皮耶特·蒙德里安

皮耶特·蒙德里安

Piet Mondrian

代表作品:
艺术家名:皮耶特·蒙德里安(Piet Mondrian)
生卒日期: 1872年3月7日 - 1944年2月1日
国籍:荷兰
皮耶特·蒙德里安的全部作品(184)

皮耶特·科内利斯·蒙德里安(Piet Mondrian,Pieter Cornelis Mondriaan)荷兰画家和理论家,被认为是20世纪最伟大的艺术家之一。

众所周知,他是20世纪抽象艺术的先驱之一,他将艺术方向从具象绘画转向日益抽象的风格,直到他的艺术词汇沦落为简单的几何元素。

蒙德里安的艺术是高度乌托邦式的,关注的是对普世价值和美学的追求。他在1914年宣称:“艺术高于现实,与现实没有直接关系。要在艺术中接近精神,就要尽量少用现实,因为现实与精神是对立的。我们发现自己置身于抽象艺术之中。艺术应该高于现实,否则对人毫无价值。”然而,他的艺术始终植根于自然。

他是荷兰风格派运动(De Stijl)的贡献者,他与杜斯伯格共同创立了该运动和集团。他发展了一种非具象形式,他称之为新成形主义。这是他认为创造“宇宙美”所必需的新的“纯造型艺术”。为了表达这一点,蒙德里安最终决定将他的正式词汇限制在三种主要颜色(红色、蓝色和黄色)、三种主要值(黑色、白色和灰色)和两种主要方向(水平和垂直)。1911年蒙德里安从荷兰来到巴黎,标志着一个深刻变革时期的开始。他经历了立体主义的实验,为了融入巴黎前卫派,他从自己名字的荷兰语拼写中去掉了一个“a”(Mondriaan)。

蒙德里安的作品对20世纪的艺术产生了巨大的影响,不仅影响了抽象绘画的进程和众多的主要风格和艺术运动(如色彩场绘画、抽象表现主义和极简主义),也影响了绘画领域以外的领域,如设计、建筑和时尚。设计历史学家斯蒂芬·贝利(Stephen Bayley)说:“蒙德里安(Mondrian)已经开始意味着现代主义。他的名字和他的作品概括了现代主义的崇高理想。我不喜欢“标志性”这个词,所以让我们说他已经成为图腾——现代主义的一切图腾。

蒙德里安出生在荷兰乌得勒支省的阿默斯福,是他父母的第二个孩子。早在1670年,他就从住在海牙的克里斯蒂安·德尔库恩·蒙德里安(Christian Dirkzoon Monderyan)那里继承下来。当他的父亲皮耶特·科尼利厄斯·蒙德里安(Pieter Cornelius Mondriaan)被任命为当地一所小学的校长时,这家人搬到了温特斯维克(Winterswijk)。蒙德里安从小就被介绍到艺术界。他的父亲是一位合格的绘画老师,年轻的皮耶特和他的叔叔弗里茨·蒙德里安(海牙艺术学院威廉·马里斯的学生)经常沿着根河作画。

经过严格的新教徒教育,1892年,蒙德里安进入阿姆斯特丹美术学院。他已经有资格当老师了。他开始了小学教师的职业生涯,但他也练习绘画。他这一时期的大部分作品是自然主义或印象派的,主要由风景画组成。这些他祖国的田园画描绘了风车、田野和河流,最初以海牙学派的荷兰印象派风格,然后以各种风格和技术证明了他对个人风格的追求。这些绘画具有代表性,它们说明了各种艺术运动对蒙德里安的影响,包括点画法和野兽派的生动色彩。

在海格美术馆展出了许多这一时期的绘画作品,包括《红磨》和《月出树》等后印象派作品。另一幅画《黄昏》(1908),描绘了黄昏时田野里的一棵树,甚至用几乎全部由红色、黄色和蓝色组成的调色板预示着未来的发展。虽然只是有限的抽象,它是最早的蒙德里安绘画强调原色。

蒙德里安最早的绘画表现了一定程度的抽象,是1905年至1908年的一系列画布,描绘了静水中倒映的模糊树木和房屋的朦胧场景。尽管这一结果使观者开始关注内容之上的形式,但这些绘画仍然牢牢扎根于自然之中,只有对蒙德里安后期成就的了解,才能使人们在这些作品中寻找他未来抽象的根源。

蒙德里安的艺术与他的精神和哲学研究密切相关。1908年,他对19世纪末由海伦娜·彼得罗夫娜·布拉瓦茨基发起的神智运动产生了兴趣,并于1909年加入了神智社会的荷兰分支。布拉瓦茨基的作品和一种平行的精神运动,鲁道夫·施泰纳的人智学,极大地影响了他的美学的进一步发展。布拉瓦茨基认为,有可能获得比经验主义方法更深刻的自然知识,蒙德里安余生的大部分工作都是受到他对这种精神知识的探索的启发。1918年,他写了“我从秘密教义中得到了一切”,指的是布拉瓦茨基写的一本书。1921年,蒙德里安在写给施泰纳的一封信中指出,他的新成形主义是“所有真正的人类学家和神智学家在可预见的未来的艺术”。在随后的几年里,他仍然是一个坚定的神智学家,尽管他也相信他自己的艺术潮流,新成形论,最终会成为更大的,普世的灵性的一部分。

蒙德里安及其后期作品深受1911年阿姆斯特丹现代立体派艺术展的影响。他对简化的探索在两个版本的《静物姜罐》(Stilleven met Gemberpot)中有所体现。1911年的版本是立体派,1912年的版本中,物体被简化成一个带有三角形和矩形的圆形。

1911年,蒙德里安移居巴黎,改名,从蒙德里安去掉一个“a”,以强调他离开荷兰,融入巴黎前卫。在巴黎时,毕加索乔治·布拉克的立体派风格的影响几乎立即出现在蒙德里安的作品中。像《大海》(The Sea,1912)这样的绘画,以及他对当年树木的各种研究,仍然包含着一定程度的表现力,但是,它们越来越多地被几何形状和相互交错的平面所支配。虽然蒙德里安急于吸收立体派的影响,他的作品,似乎很明显,他把立体派作为一个“停靠港”在他的艺术旅程,而不是作为一个目的地。

与立体派不同的是,蒙德里安仍然试图调和他的绘画与他的精神追求,并在1913年开始融合他的艺术和他的神智学研究,成为一个理论,标志着他从具象绘画的最后突破。1914年蒙德里安访问荷兰时,第一次世界大战爆发,迫使他在冲突期间留在那里。在此期间,他留在了拉伦艺术家社区,在那里他遇到了Bart van der Leck杜斯伯格,他们都在经历着他们自己的抽象化之旅。Bart van der Leck在他的艺术中只使用原色对蒙德里安产生了很大的影响。1916年与Bart van der Leck会面后,蒙德里安写道:“我的技术或多或少是立体派的,因此或多或少是绘画性的,受到了他的精确方法的影响。”蒙德里安与杜斯伯格一起创办了《风格》(De Stijl, The Style),这是一本杂志,他在其中首次发表了定义他的理论的论文,他称之为新成形主义。

蒙德里安在1917年和1918年分十二期出版了《绘画中的新形象》(De Nieuwe Beelding in de schilderkunst,The New Plastic in Painting)。这是他第一次尝试用写作来表达他的艺术理论。然而,蒙德里安对这一理论最好、最常被引用的表述来自他1914年写给H.P.布雷默( H. P. Bremmer)的一封信:

我把线条和色彩组合在一个平面上,以最大的意识来表达一般的美。大自然(或我所看到的)激励着我,让我和任何画家一样,处于一种情绪状态,这样一种冲动就要产生某种东西,但我想尽可能接近真相,从中抽象出一切,直到我到达基础(仍然只是一个外部基础)。关于事物……我相信,通过有意识而不是计算的水平线和垂直线,在高度直觉的引导下,通过和谐和节奏,这些基本的美的形式,如果有必要的话,再加上其他的直线或曲线,有可能成为一件艺术作品,尽管它是真实的,但它仍然是强大的。

1918年第一次世界大战结束时,蒙德里安回到法国,在那里他将一直呆到1938年。沉浸在战后巴黎文化的艺术创新中,他蓬勃发展,并在余生中完全接受了纯粹抽象的艺术。蒙德里安于1919年底开始创作网格绘画,1920年,他成名的风格开始出现。

在这种风格的早期绘画中,描绘长方形的线条比较细,而且是灰色的,而不是黑色的。这些线条在接近画作边缘时也会逐渐褪色,而不是突然停止。形式本身,比后来的绘画更小,数量更多,充满了原色,黑色或灰色,几乎所有的颜色,只有少数留下白色。

在1920年底和1921年,蒙德里安的绘画达到了什么是偶然的观察他们的决定性和成熟的形式。现在,粗黑线将形状分隔开来,形状越来越大,数量越来越少,而更多的形状则是白色的。然而,这并不是他艺术发展的顶峰。尽管这些改进变得更加微妙,但蒙德里安在巴黎的岁月里,他的工作仍在不断发展。

在1921年的画作中,虽然不是全部,但许多黑线在距画布边缘似乎任意的距离处停止了短距离,尽管矩形形式之间的分割保持不变。在这里,长方形的形状仍然大部分是彩色的。随着岁月的流逝,蒙德里安的作品进一步发展,他开始把所有的线条延伸到画布的边缘,他开始使用越来越少的彩色形式,转而偏爱白色。

这些倾向在蒙德里安20世纪20年代中期开始有规律地创作的“菱形”作品中尤为明显,这些“菱形”绘画是倾斜45度的方形画布,因此它们具有菱形。这些线条一直延伸到画布的边缘,几乎让人觉得这幅画是一幅更大作品的碎片。

尽管一个人对这幅画的看法受到保护它的玻璃的阻碍,也受到年龄和处理方式对画布的影响,但仔细观察这幅画开始揭示出画家的一些方法。这幅画并非如人们所料,由完全平坦的色彩平面构成。微妙的笔触贯穿始终。这位艺术家似乎对不同的元素使用了不同的技巧。黑线是最平坦的元素,深度最小。彩色的形式有最明显的笔触,所有的运行在一个方向。然而,最有趣的是白色的形式,它们显然是用不同方向的笔触分层绘制的。这在白色的形式中产生了更大的深度感,使它们看起来压倒了线条和颜色,这确实是他们所做的,因为蒙德里安这一时期的绘画逐渐被白色空间所支配。

1926年,纽约市独立艺术家协会(Society of Independent Artists)联合创始人Katherine S. Dreier马塞尔·杜尚Man Ray参观了皮埃特·蒙德里安(Piet Mondrian)在巴黎的工作室,并获得了他的一幅钻石作品《绘画I》(Painting I)。随后,独立艺术家协会在布鲁克林博物馆举办了一次展览,首次展出了这幅作品自军械库展览以来,美国主要的现代艺术展览。她在画册中说:“荷兰产生了三位伟大的画家,他们虽然合乎逻辑地表达了自己的国家,但由于个性的活力而超越了这个国家,第一位是伦勃朗,第二位是文森特·梵高,第三位是蒙德里安。”

随着岁月的流逝,线条开始优先于蒙德里安绘画中的形式。上世纪30年代,他开始更频繁地使用较细的线条和双线,如果有的话,还会用一些小的彩色形式来标点。双线条使蒙德里安特别兴奋,因为他相信它们为他的绘画提供了一种他渴望探索的新的活力。在他的作品中引入双线是受到他的朋友和当代马洛·莫斯(Marlow Moss)作品的影响。

从1934年到1935年,蒙德里安的三幅作品作为英国牛津、伦敦和利物浦“抽象和具体”展览的一部分展出。

1938年9月,蒙德里安在法西斯主义不断推进的情况下离开巴黎,移居伦敦。1940年荷兰被入侵,巴黎沦陷后,他离开伦敦前往曼哈顿,在那里他将一直呆到去世。从蒙德里安的艺术发展来看,他后来的一些作品很难确定在哪儿绘制,因为有不少画布是他从巴黎或伦敦开始,几个月或几年后才在曼哈顿完成的。这一后期的成品在视觉上很繁忙,线条比他自20世纪20年代以来的任何作品都要多,排列重叠,在外观上几乎是制图的。他自己花了很长时间画画,直到手起水泡,有时还会哭,有时会生病。

蒙德里安创作了《菱形构图与四条黄色线条》(Lozenge Composition With Four Yellow Lines ,1933年),这是一幅简单的绘画,它革新了粗的彩色线条,而不是黑色线条。在那一幅画之后,蒙德里安的作品中一直隐藏着这种做法,直到他来到曼哈顿,这时他开始尽情地拥抱它。在这一新方向的一些例子中,例如《构图》(Composition ,1938)和《协和广场》(Place de la Concorde,1943),他似乎从巴黎取走了未完成的黑线画,并在纽约完成了这些画,加入了不同颜色的短垂直线,在较长的黑线之间,或从黑线到画布边缘。新上色的区域很厚,几乎弥合了线条和形式之间的差距,在蒙德里安的一幅没有黑色界限的画作中看到色彩令人吃惊。其他作品在熟悉的黑色线条中混合了红色的长线,通过在黑色线条上加上一层彩色,创造出一种新的深度感。他的《构图第10号》(Composition No. 10,1939-1942),以原色、白底和黑网格线为特征,清楚地定义了蒙德里安对矩形的激进但古典的处理方式。

1940年9月23日,蒙德里安从利物浦出发,乘坐库纳尔白星线号皇家海军萨马利亚号轮船离开欧洲前往纽约。蒙德里安在曼哈顿开始的新画作更令人吃惊,它表明了一个新成语的开始,这个新成语被这位艺术家的死打断了。《纽约市》(New York City,1942年)是一个复杂的格子,由红、蓝、黄三条线组成,偶尔交错在一起,比他以前的作品更具深度感。1941年,这幅作品的一个未完成版本使用了一条彩色纸带,艺术家可以随意重新排列,尝试不同的设计。

他在曼哈顿现代艺术博物馆创作的《百老汇爵士乐》画作在抽象几何画派中具有很高的影响力。这幅作品是由一些从画布上跳跃出来的明亮色彩的闪烁方块组成,然后出现闪烁,把观众吸引到霓虹灯下。在这幅画和未完成的《胜利爵士乐》(Victory Boogie Woogie,1942-1944)中,蒙德里安用从相邻的彩色小矩形中创建的线条取代了以前的实线,部分线条是用不同颜色的小纸带创建的。更大的无边界矩形的颜色标点设计,一些较小的同心矩形内。虽然蒙德里安在20世纪20年代和30年代的作品倾向于对它们进行近乎科学的简约,但这些都是明亮、生动的绘画,反映了激励它们的乐观音乐和它们的创作城市。

在这些最后的作品中,形式确实篡夺了线条的作用,为蒙德里安作为抽象主义者的发展打开了另一扇新的大门。爵士乐的画作显然是一个革命性的变化,而不是一个渐进的变化,代表了蒙德里安自1913年放弃具象艺术以来作品最深刻的发展。

1919年,47岁的蒙德里安第二次也是最后一次离开荷兰前往巴黎时,他马上着手将自己的画室打造成一个他心目中的绘画滋养环境,这将越来越多地表达他两年来一直在写的新成形主义原则。为了快速而廉价地隐藏工作室的结构缺陷,他钉上了大大的矩形标语牌,每一个都是单色或中性色调。较小的彩色正方形和长方形组成,突出了墙壁。接着是一段紧张的绘画时期。他又一次在墙上讲话,重新定位彩色剪贴画,增加它们的数量,改变颜色和空间的动态,产生新的张力和平衡。不久,他就建立了一个创造性的时间表,在这个时间表中,一段时间的绘画轮流进行,一段时间的实验性重组墙上的较小的纸张,这个过程直接为下一段绘画提供了素材。这是他余生所遵循的一种模式,贯穿1938年和1940年从巴黎到伦敦汉普斯特德,跨越大西洋到曼哈顿的战时行动。

1943年秋天,71岁的蒙德里安搬进了位于东59街15号的曼哈顿第二间也是最后一间工作室,开始重新创造多年来他所学到的环境,这对他谦虚的生活方式来说是最合意的,对他的艺术也是最有刺激性的。他把高高的墙壁刷成了画架上的灰白色,把椅子、桌子和储藏箱都刷成了灰白色,这些都是他用废弃的橘子和苹果板条箱精心设计和制作的。他把一张白色金属凳子的顶部涂上和他为收音机留声机制作的硬纸板护套上一样的亮红色,留声机把他喜爱的爵士乐从流传甚广的唱片中洒了出来。参观这最后一间画室的人很少看到超过一两幅新的画布,但他们常常惊讶地发现,他在不断变化的关系中钉在墙上的八大块彩色纸片构成了一个既充满活力又宁静的环境,这一环境既矛盾又同时存在,刺激和宁静。蒙德里安说,这是他住过的最好的地方。他在那里只呆了几个月,1944年2月去世。

蒙德里安去世后,他在曼哈顿的朋友兼赞助人、艺术家哈里·霍尔茨曼和另一位画家朋友弗里茨·格拉纳在向公众开放为期六周的展览之前,仔细地将这间工作室记录在电影和静止照片中。在拆除工作室之前,霍尔兹曼(他也是蒙德里安的继承人)精确地追踪了墙壁的构图,准备好了每个人所占据空间的精确的便携式传真机,并将其贴在每个幸存下来的原始切割部件上。这些便携式蒙德里安作品被称为“墙壁作品”。自蒙德里安去世以来,它们曾在曼哈顿现代艺术博物馆(1983年和1995-96年)展出过两次,一次在SoHo的Carpenter+Hochman画廊(1984年),一次在日本东京的Galerie Tokoro(1993年),第二十二届圣保罗双年展(1994年),密歇根大学(1995年),以及第一次在欧洲展出Akademie der Künste(艺术学院),柏林(2007年2月22日至4月22日)。


皮耶特·蒙德里安作品收藏于:

海牙美术馆(33)

纽约现代艺术博物馆(5)

伦敦泰特现代艺术馆(5)

克勒勒-米勒博物馆(5)

芝加哥艺术博物馆(4)

达拉斯艺术博物馆(4)

所罗门·R·古根海姆美术馆(3)

弗柯望博物馆(2)

德克萨斯州肯贝尔艺术博物馆(2)

旧金山现代艺术博物馆(2)

阿姆斯特丹国家博物馆(1)

苏格兰国立现代美术馆(1)

明尼苏达州明尼阿波利斯美术馆(1)

Museu Colecção Berardo(1)

苏黎世美术馆(1)

宾西法尼亚州卡内基美术馆(1)

圣路易斯艺术博物馆(1)

德克萨斯州休斯顿美术馆(1)

Civiche Raccolte d'Arte Applicata(1)

意大利国立现代艺术美术馆(1)

诺顿·西蒙博物馆(1)

加拿大国立美术馆(1)

哈佛艺术博物馆(1)

巴黎奥赛美术馆(1)

提森-博内米萨博物馆(1)