纹理底色上，偶尔让报纸保持可见。
到 1953 年，劳森伯格已经从白色绘画和黑色绘画系列转向了高度表现主义的红色绘画系列。他认为红色是绘画中“最难的颜色”，并接受了挑战，将红色颜料直接滴在、粘贴和挤压到包括图案织物、报纸、木头和钉子在内的画布上。红色绘画复杂的材质表面是劳森伯格著名的《组合》（Combine，1954-1964）系列的先驱。
组合（Combines）
劳森伯格收集了纽约市街头的废弃物品，并将它们带回自己的工作室，并将它们融入到自己的作品中。他声称他“想要一些东西，而不是我自己能做的东西，我想利用惊喜、集体性和发现惊喜的慷慨。因此，物体本身被它的背景改变了，因此它成为一个新的东西。”事物。”
劳森伯格关于艺术与生活之间差距的评论为理解他作为艺术家的贡献提供了出发点。他看到了几乎所有事物的潜在美感；他曾经说过，“我真的为那些认为肥皂碟、镜子或可乐瓶之类的东西丑陋的人感到遗憾，因为他们整天被这样的东西包围，这一定让他们很痛苦。” 他的“组合”系列通过将日常物品与传统绘画材料一起纳入美术语境，赋予了日常物品新的意义。联合体消除了艺术和雕塑之间的界限，使两者都出现在一件艺术品中。虽然“组合”在技术上指的是劳森伯格从 1954 年到 1964 年的作品，但劳森伯格在他的整个艺术生涯中继续使用日常物品，如衣服、报纸、城市碎片和纸板。
他的过渡作品《夏琳》（Charlene，1954）和《收藏》 （Collection，1954/1955）促成了《组合》（Combines）的创作，他在其中拼贴了围巾、电灯泡、镜子和漫画等物品。尽管劳森伯格在他的黑色绘画和红色绘画中使用了报纸和图案纺织品，但在组合中，他赋予日常物品与传统绘画材料同等的突出地位。《床》（Bed ，1955）被认为是最早的组合作品之一，它是通过在破旧的被子、床单和枕头上涂抹红色油漆而创作的。这幅作品像传统绘画一样垂直挂在墙上。由于材料与艺术家自身生活的密切联系，《床》通常被认为是一幅自画像，是劳森伯格内心意识的直接印记。一些评论家认为这幅作品可以被解读为暴力和强奸的象征，但劳森伯格将《床》描述为“我画过的最友好的画之一”。他最著名的组合是那些融合了动物标本的组合，例如《字母组合》(Monogram，1955-1959)，其中包括一只毛绒安哥拉山羊，以及《峡谷》 (Canyon，1959)，其中包括一只毛绒金鹰。尽管这只鹰被从垃圾中救了出来，但峡谷因 1940 年的秃头鹰和金鹰保护法案而引起了政府的愤怒。
评论家最初是根据其形式品质来看待联合收割机的：颜色、纹理和构图。20 世纪 60 年代的形式主义观点后来被评论家利奥·斯坦伯格 (Leo Steinberg)驳斥，他说每个组合都是“一个接收器表面，物体散布在其上，数据输入在其上”。根据斯坦伯格的说法，他所谓的劳森伯格的“平板画板”的水平性已经取代了绘画的传统垂直性，并随后允许劳森伯格作品中独特的材料结合表面。
表演及舞蹈
20 世纪 50 年代初搬到纽约后，劳森伯格开始探索他对舞蹈的兴趣。他在黑山学院首次接触前卫舞蹈和表演艺术，在那里他参加了约翰·凯奇的《戏剧作品1号》（Theatre Piece No. 1，1952），这通常被认为是第一部发生剧。他开始为默斯·坎宁安（Merce Cunningham）和保罗·泰勒（Paul Taylor）设计布景、灯光和服装。20 世纪 60 年代初，他参与了格林威治村贾德森纪念教堂的激进舞蹈戏剧实验，并于 1963 年 5 月为贾德森舞蹈剧院编排了他的第一场表演《鹈鹕》 （Pelican，1963） 。 劳森伯格是亲密的朋友与坎宁安相关的舞者包括卡罗琳·布朗（ Carolyn Brown）、维奥拉·法伯（Viola Farber）和史蒂夫·帕克斯顿（Steve Paxton），他们都出现在他编排的作品中。劳森伯格与默斯·坎宁安舞蹈团的全职联系在其 1964 年世界巡演后结束。 1966年，劳森伯格为纽约第69兵团军械库（69th Regiment Armory）的《9晚：剧院与工程》（9 Evenings: Theatre and Engineering）的一部分创作了《开放乐谱》（Open Score）表演。该系列对于艺术与技术实验（EAT）的形成发挥了重要作用。
1977 年，劳森伯格、坎宁安和凯奇十三年来首次重新合作，创作了《游记》 (Travelogue，1977)，劳森伯格为该剧提供了服装和布景设计。 1967年之后，劳森伯格没有编排自己的作品，但在他余下的艺术生涯中 ，他继续与包括特丽莎·布朗在内的其他编舞家合作。
佣金
在他的整个职业生涯中，劳森伯格设计了许多海报来支持对他来说很重要的事业。1965年，当《生活》杂志委托他想象一个现代地狱时，他毫不犹豫地发泄了对越南战争和其他当代社会政治问题的愤怒，包括种族暴力、新纳粹主义、政治暗杀和生态灾难。
1969 年，纽约大都会艺术博物馆委托劳森伯格创作一件作品以纪念其百年诞辰。他了解到博物馆最初的目标在 1870 年的一份证书中有详细说明，并根据该物品创建了他的“百年纪念证书”，上面有博物馆中一些最著名的藏品的图像以及当时董事会的签名。百年纪念证书的副本存在于许多博物馆和私人收藏中。
1979 年 12 月 30 日，《迈阿密先驱报》印刷了 65 万份周日杂志《热带》（Tropic），封面由劳森伯格设计。1983年，他因传声头像（Talking Heads）专辑《说方言》（Speaking in Tongues）的专辑设计获得了格莱美奖。 1986 年，劳森伯格受宝马（BMW）委托，为著名的宝马（BMW）艺术车项目第六期的全尺寸宝马（BMW）635 CSi进行喷漆。劳森伯格的汽车是该项目中第一辆带有纽约大都会艺术博物馆作品复制品以及他自己的照片的汽车。
1998 年，梵蒂冈委托劳森伯格创作了一件作品，以纪念2000 年禧年，并在意大利圣乔瓦尼·罗通多（San Giovanni Rotondo）的比奥神父礼拜堂（Sanctuary of Saint Pio of Pietrelcina）展出。围绕《最后的审判》（Last Judgement）的主题，劳森伯格创作了《快乐启示录》（The Happy Apocalypse，1999），这是一个二十英尺长的模型。最终被梵蒂冈拒绝，理由是劳森伯格将上帝描述为卫星天线是不恰当的神学参考。
展览
劳森伯格于1951年春天在贝蒂·帕森斯画廊举办了他的第一次个展。 1953年，在意大利罗马期间，他受到艾琳·布林（Irene Brin）和加斯佩罗·德尔·科索（Gaspero del Corso）的注意，他们在他们著名的画廊举办了他的第一次欧洲展览。 1953年，埃莉诺·沃德（Eleanor Ward）邀请劳森伯格参加与赛·托姆布雷在马厩画廊举办的联合展览。1954 年，劳森伯格在纽约查尔斯·伊根画廊（Charles Egan Gallery）举行的第二次个展中，展出了他的《红色绘画》（Red Paintings，1953-1953 年）和《组合》（ Combines，1954-1964 年）。 1958年，利奥·卡斯泰利（Leo Castelli）为劳森伯格的《组合》举办了个展。唯一的一次拍卖是卡斯泰利本人收购的《床》（Bed，1955年），现收藏于纽约现代艺术博物馆。
劳森伯格的第一次职业回顾展于1963年由纽约犹太博物馆举办。 1964年，他成为首批在威尼斯双年展上获得国际绘画大奖的美国艺术家之一（詹姆斯·惠斯勒和Mark Tobey此前曾获得绘画奖，分别于 1895 年和 1958 年）。华盛顿特区国家美术收藏馆（现为史密森尼美国艺术博物馆）组织了一次职业生涯中期回顾展，并于 1976 年至 1978 年间在美国各地巡回展出。
20世纪90年代，纽约所罗门· R·古根海姆博物馆（Solomon R. Guggenheim Museum）举办了回顾展（1997年），并于1999年巡展至休斯敦、科隆和毕尔巴鄂的博物馆。 大都会艺术博物馆在纽约举办了《组合》（Combines）展览。2005 年到2007年，到访洛杉矶当代艺术博物馆、巴黎蓬皮杜中心和斯德哥尔摩现代博物馆。劳森伯格的第一次死后回顾展在泰特现代美术馆举办，2016 年在纽约现代艺术博物馆，2017年在旧金山现代艺术博物馆。
遗产
劳森伯格坚信艺术作为社会变革催化剂的力量。劳森伯格海外文化交流中心 (ROCI) 始于 1984 年，旨在通过艺术表达激发国际对话并增进文化理解。ROCI 展览于 1991 年在华盛顿国家美术馆举办，结束了十个国家的巡演：墨西哥、智利、委内瑞拉、中国、西藏、日本、古巴、苏联、德国和马来西亚。
1970 年，劳森伯格创建了一项名为改变公司（Change, Inc.）的计划，根据经济需要向视觉艺术家提供高达 1,000 美元的一次性紧急补助金。 1990年，劳森伯格创建了罗伯特劳森伯格基金会（RRF），以提高人们对他所关心的事业的认识，例如世界和平、环境和人道主义问题。1986年，劳森伯格获得美国成就学院金盘奖。 1993年，比尔·克林顿总统授予劳森伯格国家艺术奖章。 2000年，劳森伯格因抗击艾滋病艺术贡献而荣获艾滋病研究基金会（amfAR）卓越奖。
如今，RRF 拥有劳森伯格职业生涯各个时期的许多作品。2011年，该基金会与高古轩画廊合作推出了罗伯特·劳森伯格私人收藏，其中包括劳森伯格个人艺术收藏的精选作品。展览的收益用于资助基金会的慈善活动。同样在2011年，该基金会启动了“艺术家作为活动家”项目，并邀请艺术家谢泼德·费尔雷（Shepard Fairey）关注他选择的一个问题。他制作的版本作品被出售，为无家可归者联盟筹集资金。 RRF每年继续通过赠款和慈善合作支持新兴艺术家和艺术组织。RRF 有多个驻场项目，分别在纽约基金会总部和已故艺术家位于佛罗里达州卡普蒂瓦岛的房产进行。
2013 年，《复杂》杂志的戴尔·艾辛格 (Dale Eisinger) 将《开放乐谱》( Open Score，1966) 在其有史以来最伟大的行为艺术作品排行榜中排名第七。
艺术市场
2010 年，劳森伯格的作品之一《工作室绘画》（Studio Painting，1960-61）原估价为 600 万至 900 万美元，在纽约佳士得以 1100 万美元的价格从迈克尔·克莱顿的收藏中买下。 2019年，佳士得以8880万美元的价格售出丝网画《水牛二号》（ Buffalo II，1964），打破了艺术家之前的纪录。
游说艺术家转售版税
20 世纪 70 年代初，劳森伯格游说美国国会通过一项法案，当艺术家的作品在二级市场转售时，他们将获得补偿。在出租车大亨罗伯特·斯卡尔(Robert Scull)以 220 万美元出售其部分抽象表现主义和波普艺术作品收藏后，劳森伯格开始争取艺术家转售版税 ( droit de suite )。斯卡尔最初分别以 900 美元和 2,500 美元购买了劳森伯格的画作《解冻》（Thaw，1958 年）和《双功能》 （Double Feature，1959 年），大约十年后，斯卡尔在 1973 年纽约苏富比拍卖会上以 85,000 美元和 90,000 美元的价格出售了这两件作品。
1976 年，劳森伯格的游说努力得到了回报，加州州长杰里·布朗 (Jerry Brown)将《 1976 年加州转售版税法案》签署为法律。 在加州获胜后，这位艺术家继续推行全国性的转售版税立法。
