埃尔斯沃斯·凯利
Ellsworth Kelly
艺术家名：埃尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）
生卒日期： 1923年5月31日 - 2015年12月27日
国籍：美国
埃尔斯沃斯·凯利的全部作品（3）
埃尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）是一位美国画家、雕塑家和版画家，与硬边绘画、色域绘画和极简主义有关。他的作品展示了强调线条、色彩和形式的低调技巧，类似于约翰·麦克劳克林和肯尼思·诺兰的作品。凯利经常使用鲜艳的颜色。他在纽约州斯宾塞敦生活和工作。
童年时期
凯利出生于纽约州纽堡，距纽约市以北约 60 英里，是艾伦·豪·凯利 (Allan Howe Kelly) 和弗洛伦斯·罗斯·伊丽莎白 (吉森斯)·凯利 (Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly) 三个孩子中的第二个儿子。他的父亲是一位保险公司高管，拥有苏格兰、爱尔兰和德国血统。他的母亲曾是威尔士和宾夕法尼亚德国血统的一名教师。他的家人从纽堡搬到新泽西州奥拉德尔，一个拥有近 7,500 人的小镇。他的家人住在奥拉德尔水库附近，他的祖母在他八、九岁时就在 那里向他介绍了鸟类学。
在那里，他培养了对形式和色彩的热情。约翰·詹姆斯·奥杜邦对凯利整个职业生涯的工作产生了特别强烈的影响。作者尤金·古森（Eugene Goossen）推测，凯利如此出名的二色和三色画作，如《三色画：红黄蓝》（Three Panels: Red Yellow Blue，1963），可以追溯到他的观鸟和对二色和三色的研究。他从小就经常看到彩色鸟类。凯利说，他小时候经常独自一人，变得有点“孤独”。他有轻微的口吃，这种情况一直持续到青少年时期。
教育
凯利就读于公立学校，那里的艺术课强调材料并寻求发展“艺术想象力”。这种课程是学校教育中更广泛趋势的典型，这种趋势源自哥伦比亚大学师范学院颁布的进步教育理论，美国现代主义画家阿瑟·韦斯利·道曾在该学院任教。尽管他的父母不愿意支持凯利的艺术训练，但他的学校老师多萝西·兰格·奥普苏特（Dorothy Lange Opsut）鼓励他走得更远。由于他的父母只支付技术培训费用，凯利首先在布鲁克林的普拉特学院学习，他从 1941 年开始就读，直到1943 年元旦入伍。
军事
1943 年加入美国军队后，凯利请求分配到第 603 迷彩工兵营，该营招收了许多艺术家。他在新泽西州迪克斯堡入伍，并被派往科罗拉多州黑尔营，在那里与山地滑雪部队一起训练。他以前从未滑雪过。六到八周后，他被转移到马里兰州米德堡。第二次世界大战期间，他与其他艺术家和设计师一起在一个名为“幽灵军”的欺骗部队中服役。幽灵士兵使用充气坦克、卡车和其他诡计手段来误导轴心国部队了解盟军的方向和部署。他在服役期间接触军用迷彩服成为他基本艺术训练的一部分。 凯利从 1943 年起在该部队服役直至欧洲阶段战争结束。
战后教育
凯利利用《退伍军人法案》于 1946-47 年在波士顿美术博物馆学院学习，在那里他充分利用了博物馆的藏品，然后又在巴黎国立高等美术学院学习。在波士顿期间，他在鲍里斯·米尔斯基画廊 (Boris Mirski Gallery)举办了首次群展，并在罗克斯伯里 (Roxbury ) 的诺福克住宅中心 (Norfolk House Center) 教授艺术课程。在巴黎期间，凯利确立了他的审美观。他很少上课，但却沉浸在法国首都丰富的艺术资源中。 1948年，他听过马克斯·贝克曼关于法国艺术家保罗·塞尚的讲座，并于当年搬到了巴黎。在那里，他遇到了美国同胞约翰·凯奇（John Cage）和默斯·坎宁安（Merce Cunningham），他们分别在音乐和舞蹈方面进行实验；法国超现实主义艺术家Jean Arp；还有抽象雕塑家康斯坦丁·布朗库西，他对自然形式的简化对他产生了持久的影响。参观Alberto Magnelli、毕卡比亚、阿尔伯托·贾克梅蒂和Georges Vantongerloo等艺术家的工作室的经历是变革性的。
职业生涯
出国六年后，凯利的法语仍然很差，他只卖出了一幅画。 1953年，他被逐出工作室，次年返回美国。 他在阅读了对阿德·莱因哈特 (Ad Reinhardt)展览的评论后产生了兴趣，他觉得自己的作品与这位艺术家的作品有关。回到纽约后，他发现艺术界“非常艰难”。尽管凯利现在被认为是美国艺术运动的重要创新者和贡献者，但许多人很难找到凯利的艺术与主流风格趋势之间的联系。 1956 年 5 月，凯利在贝蒂·帕森斯（Betty Parsons）画廊举办了他在纽约的首次展览。他的艺术被认为比当时在纽约流行的更欧洲化。 1957 年秋天，他再次在她的画廊展出。他的三件作品：《大西洋》、《酒吧》和《三块绘画》被选入惠特尼美国艺术博物馆的展览“年轻的美国 1957”并展出。他的作品被认为与其他二十九位艺术家的作品截然不同。例如，《三板画》尤其引人注目；当时评论家质疑他用三幅画作创作的作品。例如，迈克尔·普兰特 (Michael Plante) 表示，凯利的多面板作品往往由于安装限制而显得局促，从而减少了作品与房间结构之间的相互作用。
凯利于 1970 年离开纽约前往斯宾塞敦，并于 1984 年与他的搭档、摄影师杰克·谢尔 (Jack Shear) 会合。从 2001 年到他去世，凯利在斯宾塞敦一间由建筑师理查德·格鲁克曼（ Richard Gluckman）重新配置和扩建的 20,000 平方英尺的工作室工作。最初的工作室是由斯克内克塔迪的建筑师沃纳·费比斯（Werner Feibes）和詹姆斯·施密特（James Schmitt）设计的，以换取凯利为他们创作的一幅特定场地的画作。凯利和谢尔于 2005 年搬进了他们共同居住的住所，直至画家去世，这是一栋建于 1815 年左右的木质殖民风格房屋。谢尔担任埃尔斯沃斯·凯利基金会（Ellsworth Kelly Foundation）的董事。 2015年，凯利将他的沉思场所建筑设计理念赠送给奥斯汀（Austin）的德克萨斯大学（University of Texas）布兰顿艺术博物馆（Blanton Museum of Art）。这座占地 2,715 平方英尺的石头建筑名为奥斯汀，以彩色玻璃窗、图腾木雕和黑白大理石板为特色，是凯利设计的唯一建筑，也是他最具纪念意义的作品。 奥斯汀是凯利三十年前设计的，于 2018 年 2 月开业。
凯利于2015年12月27日在纽约斯宾塞敦去世，享年92岁。
绘画
在巴黎期间，凯利继续画这个人物，但到 1949 年 5 月，他创作了他的第一幅抽象画。通过观察光线在水面上的扩散情况，他画了《塞纳河》（Seine，1950），由偶然排列的黑白矩形组成。 1951年，他开始创作一系列八张拼贴画，名为《光谱颜色由机会1至8排列》（Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII）。他用编号的纸条创造了它，每个都代表一种颜色，十八种不同色调中的一种，放置在 40 英寸 x 40 英寸的网格上。八幅拼贴画中的每幅都采用了不同的过程。
1952 年，凯利发现了克劳德·莫奈的晚期作品，这为他的绘画表达带来了新的自由：他开始以极大的尺寸进行创作，并探索连续性和单色绘画的概念。作为一名画家，他从那时起就以完全抽象的方式进行创作。到 20 世纪 50 年代末，他的绘画强调形状和平面质量（通常采用非直线格式）。他这一时期的作品也为从 1930 年代和 1940 年代初的美国先锋几何抽象到 1960 年代中期和 1970 年代的极简主义和还原艺术提供了一座有用的桥梁。例如，凯利的浮雕画《蓝色石板》（Blue Tablet，1962 年）就被收录在 1963 年犹太博物馆举办的开创性展览《迈向新抽象》（Toward a New Abstraction）中。
20 世纪 60 年代，他开始创作不规则角度的画布。《黄片》（Yellow Piece，1966）是艺术家的第一幅异形画布，代表了凯利对矩形支撑的关键突破以及他对绘画人物/背景关系的重新定义。凭借其弯曲的角落和单一的、包罗万象的颜色，画布本身就成为了构图，将其后面的墙壁变成了画面的地面。
20 世纪 70 年代，他在自己的作品中加入了曲线形状。 《绿白》（Green White，1968）标志着三角形在凯利作品中的首次亮相，这种形状在他的整个职业生涯中反复出现；这幅画由两块不同形状的单色画布组成，它们相互叠放：一个大型的倒置绿色梯形垂直位于一个较小的白色三角形上方，形成一个新的几何构图。
1970 年离开纽约前往斯宾塞敦后，他在附近的查塔姆镇租了一间前剧院，这样他就可以在比他以前住过的任何工作室都宽敞的工作室里工作。在那里工作一年后，凯利开始创作一系列 14 幅画作，这些画作后来成为查塔姆系列（Chatham Series）。每件作品均采用倒转的椭圆形形状，由两块相连的画布组成，每块画布都是不同颜色的单色。每一件作品的比例和色调都各不相同；我们特别注意每个面板的尺寸和所选颜色，以实现两者之间的平衡和对比。
《灰色》（Gray）是凯利于 1972 年开始创作的一个包含 12 部作品的大型系列，直到 1983 年才完成。《灰色》最初被认为是一种反战宣言，但色彩已被耗尽。 1979年，他在由单独的面板组成的双色绘画中使用了曲线。
在后来的绘画中，凯利提炼了他的调色板并引入了新的形式。在每幅作品中，他都从一块长方形的画布开始，小心翼翼地涂上许多层白色油漆，一块大部分漆成黑色的成形画布被放置在上面。
凯利在 1996 年的一次采访中谈到自己的作品时说道：“我认为我们都想从艺术中得到一种固定感，一种反对日常生活混乱的感觉。这当然是一种幻觉。画布腐烂了。油漆改变颜色。但你一直试图冻结世界，好像你可以让它永远持续下去。从某种意义上说，我试图捕捉的是变化的现实，让艺术保持开放的、不完整的状态，以达到看到的狂喜。”
凯利评论道：“我意识到我不想构图……我想找到它们。我觉得我的愿景是选择世界上的事物并呈现它们。对我来说，对感知的研究是最感兴趣的。有太多可看的东西，对我来说这一切看起来都很棒。”
石版画和图画
凯利 (Kelly) 提交了 20 世纪 40 年代末以来的植物和花卉图画。 《臭椿》（Ailanthus，1948）是他在波士顿创作的第一幅植物画，《风信子》（Hyacinth，1949）是他在巴黎创作的第一幅植物画。从1949年开始，他住在巴黎时（并受到亨利·马蒂斯和Jean Arp的主题选择的影响）开始画简单的植物和海藻形状。植物研究大部分是用铅笔或钢笔干净的笔画绘制的叶、茎和花的轮廓图，并集中在页面的中心。
20 世纪 60 年代中期，他与玛格·艾迪特（Maeght Éditeur）在巴黎共同创作了《二十七幅石版画组曲》 （Suite of Twenty-Seven Lithographs，1964-66），并开始了版画创作。就在那时，他创作了他的第一组植物石版画。从 1970 年起，他主要与双子座工作室（Gemini GEL）合作。他最初的系列 28 幅转印版画，题为《植物版画套件》（Suite of Plant Lithographs），标志着一个语料库的开始，该语料库后来发展到 72 幅版画和无数的树叶图画。 1971 年，他在双子座工作室完成了四版印刷品和多版《镜像协和》（Mirrored Concorde）的一个版本。 他的《紫色/红色/灰色/橙色》（Purple/Red/Gray/Orange，1988 年）长 18 英尺，可能是最大的单幅作品。曾经制作过的平版印刷品。他最近的版本《河流》（The River）、《河流的状态》（States of the River）和《河流 II》（River II）反映了凯利自早年在巴黎以来对水的迷恋。 1975年，凯利是第一位为沃兹沃斯雅典艺术博物馆的矩阵（MATRIX）系列展出的艺术家。展览展示了凯利的玉米秆（Corn Stalk）绘画系列和他 1974 年的两件钢雕塑。
雕塑
尽管凯利可能因其绘画而闻名，但他在整个职业生涯中也从事雕塑工作。 1958 年，凯利构思了他的第一批木雕《协和宽慰一》（Concorde Relief I，1958），这是一个尺寸适中的榆木墙壁浮雕，探索了两个相互层叠的矩形形式之间的视觉游戏和平衡，最上面的与它的顶部- 删除了右下角和左下角。在他的职业生涯中，他创作了 30 件木雕作品。从1959年起，他创作了独立式折叠雕塑。《摇杆》（Rocker）系列开始于 1959 年，凯利与艾格尼丝·马丁 (Agnes Martin)进行了一次随意的交谈，艾格尼丝·马丁就住在他楼下的曼哈顿下城科恩蒂斯滑道 (Coenties Slip)。凯利把玩着外卖咖啡杯的纸顶，切下并折叠了圆形物体的一部分，然后将其放在桌子上来回摇晃。不久之后，他建造了他的第一个圆形雕塑《小马》（Pony）。标题指的是带有弯曲摇杆支撑的儿童木马。
1973年，凯利开始定期制作大型户外雕塑。凯利放弃了涂漆表面，而是选择未涂漆的钢、铝或青铜，通常采用图腾状结构，例如《曲线二十三》（Curve XXIII，1981)。虽然他的独立式雕塑的图腾形式可高达 15 英尺，但他的墙壁浮雕宽度可超过 14 英尺。凯利的雕塑“建立在其对形式的绝对简单和清晰的坚持之上”。对于他 20 世纪 80 年代的雕塑，在斯宾塞敦的这段时间里，艺术家第一次在雕塑上投入了与绘画一样多的精力，并在这个过程中创作了他总共 140 件雕塑中的 60% 以上。 凯利使用一系列不同形式的想法创作了他的作品。他可能从一幅图画开始，对图画进行增强以创作出版画，再将版画创作成一件独立的作品，然后将其制成雕塑。他的雕塑完全简单，可以快速浏览，通常只需一眼即可看到。观看者观察到与周围空间隔离的光滑平坦的表面。这种扁平化和极简主义的感觉让人很难区分前景和背景。凯利的蓝盘被收录在纽约犹太博物馆 1966 年题为“主要结构”的开创性展览中，与此一起展出的还有许多年轻得多的艺术家刚刚开始使用极简形式进行创作。
风格
威廉·鲁宾指出，“凯利的发展绝对是内在导向的：既不是对抽象表现主义的反应，也不是与同时代人对话的结果。” 他的许多画作都是由单一（通常是明亮的）颜色组成，有些画布是不规则形状的，有时被称为“异形画布”。在他的画作和形状画布上看到的线条质量非常微妙，并且意味着完美。这在他的作品《布洛克岛研究》（Block Island Study，1959）中得到了证明。
影响
凯利的军队背景被认为是他作品严肃性的一个来源。在军队服役期间，凯利接触了他所在部队所使用的迷彩服并受到其影响。这教会了他如何使用形式和阴影，以及可见事物的构建和解构。这是他作为艺术家的早期教育的基础。凯利来自波士顿的朋友拉尔夫·科伯恩 (Ralph Coburn) 在巴黎访问期间向他介绍了自动绘图技术。凯利采用了这种无需看纸就可以制作图像的技术。这些技巧帮助凯利放松了他的绘画风格，并扩大了他对他所认为的艺术的接受度。在巴黎的最后一年，凯利生病了，还患有抑郁症。西姆斯认为这影响了他在那段时期对黑白的主要使用。
凯利对亨利·马蒂斯和毕加索的钦佩在他的作品中显而易见。由于灵感的启发，他训练自己以不同的方式看待事物并使用不同的媒介进行工作。 皮耶特·蒙德里安影响了他在绘画和雕塑中使用的非客观形式。凯利在巴黎学习期间首先受到罗马式和拜占庭时代的艺术和建筑的影响。他对超现实主义和新造型主义的介绍影响了他的作品，并促使他测试几何形式的抽象。
策展
2014年，凯利在马萨诸塞州南哈德利的曼荷莲学院艺术博物馆组织了一场马蒂斯绘画展。 2015年，他在克拉克艺术学院策展“莫奈/凯利” 。
1990年，凯利在现代艺术博物馆策划了“艺术家的选择：埃尔斯沃斯·凯利碎片和单一形式”展览。
个人生活
1956年，他遇到了搬进同一栋楼的罗伯特·印第安纳，并成为合伙人。凯利成了他的导师。他们于 1964 年左右分手。原因之一是印第安纳在他的画作中使用了文字，而凯利认为这种技巧不值得高雅艺术。
从 1984 年直至去世，凯利与摄影师丈夫杰克·谢尔 (Jack Shear) 住在一起，杰克·谢尔担任埃尔斯沃斯·凯利基金会 (Ellsworth Kelly Foundation) 的董事。
生卒日期： 1923年5月31日 - 2015年12月27日
国籍：美国
埃尔斯沃斯·凯利的全部作品（3）
埃尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）是一位美国画家、雕塑家和版画家，与硬边绘画、色域绘画和极简主义有关。他的作品展示了强调线条、色彩和形式的低调技巧，类似于约翰·麦克劳克林和肯尼思·诺兰的作品。凯利经常使用鲜艳的颜色。他在纽约州斯宾塞敦生活和工作。
童年时期
凯利出生于纽约州纽堡，距纽约市以北约 60 英里，是艾伦·豪·凯利 (Allan Howe Kelly) 和弗洛伦斯·罗斯·伊丽莎白 (吉森斯)·凯利 (Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly) 三个孩子中的第二个儿子。他的父亲是一位保险公司高管，拥有苏格兰、爱尔兰和德国血统。他的母亲曾是威尔士和宾夕法尼亚德国血统的一名教师。他的家人从纽堡搬到新泽西州奥拉德尔，一个拥有近 7,500 人的小镇。他的家人住在奥拉德尔水库附近，他的祖母在他八、九岁时就在 那里向他介绍了鸟类学。
在那里，他培养了对形式和色彩的热情。约翰·詹姆斯·奥杜邦对凯利整个职业生涯的工作产生了特别强烈的影响。作者尤金·古森（Eugene Goossen）推测，凯利如此出名的二色和三色画作，如《三色画：红黄蓝》（Three Panels: Red Yellow Blue，1963），可以追溯到他的观鸟和对二色和三色的研究。他从小就经常看到彩色鸟类。凯利说，他小时候经常独自一人，变得有点“孤独”。他有轻微的口吃，这种情况一直持续到青少年时期。
教育
凯利就读于公立学校，那里的艺术课强调材料并寻求发展“艺术想象力”。这种课程是学校教育中更广泛趋势的典型，这种趋势源自哥伦比亚大学师范学院颁布的进步教育理论，美国现代主义画家阿瑟·韦斯利·道曾在该学院任教。尽管他的父母不愿意支持凯利的艺术训练，但他的学校老师多萝西·兰格·奥普苏特（Dorothy Lange Opsut）鼓励他走得更远。由于他的父母只支付技术培训费用，凯利首先在布鲁克林的普拉特学院学习，他从 1941 年开始就读，直到1943 年元旦入伍。
军事
1943 年加入美国军队后，凯利请求分配到第 603 迷彩工兵营，该营招收了许多艺术家。他在新泽西州迪克斯堡入伍，并被派往科罗拉多州黑尔营，在那里与山地滑雪部队一起训练。他以前从未滑雪过。六到八周后，他被转移到马里兰州米德堡。第二次世界大战期间，他与其他艺术家和设计师一起在一个名为“幽灵军”的欺骗部队中服役。幽灵士兵使用充气坦克、卡车和其他诡计手段来误导轴心国部队了解盟军的方向和部署。他在服役期间接触军用迷彩服成为他基本艺术训练的一部分。 凯利从 1943 年起在该部队服役直至欧洲阶段战争结束。
战后教育
凯利利用《退伍军人法案》于 1946-47 年在波士顿美术博物馆学院学习，在那里他充分利用了博物馆的藏品，然后又在巴黎国立高等美术学院学习。在波士顿期间，他在鲍里斯·米尔斯基画廊 (Boris Mirski Gallery)举办了首次群展，并在罗克斯伯里 (Roxbury ) 的诺福克住宅中心 (Norfolk House Center) 教授艺术课程。在巴黎期间，凯利确立了他的审美观。他很少上课，但却沉浸在法国首都丰富的艺术资源中。 1948年，他听过马克斯·贝克曼关于法国艺术家保罗·塞尚的讲座，并于当年搬到了巴黎。在那里，他遇到了美国同胞约翰·凯奇（John Cage）和默斯·坎宁安（Merce Cunningham），他们分别在音乐和舞蹈方面进行实验；法国超现实主义艺术家Jean Arp；还有抽象雕塑家康斯坦丁·布朗库西，他对自然形式的简化对他产生了持久的影响。参观Alberto Magnelli、毕卡比亚、阿尔伯托·贾克梅蒂和Georges Vantongerloo等艺术家的工作室的经历是变革性的。
职业生涯
出国六年后，凯利的法语仍然很差，他只卖出了一幅画。 1953年，他被逐出工作室，次年返回美国。 他在阅读了对阿德·莱因哈特 (Ad Reinhardt)展览的评论后产生了兴趣，他觉得自己的作品与这位艺术家的作品有关。回到纽约后，他发现艺术界“非常艰难”。尽管凯利现在被认为是美国艺术运动的重要创新者和贡献者，但许多人很难找到凯利的艺术与主流风格趋势之间的联系。 1956 年 5 月，凯利在贝蒂·帕森斯（Betty Parsons）画廊举办了他在纽约的首次展览。他的艺术被认为比当时在纽约流行的更欧洲化。 1957 年秋天，他再次在她的画廊展出。他的三件作品：《大西洋》、《酒吧》和《三块绘画》被选入惠特尼美国艺术博物馆的展览“年轻的美国 1957”并展出。他的作品被认为与其他二十九位艺术家的作品截然不同。例如，《三板画》尤其引人注目；当时评论家质疑他用三幅画作创作的作品。例如，迈克尔·普兰特 (Michael Plante) 表示，凯利的多面板作品往往由于安装限制而显得局促，从而减少了作品与房间结构之间的相互作用。
凯利于 1970 年离开纽约前往斯宾塞敦，并于 1984 年与他的搭档、摄影师杰克·谢尔 (Jack Shear) 会合。从 2001 年到他去世，凯利在斯宾塞敦一间由建筑师理查德·格鲁克曼（ Richard Gluckman）重新配置和扩建的 20,000 平方英尺的工作室工作。最初的工作室是由斯克内克塔迪的建筑师沃纳·费比斯（Werner Feibes）和詹姆斯·施密特（James Schmitt）设计的，以换取凯利为他们创作的一幅特定场地的画作。凯利和谢尔于 2005 年搬进了他们共同居住的住所，直至画家去世，这是一栋建于 1815 年左右的木质殖民风格房屋。谢尔担任埃尔斯沃斯·凯利基金会（Ellsworth Kelly Foundation）的董事。 2015年，凯利将他的沉思场所建筑设计理念赠送给奥斯汀（Austin）的德克萨斯大学（University of Texas）布兰顿艺术博物馆（Blanton Museum of Art）。这座占地 2,715 平方英尺的石头建筑名为奥斯汀，以彩色玻璃窗、图腾木雕和黑白大理石板为特色，是凯利设计的唯一建筑，也是他最具纪念意义的作品。 奥斯汀是凯利三十年前设计的，于 2018 年 2 月开业。
凯利于2015年12月27日在纽约斯宾塞敦去世，享年92岁。
绘画
在巴黎期间，凯利继续画这个人物，但到 1949 年 5 月，他创作了他的第一幅抽象画。通过观察光线在水面上的扩散情况，他画了《塞纳河》（Seine，1950），由偶然排列的黑白矩形组成。 1951年，他开始创作一系列八张拼贴画，名为《光谱颜色由机会1至8排列》（Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII）。他用编号的纸条创造了它，每个都代表一种颜色，十八种不同色调中的一种，放置在 40 英寸 x 40 英寸的网格上。八幅拼贴画中的每幅都采用了不同的过程。
1952 年，凯利发现了克劳德·莫奈的晚期作品，这为他的绘画表达带来了新的自由：他开始以极大的尺寸进行创作，并探索连续性和单色绘画的概念。作为一名画家，他从那时起就以完全抽象的方式进行创作。到 20 世纪 50 年代末，他的绘画强调形状和平面质量（通常采用非直线格式）。他这一时期的作品也为从 1930 年代和 1940 年代初的美国先锋几何抽象到 1960 年代中期和 1970 年代的极简主义和还原艺术提供了一座有用的桥梁。例如，凯利的浮雕画《蓝色石板》（Blue Tablet，1962 年）就被收录在 1963 年犹太博物馆举办的开创性展览《迈向新抽象》（Toward a New Abstraction）中。
20 世纪 60 年代，他开始创作不规则角度的画布。《黄片》（Yellow Piece，1966）是艺术家的第一幅异形画布，代表了凯利对矩形支撑的关键突破以及他对绘画人物/背景关系的重新定义。凭借其弯曲的角落和单一的、包罗万象的颜色，画布本身就成为了构图，将其后面的墙壁变成了画面的地面。
20 世纪 70 年代，他在自己的作品中加入了曲线形状。 《绿白》（Green White，1968）标志着三角形在凯利作品中的首次亮相，这种形状在他的整个职业生涯中反复出现；这幅画由两块不同形状的单色画布组成，它们相互叠放：一个大型的倒置绿色梯形垂直位于一个较小的白色三角形上方，形成一个新的几何构图。
1970 年离开纽约前往斯宾塞敦后，他在附近的查塔姆镇租了一间前剧院，这样他就可以在比他以前住过的任何工作室都宽敞的工作室里工作。在那里工作一年后，凯利开始创作一系列 14 幅画作，这些画作后来成为查塔姆系列（Chatham Series）。每件作品均采用倒转的椭圆形形状，由两块相连的画布组成，每块画布都是不同颜色的单色。每一件作品的比例和色调都各不相同；我们特别注意每个面板的尺寸和所选颜色，以实现两者之间的平衡和对比。
《灰色》（Gray）是凯利于 1972 年开始创作的一个包含 12 部作品的大型系列，直到 1983 年才完成。《灰色》最初被认为是一种反战宣言，但色彩已被耗尽。 1979年，他在由单独的面板组成的双色绘画中使用了曲线。
在后来的绘画中，凯利提炼了他的调色板并引入了新的形式。在每幅作品中，他都从一块长方形的画布开始，小心翼翼地涂上许多层白色油漆，一块大部分漆成黑色的成形画布被放置在上面。
凯利在 1996 年的一次采访中谈到自己的作品时说道：“我认为我们都想从艺术中得到一种固定感，一种反对日常生活混乱的感觉。这当然是一种幻觉。画布腐烂了。油漆改变颜色。但你一直试图冻结世界，好像你可以让它永远持续下去。从某种意义上说，我试图捕捉的是变化的现实，让艺术保持开放的、不完整的状态，以达到看到的狂喜。”
凯利评论道：“我意识到我不想构图……我想找到它们。我觉得我的愿景是选择世界上的事物并呈现它们。对我来说，对感知的研究是最感兴趣的。有太多可看的东西，对我来说这一切看起来都很棒。”
石版画和图画
凯利 (Kelly) 提交了 20 世纪 40 年代末以来的植物和花卉图画。 《臭椿》（Ailanthus，1948）是他在波士顿创作的第一幅植物画，《风信子》（Hyacinth，1949）是他在巴黎创作的第一幅植物画。从1949年开始，他住在巴黎时（并受到亨利·马蒂斯和Jean Arp的主题选择的影响）开始画简单的植物和海藻形状。植物研究大部分是用铅笔或钢笔干净的笔画绘制的叶、茎和花的轮廓图，并集中在页面的中心。
20 世纪 60 年代中期，他与玛格·艾迪特（Maeght Éditeur）在巴黎共同创作了《二十七幅石版画组曲》 （Suite of Twenty-Seven Lithographs，1964-66），并开始了版画创作。就在那时，他创作了他的第一组植物石版画。从 1970 年起，他主要与双子座工作室（Gemini GEL）合作。他最初的系列 28 幅转印版画，题为《植物版画套件》（Suite of Plant Lithographs），标志着一个语料库的开始，该语料库后来发展到 72 幅版画和无数的树叶图画。 1971 年，他在双子座工作室完成了四版印刷品和多版《镜像协和》（Mirrored Concorde）的一个版本。 他的《紫色/红色/灰色/橙色》（Purple/Red/Gray/Orange，1988 年）长 18 英尺，可能是最大的单幅作品。曾经制作过的平版印刷品。他最近的版本《河流》（The River）、《河流的状态》（States of the River）和《河流 II》（River II）反映了凯利自早年在巴黎以来对水的迷恋。 1975年，凯利是第一位为沃兹沃斯雅典艺术博物馆的矩阵（MATRIX）系列展出的艺术家。展览展示了凯利的玉米秆（Corn Stalk）绘画系列和他 1974 年的两件钢雕塑。
雕塑
尽管凯利可能因其绘画而闻名，但他在整个职业生涯中也从事雕塑工作。 1958 年，凯利构思了他的第一批木雕《协和宽慰一》（Concorde Relief I，1958），这是一个尺寸适中的榆木墙壁浮雕，探索了两个相互层叠的矩形形式之间的视觉游戏和平衡，最上面的与它的顶部- 删除了右下角和左下角。在他的职业生涯中，他创作了 30 件木雕作品。从1959年起，他创作了独立式折叠雕塑。《摇杆》（Rocker）系列开始于 1959 年，凯利与艾格尼丝·马丁 (Agnes Martin)进行了一次随意的交谈，艾格尼丝·马丁就住在他楼下的曼哈顿下城科恩蒂斯滑道 (Coenties Slip)。凯利把玩着外卖咖啡杯的纸顶，切下并折叠了圆形物体的一部分，然后将其放在桌子上来回摇晃。不久之后，他建造了他的第一个圆形雕塑《小马》（Pony）。标题指的是带有弯曲摇杆支撑的儿童木马。
1973年，凯利开始定期制作大型户外雕塑。凯利放弃了涂漆表面，而是选择未涂漆的钢、铝或青铜，通常采用图腾状结构，例如《曲线二十三》（Curve XXIII，1981)。虽然他的独立式雕塑的图腾形式可高达 15 英尺，但他的墙壁浮雕宽度可超过 14 英尺。凯利的雕塑“建立在其对形式的绝对简单和清晰的坚持之上”。对于他 20 世纪 80 年代的雕塑，在斯宾塞敦的这段时间里，艺术家第一次在雕塑上投入了与绘画一样多的精力，并在这个过程中创作了他总共 140 件雕塑中的 60% 以上。 凯利使用一系列不同形式的想法创作了他的作品。他可能从一幅图画开始，对图画进行增强以创作出版画，再将版画创作成一件独立的作品，然后将其制成雕塑。他的雕塑完全简单，可以快速浏览，通常只需一眼即可看到。观看者观察到与周围空间隔离的光滑平坦的表面。这种扁平化和极简主义的感觉让人很难区分前景和背景。凯利的蓝盘被收录在纽约犹太博物馆 1966 年题为“主要结构”的开创性展览中，与此一起展出的还有许多年轻得多的艺术家刚刚开始使用极简形式进行创作。
风格
威廉·鲁宾指出，“凯利的发展绝对是内在导向的：既不是对抽象表现主义的反应，也不是与同时代人对话的结果。” 他的许多画作都是由单一（通常是明亮的）颜色组成，有些画布是不规则形状的，有时被称为“异形画布”。在他的画作和形状画布上看到的线条质量非常微妙，并且意味着完美。这在他的作品《布洛克岛研究》（Block Island Study，1959）中得到了证明。
影响
凯利的军队背景被认为是他作品严肃性的一个来源。在军队服役期间，凯利接触了他所在部队所使用的迷彩服并受到其影响。这教会了他如何使用形式和阴影，以及可见事物的构建和解构。这是他作为艺术家的早期教育的基础。凯利来自波士顿的朋友拉尔夫·科伯恩 (Ralph Coburn) 在巴黎访问期间向他介绍了自动绘图技术。凯利采用了这种无需看纸就可以制作图像的技术。这些技巧帮助凯利放松了他的绘画风格，并扩大了他对他所认为的艺术的接受度。在巴黎的最后一年，凯利生病了，还患有抑郁症。西姆斯认为这影响了他在那段时期对黑白的主要使用。
凯利对亨利·马蒂斯和毕加索的钦佩在他的作品中显而易见。由于灵感的启发，他训练自己以不同的方式看待事物并使用不同的媒介进行工作。 皮耶特·蒙德里安影响了他在绘画和雕塑中使用的非客观形式。凯利在巴黎学习期间首先受到罗马式和拜占庭时代的艺术和建筑的影响。他对超现实主义和新造型主义的介绍影响了他的作品，并促使他测试几何形式的抽象。
策展
2014年，凯利在马萨诸塞州南哈德利的曼荷莲学院艺术博物馆组织了一场马蒂斯绘画展。 2015年，他在克拉克艺术学院策展“莫奈/凯利” 。
1990年，凯利在现代艺术博物馆策划了“艺术家的选择：埃尔斯沃斯·凯利碎片和单一形式”展览。
个人生活
1956年，他遇到了搬进同一栋楼的罗伯特·印第安纳，并成为合伙人。凯利成了他的导师。他们于 1964 年左右分手。原因之一是印第安纳在他的画作中使用了文字，而凯利认为这种技巧不值得高雅艺术。
从 1984 年直至去世，凯利与摄影师丈夫杰克·谢尔 (Jack Shear) 住在一起，杰克·谢尔担任埃尔斯沃斯·凯利基金会 (Ellsworth Kelly Foundation) 的董事。
