西方艺术简史

2020-03-4 11:30:57
西方艺术史主要是欧洲艺术的历史,北美艺术是欧洲艺术的延伸,此后逐步发展出自身的特点。


从历史上看,随着不同风格在不同地区的兴起,它们相互重叠。大致来说,这些时期是古典,拜占庭,中世纪,哥特式,文艺复兴时期,巴洛克时期,洛可可式,新古典主义,现代,后现代和新欧洲绘画。

按时间轴如下:

1 史前艺术(远古-公元前3650年)

2 古代古典艺术(公元前3650年-6世纪)

3 中世纪(6世纪-15世纪)
3.1 拜占庭式艺术
3.2 早期中世纪艺术
3.3 罗马式(10世纪-12世纪)
3.4 哥特式(12世纪-15世纪)

4 文艺复兴(14世纪末-16世纪初)
4.1 从哥特式到文艺复兴
4.2 早期文艺复兴
4.3 高文艺复兴
4.4 直到文艺复兴时期的北方艺术

5 风格主义,巴洛克式和洛可可式
5.1 风格主义(16世纪)
5.2 巴洛克式(17世纪初至18世纪初)
5.3 洛可可式(18世纪初至中叶)

6 新古典主义,浪漫主义,学术主义和现实主义
6.1 新古典主义(18世纪中叶至19世纪初)
6.2 浪漫主义(18世纪末至19世纪中期)
6.3 现实主义(19世纪)

7 现代艺术
7.1 印象派
7.2 后印象派
7.3 野兽派
7.4 立体派
7.5 超现实主义
7.6 其它现代艺术

8 当代艺术与后现代艺术

 
史前艺术

欧洲史前艺术是欧洲文化遗产的重要组成部分。史前艺术史通常分为四个主要时期:石器时代,新石器时代,青铜时代和铁器时代。这个时期剩下的大部分文物是小型雕塑和洞穴壁画。

 
古代古典艺术

古代古典艺术大致可分为米诺斯艺术,古希腊艺术和罗马艺术。

在克里特文明被认为是欧洲最古老的文明。米诺斯文化存在于克里特岛,包括四个时期:公元前3650年至公元前1100年之间的前古时期,前原年代,新古时代和后古时期。

克里特岛文明最繁荣的时期是新米诺斯时期,大部分手工艺品都来自这个时代。今天,在克里特岛的博物馆中可以看到大量的手工制品——陶器。最流行具有薄壁的器皿、做工精细、形状对称,有优雅的壶嘴、图案装饰和动态线条。

从米诺斯文明幸存下来的雕塑很少。雕塑最著名的例子是蛇女神雕像。该雕塑描绘了一个女神或高阶女祭司,双手捧着一条蛇,穿着传统的米诺族服装,布覆盖了整个身体,露出了乳房。

古希腊有伟大的画家,伟大的雕刻家和伟大的建筑师。帕台农神庙是古希腊构筑伟大建筑的例子。希腊大理石雕塑通常被称为古典艺术的最高形式。但是,没有任何古希腊壁画的例子能够幸存,只有其当代或后来的罗马人的书面描述。

宙克西斯(Zeuxis)约活动于公元前5世纪前后。赫拉克勒斯城(意大利)的画师之一。根据老普林尼(Pliny the Elder)的说法,他画作的真实感使鸟类试图吃上画有葡萄的葡萄。

罗马艺术受到希腊的影响,在某种程度上可以看作是古希腊绘画和雕塑的后代,但也受到意大利当地伊特鲁里亚艺术的强烈影响。罗马雕塑主要是来自上流社会的肖像画以及对神灵的描绘。

 
中世纪艺术

中世纪时期大多数艺术品都是宗教的焦点,通常是由教会,主教等神职人员,修道院等社区团体或富裕的世俗赞助人资助的。许多具有特殊的礼仪功能,例如,游行十字架和祭坛装饰。

关于中世纪艺术的中心问题之一是它缺乏现实主义。随着罗马的沦陷,人们失去了审视艺术的知识和对人的理解。但是现实主义并不是中世纪艺术家的关注点,他们只是试图发送宗教信息,这一任务需要清晰的标志性图像,而不是精确渲染的图像。

拜占庭艺术与我们所谓的早期基督教艺术重叠或融合,直到730-843 年是偶像破坏时期,当时绝大多数带有人物的艺术品被摧毁。遗留的东西很少。在843年到1453年之间,有明确的拜占庭艺术传统。就材料和工艺的质量而言,它通常是中世纪最好的艺术,其分布以君士坦丁堡为中心。拜占庭艺术的最高成就是圆顶教堂内巨大的壁画和马赛克,由于自然灾害和教堂被清真寺占用,大多数教堂无法幸存。

移居时期艺术是移居到罗马领土的“野蛮人”艺术的总称。 七世纪和八世纪的凯尔特人艺术通过与盎格鲁撒克逊人的接触而融合了日耳曼传统,从而创造了所谓的“哈伯诺-撒克逊人风格”或“ 岛屿艺术”,这在中世纪的其余时间都具有很大的影响力。

罗马艺术是指大约从1000到12世纪哥特艺术兴起的时期。这是一个繁荣昌盛的时期,也是第一个看到从斯堪的纳维亚半岛到瑞士整个欧洲使用一致风格的风格的时期。罗马式艺术充满活力和直接性,本来色彩鲜艳,而且通常非常精致。高浮雕是主要技术,并且形成了较大的圆形雕塑。它的建筑以厚实的墙壁,圆头的窗户和拱门为主导,并带有许多雕刻装饰。工艺品以金属制品上的彩色玻璃和搪瓷为特色。

哥特式雕塑于1144年在法国诞生,并在整个欧洲传播,到13世纪,它已成为取代罗马式风格的国际风格。哥特式建筑在当代普遍被称作“法国式”,但是,目前哥特式建筑物最多的国家却是德国、意大利及德语系国家,法国反而是巴洛克式建筑比较多。“哥特式”一词则于文艺复兴后期出现,带有贬意。哥特式建筑的特色包括尖形拱门、肋状拱顶(从罗马式建筑的接合拱顶演变而来)与飞扶壁。哥特式建筑最常见于欧洲的主教座堂、修道院与教堂。它也出现在许多城堡、宫殿、大会堂、会馆、大学,甚至私人住宅也可见其踪影。

哥特式建筑的整体风格为高耸削瘦,以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感,对后世其他艺术均有重大影响。哥特式大教堂等无价建筑艺术已列入联合国教科文组织的世界遗产,哥特式建筑的研究也是主教座堂、教堂的研究里很重要的一部分。

 
文艺复兴

从哥特式到文艺复兴时期

在13世纪末和14世纪初,意大利的大部分绘画都是拜占庭式的,特别是锡耶纳的杜乔·迪·博尼塞尼亚(Duccio)和佛罗伦萨的契马布埃(Cimabue),而罗马的皮埃特罗·卡瓦利尼(Pietro Cavallini)的绘画风格更像哥特式。


1290年,乔托(Giotto)开始以一种不太传统的绘画方式,而更多地基于对自然的观察。他在著名的位于帕多瓦的斯克罗威尼礼拜堂(Cappella degli Scrovegni)的壁画,被看作是一个文艺复兴初期的风格。


14世纪的其他画家都将哥特式风格进行了详尽的阐述和细化。这些画家中值得注意的是西蒙尼·马蒂尼(Simone Martini)詹蒂莱·达·法布里亚诺(Gentile da Fabriano)

在荷兰,用油而不是蛋彩画的绘画技术导致了一种精致的形式,这种形式不依赖于金箔的应用和浮雕,而是取决于对自然世界的细微描绘。此时,具有极大真实感的绘画纹理艺术不断发展。扬·凡·艾克(Jan van Eyck)雨果·凡·德·古斯(Hugo van der Goes)等荷兰画家对哥特晚期和文艺复兴早期的绘画产生了巨大影响。




文艺复兴早期


文艺复兴时期的想法首先出现在意大利佛罗伦萨市。雕塑家多纳泰罗(Donatello)回归了古典技术和古典题材,如对立式平衡站姿和在当时不受支持的裸体,他的第二个大卫雕塑是自罗马帝国以来在欧洲创作的第一个独立式青铜裸体。

雕塑家和建筑师菲利波·布鲁内莱斯基(Filippo Brunelleschi)研究了古罗马建筑的建筑思想以寻求灵感。马萨乔(Masaccio)完美地绘制了壁画,例如构图,个人表达和人形,特别是在布兰卡奇教堂中的壁画,具有令人惊讶的优雅,戏剧和情感。

这些杰出的艺术家中有很大一部分在佛罗伦萨大教堂的不同部分工作。菲利波·布鲁内莱斯基(Filippo Brunelleschi)的大教堂圆顶是自哥特式扶壁以来首批真正革命性的建筑创新之一。多纳泰罗(Donatello)创作了许多雕塑。乔托(Giotto)洛伦佐·吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti)也为大教堂做出了贡献。


高文艺复兴时期


高文艺复兴时期的艺术家包括达芬奇(Leonardo da Vinci)米开朗基罗(Michelangelo)拉斐尔(Raphael)等人物。


意大利在15世纪的艺术发展(例如,对透视系统,对解剖结构的描绘以及对古典文化的兴趣)在16世纪逐渐成熟。尽管没有任何一种独特的风格能够代表高文艺复兴时期,但与这一时期最紧密相关的那些人的艺术表现出了惊人的技术和美学水平。


高文艺复兴时期的艺术家创造了如此权威的作品,以至于后来的几代艺术家都依赖这些艺术品进行指导。这些典范的艺术创作进一步提升了艺术家的声望。艺术家可以声称神的灵感,从而将视觉艺术提升到以前只属于诗歌的地位。因此,画家,雕塑家和建筑师进入了自己的行列,他们的作品成功地在美术界中享有很高的地位。从某种意义上说,16世纪的大师们创造了一种新的职业,它拥有自己的表达方式和尊贵的品格。


直到文艺复兴时期的北方艺术

早期的荷兰绘画发展油画技术,以便以逼真度更好地控制绘画的微小细节。扬·凡·艾克(Jan van Eyck)是精通从泥金装饰手抄本到板画(16世纪开始流行帆布画)的一个人物。

荷兰画家耶罗尼米斯·博斯(Hieronymus Bosch)是北部文艺复兴时期的另一个重要人物。在他的绘画中,他使用了宗教主题,但又将它们与怪诞的幻想,色彩丰富的图像和农民的民间传说相结合。他的画常反映出中世纪末期的困惑和痛苦。


阿尔布雷希特·丢勒(Albrecht Dürer)在15世纪末向德国介绍了意大利文艺复兴时期的风格,并主导了德国文艺复兴时期的艺术。

 
风格主义,巴洛克式和洛可可式


在欧洲艺术中,文艺复兴时期的古典主义催生了两种不同的运动:风格主义和巴洛克风格。风格主义是对古典主义理想主义完美主义的一种反应,它利用光线和空间框架的扭曲来强调绘画的情感内容和画家的情感。埃尔·格雷考(El Greco)是16世纪后期一个特别明显的风格主义的例子。巴洛克艺术将文艺复兴时期的表现主义推向了新的高度,他们在追求美的过程中强调细节,运动,光线和戏剧性。也许最著名的巴洛克画家是卡拉瓦乔(Caravaggio)伦勃朗(Rembrandt)鲁本斯(Peter Paul Rubens)委拉斯开兹(Diego Velázquez)阿尔泰米西娅·真蒂莱斯基(Artemisia Gentileschi)是另一位值得注意的艺术家,他受到卡拉瓦乔风格的启发。


一个颇为不同领域的17世纪北部现实主义传统,发展出来的荷兰黄金时代绘画,其中只有很少的宗教艺术,更多的是世俗的流派如静物、风俗画的日常场景和山水画。尽管伦勃朗(Rembrandt)艺术的巴洛克风格很明显,但该标签很少用于许多其他荷兰艺术家。

巴洛克艺术经常被视为反改革的一部分,这是罗马天主教会精神生活复兴的艺术元素。此外,巴洛克艺术对宏伟的强调在本质上被视为绝对主义者。在巴洛克艺术背景下,宗教和政治主题得到了广泛的探索,绘画和雕塑都具有戏剧性,情感性和戏剧性的强烈元素。巴洛克艺术在自然中特别华丽和精致,经常使用丰富,温暖的色彩和深色底调。庄重是整个巴洛克艺术运动的重要元素,从路易十四说:“我是庄严的化身” 可以看出。许多巴洛克艺术家为试图实现这一目标的国王服务。巴洛克艺术在许多方面与文艺复兴时期的艺术相似。实际上,该术语最初是贬义的,用来描述文艺复兴时期后的艺术和建筑。巴洛克艺术可以看作是对文艺复兴后期艺术的一种更加精细和戏剧性的重新适应。

然而,到了18世纪,巴洛克艺术已经过时,因为许多人认为它过于叙事和阴郁,并发展成为法国出现的洛可可式。洛可可式的艺术品比巴洛克式的艺术品更为精致,但它的严肃性和趣味性却不那么严重。


巴洛克风格使用丰富而强烈的色彩,洛可可风格则使用淡奶油色。艺术运动不再强调政治和宗教,而是关注浪漫,庆祝和对自然的欣赏等较轻主题。洛可可式的艺术也与巴洛克风格形成鲜明对比,因为它经常拒绝对称性,而倾向于不对称的设计。弗朗索瓦·布歇(François Boucher)是一位将洛可可风格发展到极致的艺术家。

此外,它还从远东亚洲的艺术形式和装饰中寻求灵感,从而引起了人们的青睐。一般的瓷俑和中国风。十八世纪的风靡一时。然而,洛可可式的风格很快就失宠了,被许多人视为夸张而肤浅的运动,强调美学而非意义。新古典主义在许多方面发展为洛可可式的反运动,其推动力是对洛可可式的华丽品质的厌恶感。


巴洛克艺术与洛可可艺术之间的差异

巴洛克艺术的特点是强烈的宗教和政治主题。共同的特征包括丰富的色彩以及强烈的明暗对比。绘画本质上是精心制作,充满情感和戏剧性的。

洛可可艺术的特点是主题轻巧,经常是幽默的。常见的特征包括淡淡的奶油色,小巧的装饰和偏爱田园风光。绘画比巴洛克式的绘画更为华丽、明亮,通常是优美,嬉戏和轻松愉快的。

 
新古典主义,浪漫主义,学术主义和现实主义

受不同古典主题启发的新古典主义艺术的特点是强调简约,秩序和理想主义。在整个18世纪,反对洛可可的反动运动在欧洲各地展开,通常被称为新古典主义。它鄙视洛可可艺术的肤浅和轻浮,并希望恢复古典尤其是古希腊和罗马的简单性,秩序和“纯粹主义”。该运动在一定程度上也受到了文艺复兴时期的影响,文艺复兴时期本身又受到古典艺术的强烈影响。


新古典主义是知识运动的艺术组成部分,被称为启蒙运动 ; 启蒙运动是理想主义的,强调客观性,理性和经验真理。在整个18世纪,新古典主义在欧洲变得十分普遍,尤其是在英国在此期间,新古典主义建筑的伟大作品应运而生。新古典主义对古典的迷恋可以在这十年的盛大巡回演出中看到,那里的有钱贵族前往意大利和希腊的古老遗址。


尽管如此,新古典主义的决定性时刻是在18世纪末的法国大革命期间。在法国,洛可可艺术被新古典主义艺术所取代。在许多方面,新古典主义可以被视为一种政治运动以及一种艺术和文化运动。新古典主义艺术强调秩序,对称和古典简约。新古典主义艺术中的常见主题包括勇气和战争,这在古希腊和罗马艺术中经常被探讨。安格尔(Jean-Auguste-Dominique Ingres)安东尼奥·卡诺瓦(Antonio Canova)雅克-路易·大卫(Jacques-Louis David)都是最著名的新古典主义者。


就像风格主义拒绝古典主义一样,浪漫主义也拒绝启蒙思想和新古典主义美学。浪漫主义拒绝了新古典主义的高度客观和有秩序的性质,并选择了对艺术更具个性化和情感化的方法。浪漫主义强调自然,特别是在描绘自然世界的力量和美丽以及情感时,并寻求高度个人化的艺术方法。


浪漫主义艺术是关于个人的感觉,而不是新古典主义等共同主题。通过这种方式,浪漫主义艺术经常使用色彩来表达情感和情感。与新古典主义相似,浪漫主义艺术的灵感主要来自古希腊和罗马艺术以及神话,但与新古典主义不同,这种灵感主要被用作创造象征主义和意象的方式。


浪漫主义艺术还从中世纪和哥特主义以及神话和民间传说中汲取了很多美学特质。最伟大的浪漫主义艺术家包括德拉克拉瓦(Eugène Delacroix)戈雅(Francisco Goya)特纳(Joseph Mallord William Turner)康斯特勃(John Constable)卡斯帕·弗里德里希(Caspar David Friedrich)托马斯·科尔(Thomas Cole)威廉·布莱克(William Blake)

大多数艺术家试图采取中间派的方法来融合新古典主义和浪漫主义风格的不同特征。在法国学院内进行了各种尝试,这些尝试统称为学术艺术。布格罗(William-Adolphe Bouguereau)被认为是这种艺术流的主要例子。


然而,在19世纪初,欧洲的面貌被工业化彻底改变了。贫穷,肮脏和绝望将是“革命”创造的新工人阶级的命运。为了应对社会上发生的这些变化,出现了现实主义运动。现实主义试图准确地描绘穷人的状况和困境,以期改变社会。


与浪漫主义相比,浪漫主义本质上对人类持乐观态度,而现实主义则提供了对贫穷和绝望的鲜明印象。同样,在浪漫主义美化自然的同时,现实主义则将生活描绘在城市荒原的深处。像浪漫主义一样,现实主义既是文学也是艺术运动。


最棒的现实主义画家包括夏尔丹(Jean-Baptiste-Siméon Chardin)库尔贝(Gustave Courbet)米勒(Jean-François Millet)柯罗(Jean-Baptiste-Camille Corot)Honoré Daumier爱德华·马奈(Édouard Manet)埃德加·德加(Edgar Degas)托马斯·艾金斯(Thomas Eakins)。其中爱德华·马奈(Édouard Manet)埃德加·德加(Edgar Degas)都被认为是印象派画家。


与其他艺术形成鲜明对比的是,建筑对工业化的反应是转向历史主义。尽管在此期间建造的火车站通常被认为是其精神的最真实反映,它们有时被称为“时代的大教堂”,工业时代建筑的主要运动是对远古时代风格的复兴。

 
现代艺术

印象派因其在绘画中使用光和运动而闻名,例如克劳德·莫奈(Claude Monet)的《圣拉扎尔站火车站


从现实主义的自然主义伦理学中产生了一种重大的艺术运动,即印象派。印象派开创了在绘画中使用光的尝试,因为他们试图捕捉人眼所见的光。埃德加·德加(Edgar Degas)爱德华·马奈(Édouard Manet)克劳德·莫奈(Claude Monet)毕沙罗(Camille Pissarro)雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir)都参与了印象派运动。


作为印象派的直接产物传来的发展后印象派,保罗·塞尚(Paul Cézanne)文森特·梵高(Vincent van Gogh)保罗·高更(Paul Gauguin)乔治·修拉(Georges Seurat)是最著名的后印象派画家。


野兽派紧随印象派和后印象派之后,被认为是第一批“现代”艺术流派。就像印象派画家彻底改变了光线一样,野兽派画家也重新思考了色彩,以鲜艳,野性的色调画画。运动的领导人是安德烈·德兰(André Derain)亨利·马蒂斯(Henri Matisse)


在野兽派之后,现代艺术开始以其各种形式发展,从表现主义到通过客观艺术品来唤起情感,再到立体主义,将四维现实转化为平面画布的艺术,再到抽象艺术。这些新的艺术形式突破了传统“艺术”概念的局限,并与人类社会,技术和思想中发生的类似快速变化相对应。


超现实主义通常被归类为现代艺术的一种形式。但是,超现实主义者本人反对将超现实主义作为艺术史上的一个时代进行研究,声称它过分简化了运动的复杂性(他们说这不是艺术运动),曲解了超现实主义与美学的关系,错误地将正在进行的超现实主义描述为一个完成的时代,一个包罗万象的历史时代。。

其他现代艺术形式包括:

抽象表现主义(Abstract expressionism)
装饰艺术(Art Deco)
新艺术运动(Art Nouveau)
包豪斯(Bauhaus)
色域绘画(Color-field painting)
概念艺术(观念艺术,Conceptual Art)
建构主义(构成主义,结构主义,Constructivism)
立体主义(Cubism)
达达主义(Dada or Dadaism)
蓝骑士(青骑士,Der Blaue Reiter)
荷兰风格派(De Stijl)
桥社(Die Brücke)
人体艺术(Body Art)
表现主义(Expressionism)
野兽派(Fauvism)
激浪派(Fluxus)
未来主义(Futurism)
正在进行(Happening),通常指行为艺术( Performance art)
超现实主义(Surrealism)
字母主义(Lettrism)
抒情抽象(Lyrical Abstraction)
大地艺术(Land art,Earthworks,Earth art)
极简主义(Minimalism)
素人艺术(质朴艺术,朴素艺术,Naïve art)
欧普艺术(奥普艺术,OP Art)
行为艺术(Performance art)
照相写实主义(Photorealism)
流行艺术(波普艺术,通俗艺术,Pop art)
至上主义(绝对主义,suprematism)
影像艺术(Video art)
漩涡主义(Vorticism)

 
当代艺术和后现代艺术

现代艺术预示了后来被定义为后现代艺术的几个特征。实际上,几种现代艺术运动通常可以归为现代艺术和后现代艺术,例如波普艺术。后现代艺术在总体上特别强调讽刺,模仿和幽默。现代艺术开始发展一种更具讽刺意味的艺术方法,后现代艺术看到高,低端艺术与商业艺术之间的模糊。现代艺术开始尝试这种模糊。艺术的最新发展以材料,媒体,活动和概念方面的显着扩展为特征。

自1960年代以来发展起来的后现代艺术与现代主义的不同之处在于,现代艺术运动主要集中于自身的活动和价值,而后现代主义则将以前运动的全部范围作为参考。

后现代艺术对所谓的“ 美术 ”的通用规则和准则提出了质疑,将低级艺术与美术合并,直到没有一个完全可区分的为止。在后现代主义出现之前,美术的特点是具有审美品质,优雅,工艺,技巧和智力刺激的形式,旨在吸引上层或受过教育的阶层。这种高级艺术与低级艺术相区别,低级艺术又被认为是俗气的,媚俗的,容易制作的,缺乏很多或任何智力上的刺激,旨在吸引大众。后现代艺术模糊了这些区别,为当代美术带来了强烈的媚俗,商业主义元素。在后现代主义彻底改变了高级艺术的概念之前,当今被视为美术的东西可能已被视为低级艺术。此外,当代艺术的后现代性质在艺术界为个人主义留下了很多空间。