爱德华·霍普
Edward Hopper
代表作品：
艺术家名：爱德华·霍普（Edward Hopper）
生卒日期： 1882年7月22日 - 1967年5月15日
国籍：美国
爱德华·霍普的全部作品（371）
爱德华·霍珀（Edward Hopper）是美国现实主义画家和版画家。虽然他的油画广为人知，但他同样精通水彩画家和版画。他的职业生涯决定性地受益于他与艺术家同行约瑟芬·尼维森 (Josephine Nivison) 的婚姻，后者对他的工作做出了很大贡献，无论是作为生活模特还是创意合作伙伴。霍珀是一位小调艺术家，用“带有诗意的层次”的普通主题创作出柔和的戏剧，引人入胜的叙事解释，往往是无意的。在他所描绘的美国，他因“完全真实”而受到称赞。
霍珀于 1882 年出生在纽约市的尼亚克，这是纽约市北部哈德逊河上的一个游艇制造中心。他是一个小康家庭的两个孩子之一。他的父母主要是荷兰血统，是伊丽莎白·格里菲思·史密斯（Elizabeth Griffiths Smith）和干货商人加勒特·亨利·霍珀（Garret Henry Hopper）。虽然不如他的祖先那么成功，但加勒特从他妻子的遗产中获得了相当大的帮助，为他的两个孩子提供了很好的帮助。他四十九岁退休。爱德华和他唯一的妹妹玛丽恩同时就读于私立和公立学校。他们在严格的浸信会家庭中长大。他的父亲性格温和，家庭由女性主导：霍珀的母亲、祖母、姐姐和女仆。
他的出生地和童年故居于 2000 年被列入国家史迹名录。现在作为爱德华霍珀之家艺术中心运营。它是一个非营利性社区文化中心，以展览、研讨会、讲座、表演和特别活动为特色。
霍珀在小学时是个好学生，五岁时就表现出绘画天赋。他欣然吸收了父亲的智力倾向以及对法国和俄罗斯文化的热爱。他还展示了他母亲的艺术遗产。霍珀的父母鼓励他的艺术，并为他提供充足的材料、教学杂志和插图书籍。霍珀在 10 岁的时候就开始在他的画作上签名和日期。这些图纸中最早的包括几何形状的木炭草图，包括花瓶、碗、杯子和盒子。在他的早期作品中已经可以找到在他整个职业生涯中进行的对光影的详细检查。十几岁时，他开始使用钢笔、木炭、水彩和油画——从大自然中汲取灵感并制作政治漫画。 1895 年，他创作了他的第一幅签名油画《洛基湾的划艇》，这是他从业余艺术家的流行杂志《艺术交流》（The Art Interchange）上复制的复制品。霍珀的其他最早的油画，如 《尼亚克的旧冰池》（Old ice pond at Nyack ）和他 1898 年的画作《船》（Ships），已被确认为布鲁斯·克雷恩 和爱德华·莫兰等艺术家的画作复制品。
在他早期的自画像中，霍珀倾向于将自己描绘成瘦弱、不雅和朴实。虽然他是一个高大而安静的少年，但他恶作剧的幽默感在他的艺术中找到了出口，有时是在描绘移民或在喜剧情况下女性统治男性。在后来的生活中，他主要将女性描绘成他画中的人物。高中时，他梦想成为一名造船工程师，但毕业后他宣布打算从事艺术事业。霍珀的父母坚持让他学习商业艺术以获得可靠的收入来源。在发展他的自我形象和个人主义生活哲学的过程中，霍珀受到了拉尔夫·沃尔多·爱默生（Ralph Waldo Emerson）著作的影响。他后来说：“我非常钦佩他……我一遍又一遍地读他。”
霍珀于 1899 年通过函授课程开始艺术研究。很快，他转学到纽约艺术与设计学院（New York School of Art and Design），即帕森斯新设计学院（Parsons The New School for Design）的前身。他在那里学习了六年，师从包括威廉·梅里特·切斯在内的老师，后者指导他学习油画。早期，霍珀模仿蔡斯和法国印象派大师爱德华·马奈和埃德加·德加的风格。事实证明，从真人模特身上画草图对保守的霍珀来说既是挑战又是震惊。
他的另一位老师，艺术家罗伯特·亨利教授生活课。亨利鼓励他的学生用他们的艺术“在世界上引起轰动”。他还建议他的学生，“重要的不是学科，而是你对它的感受”和“忘记艺术，画出你在生活中感兴趣的东西。”亨利以这种方式影响了霍珀，以及未来的艺术家乔治·贝洛斯和Rockwell Kent。他鼓励他们在工作中注入现代精神。亨利圈子里的一些艺术家，包括约翰·斯隆，成为了“八”的成员，也被称为美国阿什坎艺术学院。霍珀现存的第一幅暗示他将室内作为主题的油画是《剧院中的孤独人物》（Solitary Figure in a Theater，约1904年）。在学生时代，他还画了几十幅裸体画、静物画、风景画和肖像画，包括他的自画像。
1905年，霍珀在一家广告公司找到了一份兼职工作，为商业杂志设计封面。霍珀讨厌这插图，直到20世纪20年代中期，由于经济上的需要，他一直受此约束。他暂时逃过了三次欧洲之行，每次都以巴黎为中心，表面上是为了研究那里的艺术场景。然而，事实上，他是一个人学习的，似乎大部分时间都不受艺术新潮流的影响。后来他说他“根本不记得听说过毕加索”。伦勃朗给他留下了深刻的印象，尤其是他的《夜巡》，他说这是“我所见过的最美妙的东西，这是他过去对现实的信仰。”
霍珀开始用深色调色板描绘城市和建筑场景。然后，他转向印象派画家的浅色调色板，然后又回到他喜欢的深色调色板。霍珀后来说：“我克服了这一点，后来在巴黎做的事情更多的是我现在做的事情。”霍珀花了很多时间画街道和咖啡馆的场景，去剧院和歌剧院。与许多模仿抽象立体派实验的同时代人不同，霍珀被现实主义艺术所吸引。后来，他承认，除了法国雕刻家查尔斯·梅里恩（Charles Meryon）以外，他没有受到任何欧洲的影响，霍珀模仿了他在巴黎喜怒无常的场景。
多年的奋斗
上次欧洲之行结束后，霍珀在纽约市租了一个工作室，在那里他努力定义自己的风格。他很不情愿地回到插图中来养活自己。作为一名自由职业者，霍珀被迫招揽项目，不得不敲开杂志社和机构办公室的门寻找生意。他的画作萎靡不振：“我很难决定我想画什么。我有时几个月都找不到它。它来得很慢。”他的插图画家同事Walter Tittle更尖锐地描述了霍珀沮丧的情绪状态，看到了他的朋友“忍受着……长期无法克服的惰性，在画架前一次坐上好几天，感到无助和不快，无法举起手来打破魔咒。”
1912年（2月22日至3月5日），在罗伯特·亨利的倡议下，他参加了由一群艺术家组成的独立派展览，但没有进行任何销售。
1912年，霍珀前往马萨诸塞州的格洛斯特寻求灵感，创作了他在美国的第一幅户外画作。他画了《壁灯》，这是众多灯塔画作中的第一幅。
1913年，在军械库展览上，霍珀卖掉了他的第一幅画《航海》（Sailing，1911年），赚了250美元。霍珀今年31岁，虽然他希望自己的第一次销售能在短时间内带动其他人，但他的职业生涯不会持续很多年。他继续在较小的场所参加团体展览，如纽约的麦克道威尔俱乐部同年父亲去世后不久，霍珀搬到曼哈顿格林威治村的华盛顿广场北3号公寓，在那里他将度过余生。
第二年，他受命制作一些电影海报，并为一家电影公司进行宣传。虽然他不喜欢插图作品，但霍珀一生都致力于电影和戏剧，他将这两种作品作为绘画的主题。每种形式都影响着他的创作方法。
1915年，霍珀在油画上陷入僵局，转而从事蚀刻。到1923年，他已经用这种媒介创作了大约70部作品中的大部分，其中包括巴黎和纽约的许多城市场景。他还为战争制作了一些海报，并继续进行偶尔的商业项目。如果可能的话，霍珀会在访问新英格兰时画一些户外油画，特别是在缅因州奥甘奎特（Ogunquit, Maine）和蒙赫根岛（ Monhegan Island）的艺术殖民地。
20世纪20年代初，他的蚀刻作品开始获得公众认可。他们表达了他后来的一些主题，如《El火车上的夜晚》（Night on the El Train，沉默中的情侣）、《晚风》和《猫船》（The Catboat，简单的航海场景）。当时两幅著名的油画是《纽约室内》和《纽约西餐厅》。他还画了两幅即将问世的“橱窗”画作：《缝纫女工》和《月光室内》，这两幅画都展示了一个人物（穿着衣服或裸体）靠近一个公寓的窗户。
尽管这些年令人沮丧，霍珀还是获得了一些认可。1918年，霍珀因其战争海报《粉碎德国佬》而获得美国航运局奖。他参加了三次展览：1917年与独立艺术家协会合作，1920年1月（惠特尼工作室俱乐部的单人展览，这是惠特尼博物馆的前身），1922年（再次与惠特尼工作室俱乐部合作）。1923年，霍珀因其蚀刻作品获得了两项大奖：芝加哥蚀刻师协会颁发的洛根奖（ Logan Prize）和W.A.布莱恩（W. A. Bryan Prize）奖。
婚姻与突破
到1923年，霍珀缓慢的攀登终于取得了突破。在马萨诸塞州格洛斯特的一次夏季绘画之旅中，他再次遇到了约瑟芬·尼维森（Josephine Nivison），他是一位艺术家，也是罗伯特·亨利的前学生。他们的性格正好相反：她身材矮小，性格开朗，喜欢交际，善于交际，而且开明，而他身材高大，神秘，害羞，安静，内省，保守。一年后，他们结婚了，伴郎是艺术家盖伊·佩内·杜博伊斯。她说：“有时候和埃迪说话就像是往井里扔石头，只是石头碰到井底时不会砰砰作响。”她把自己的事业服从于埃迪，并分享了他隐居的生活方式。他们的余生都是围绕着他们在城市里空余的步行公寓和他们在科德角南特鲁罗的夏天度过的。她管理着他的职业生涯和面试，是他的主要模特，也是他的终身伴侣。
在尼维森的帮助下，霍珀的六幅格洛斯特水彩画于1923年在布鲁克林博物馆展出。其中一个是《复式屋顶》，博物馆以100美元的价格购买了它的永久收藏品。评论家们普遍对他的作品赞不绝口；其中一位说：“多么有活力、力量和直率！观察一下用最朴素的主题可以做些什么。”霍珀在第二年的一次单人画展上卖掉了他所有的水彩画，最后决定放弃插图。
这位艺术家展示了他将对巴黎建筑的吸引力转移到美国城市和乡村建筑的能力。波士顿美术馆馆长卡罗尔·特罗延说：“霍珀非常喜欢这些房子，它们的塔楼、塔楼、门廊、曼萨德式屋顶和装饰物投射出美妙的阴影。他总是说他最喜欢的事情是在房子的侧面画阳光。”
41岁时，霍珀的工作得到了进一步的认可。他继续对自己的职业生涯怀有怨恨，后来拒绝了露面和获奖。由于稳定的销售保证了他的财务稳定，霍珀将过上简单、稳定的生活，并继续以他的个人风格创作艺术40多年。
他的《两个在过道》以个人纪录的1500美元卖出，这使霍珀得以购买一辆汽车，他用这辆汽车到新英格兰的偏远地区进行实地考察。1929年，他制作了《杂碎》和《铁路日落》。第二年，艺术赞助人斯蒂芬·克拉克（Stephen Clark）将《铁路旁的房子》捐赠给现代艺术博物馆，这是它为收藏而获得的第一幅油画。霍珀在1930年左右用油画绘制了他的最后一幅自画像。
霍珀在大萧条期间的表现比其他许多艺术家都好。1931年，包括惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）和大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art）在内的主要博物馆为他的作品支付了数千美元，他的地位急剧上升。那年他卖出了30幅画，包括13幅水彩画。第二年，他参加了第一届惠特尼年展，并在此后的一生中继续在博物馆的每一届年展上展出。1933年，现代艺术博物馆举办了霍珀的第一次大型回顾展。
1930年，霍珀夫妇在科德角的南特鲁罗租了一间小屋。他们余生每年夏天都会回来，1934年在那里建造了一座避暑别墅。从那里，当霍珀需要寻找新的油漆材料时，他们会开车前往其他地区。1937年和1938年夏天，这对夫妇在佛蒙特州南罗亚尔顿的四轮马车农场度过了漫长的旅程，霍珀在那里沿着怀特河绘制了一系列水彩画。这些场景在霍珀的成熟作品中是非典型的，因为大多数都是“纯粹”的风景，没有建筑或人物。《佛蒙特州白河第一支流》，现位于波士顿美术博物馆，是霍珀佛蒙特州最著名的风景区。
在20世纪30年代和40年代早期，霍珀的作品非常多产，包括《纽约电影》、《少女秀》（Girlie Show，1941）、《夜鹰》、《酒店大堂》和《城市的早晨》等许多重要作品。然而，在20世纪40年代末，他经历了一段相对不活跃的时期。他承认：“我希望我能画得更多。我厌倦了阅读和看电影。”在接下来的二十年里，他的健康状况每况愈下，他做过几次前列腺手术和其他医疗问题。但是，在20世纪50年代和60年代初，他创作了几部更重要的作品，《第一排管弦乐队》；还有1952年的《朝阳》和《铁路旁的旅馆》；和1963年的《间歇》。
死亡
霍珀于1967年5月15日在纽约市华盛顿广场附近的工作室自然死亡。两天后，他被安葬在其出生地纽约尼亚克橡树山公墓的家族墓地中。他的妻子十个月后去世，与他同葬。
他的妻子将他们共同收藏的三千多件作品遗赠给惠特尼美国艺术博物馆。霍珀的其他重要作品由纽约现代艺术博物馆、得梅因艺术中心和芝加哥艺术学院举办。
艺术
个性与视野
霍珀一直不愿谈论自己和他的艺术，他只是简单地说：“整个答案就在画布上。”霍珀是一个坚忍和宿命论者——一个安静内向的人，有着温和的幽默感和坦率的态度。霍珀被一种象征性的、反叙事的象征所吸引，他“描绘了短暂的、孤立的、充满暗示的配置时刻”。他沉默的空间和不安的遭遇“触动了我们最脆弱的地方”，并“暗示着一种忧郁，那种忧郁正在上演”。他的色彩感显示出他是一个纯粹的画家，因为他“把清教徒变成了纯粹主义者，在他安静的画布中，瑕疵和祝福平衡”。根据评论家劳埃德·古德里奇（Lloyd Goodrich）的说法，他是“一位杰出的本土画家，比任何其他画家都更能在他的画布上体现美国的品质”。
在政治和社会事务上保守（霍珀断言“艺术家的生活应该由与他们非常亲近的人来书写”），他接受事物的本来面目，表现出缺乏理想主义。他有修养，老于世故，博览群书，他的许多画作都有人物阅读。他通常是一个很好的伙伴，不会被沉默所打扰，尽管有时会沉默寡言、脾气暴躁或超然。他总是认真对待自己的艺术和他人的艺术，当被问及时，他会坦率地回答。
霍珀在 1953 年提交给《现实》杂志的一份题为“声明”的手写便条中给出了他作为艺术家哲学的最系统的声明：
伟大的艺术是艺术家内心生活的外在表现，而这种内心生活将导致他对世界的个人看法。 再多的巧妙发明也无法取代想象力的基本要素。 许多抽象绘画的弱点之一是试图用人类智力的发明来代替私人的想象概念。
人的内心生活是一个广阔而多变的领域，并不只关心色彩、形式和设计的刺激安排。
艺术中使用的生命一词是不可轻视的，因为它意味着存在的全部，而艺术的职责是对它做出反应而不是回避它。
绘画在重新变得伟大之前，必须更全面、更少地处理生活和自然现象。
虽然霍珀声称他没有在他的绘画中有意识地嵌入心理意义，但他对弗洛伊德和潜意识的力量非常感兴趣。他在1939年写道：“每一种艺术都是潜意识的表达，在我看来，大部分重要的品质都是在无意识中表现出来的，而有意识的智力几乎不重要。”
方法
虽然霍珀最为人所知的是他的油画，但他最初还是因为他的水彩画而获得了认可，他还制作了一些商业上成功的蚀刻画。此外，他的笔记本上还有高质量的钢笔和铅笔素描，这些素描从来都不是供公众观看的。
霍珀特别注意几何设计和人体模型的精心布置，使其与环境保持适当的平衡。他是一个缓慢而有条理的艺术家，正如他所写，“一个想法要花很长时间才能产生。然后我要想很长时间。直到我把它都想清楚了，我才开始画画。到了画架上我就没事了”。他经常做预备性的素描，以便写出他精心计算的作文。他和他的妻子对他们的作品做了详细的分类账，记录了诸如“未点亮的女人悲伤的脸”、“天花板上的电灯”和“大腿冷却器”等项目。
在《纽约电影》中，霍珀用53幅剧院内部的草图和沉思的引座员的形象展示了他充分的准备。
有效利用光和影来创造情绪也是霍珀方法的核心。明亮的阳光（作为洞察或启示的象征）及其投射的阴影，在霍珀的绘画作品中也扮演着强有力的象征性角色，如《星期天清晨》、《夏季》、《早上七点》和《在空房间里晒太阳》。他对光影效果的运用被比作黑色电影（Film noir）的摄影。
虽然霍珀是一位现实主义画家，但他的“软”现实主义简化了形状和细节。他用饱和的颜色来增强对比度，营造气氛。
主题和主题
霍珀的主题来自两个主要来源：一是美国生活的共同特征（加油站、汽车旅馆、餐馆、剧院、铁路和街景）及其居民；第二，海景和乡村景观。关于他的风格，霍珀将自己定义为“多种族的混合体”，而不是任何学派的成员，尤其是“阿什坎学校”。霍珀一旦形成了成熟的风格，尽管在他漫长的职业生涯中出现了无数的艺术趋势，但他的艺术始终保持着一贯性和独立性。
霍珀的海景分为三大类：岩石、海洋和海滩草的纯景观，灯塔和农舍，还有帆船。有时他把这些元素结合起来。这些画大多描绘强光和晴朗的天气；他对雪或雨的场景，或季节性的颜色变化都不感兴趣。1916年至1919年间，他在蒙赫根岛上绘制了大部分纯海景。霍珀的《长腿》（The Long Leg，1935年）是一幅几乎全蓝色的帆船画，元素最简单，而他的《地面膨胀》则更为复杂，描绘了一群年轻人出海航行，这一主题让人想起温斯洛·霍默的标志性《微风吹起》。
城市建筑和城市景观也是霍珀的主要主题。他着迷于美国的城市景观，“我们的本土建筑以其丑陋的美，其奇异的屋顶，伪哥特式，法国曼萨德式，殖民地式，混血儿式等等，以灼热的颜色或褪色的油漆的微妙和谐，沿着逐渐变细为沼泽或垃圾堆的无休止的街道相互推挤。”
1925年，他绘制了《铁路旁的房子》。这部经典作品描绘了一座孤立的维多利亚时期的木结构大厦，部分被一条铁路凸起的堤岸遮住。这标志着霍珀的艺术成熟。劳埃德·古德里奇（Lloyd Goodrich）称赞这部作品是“最辛辣、最凄凉的现实主义作品之一”。这部作品是一系列鲜明的乡村和城市场景中的第一部，这些场景使用锐利的线条和巨大的形状，通过不寻常的灯光捕捉拍摄对象的孤独情绪。尽管评论家和观众解读了这些城市景观中的意义和情绪，霍珀坚持认为“我对建筑和人物上的阳光比对任何象征意义更感兴趣。”似乎为了证明这一点，他晚期的绘画《在空房间里晒太阳》是对阳光的纯粹研究。
霍珀的大部分人物画都关注于人类与环境之间的微妙互动，这些互动是通过单独的人物、情侣或团体进行的。他的主要情感主题是孤独、孤独、遗憾、无聊和顺从。他在各种环境中表达情感，包括办公室、公共场所、公寓、路上或度假。就像他在为一部电影或一部戏剧中的舞台剧创作剧照一样，霍珀将他的角色定位为在一个场景的高潮之前或之后拍摄的角色。
霍珀笔下的孤独人物大多是穿着半裸的女性，经常在窗外或工作场所看书或看东西。在20世纪20年代早期，霍珀绘制了他的第一幅这样的图像：《缝纫女工》、《纽约室内》和《月光室内》。然而，《自动机》和《酒店客房》更能代表他的成熟风格，更明显地强调孤独。
正如霍珀学者盖尔·莱文（Gail Levin）所写的《酒店客房》：
备用的垂直和对角色带和尖锐的电阴影在夜间创造出简洁而强烈的戏剧……将辛辣的主题与如此强大的形式安排结合在一起，霍珀的作品足够纯净，接近近乎抽象的情感，但对观察者来说，却有着诗意的层次。
霍珀在《纽约的房间》和《科德角之夜》是他“夫妇”绘画的主要例子。首先，一对年轻夫妇在看报纸时显得疏远和沉默，而她则在钢琴旁闲逛。观众扮演了一个偷窥者的角色，仿佛用望远镜透过公寓的窗户窥视这对夫妻缺乏亲密关系。在后一幅画中，一对老夫妇彼此无话可说，正在和他们的狗玩耍，狗的注意力从主人身上移开了。霍珀将这对夫妇的主题带到了一个更具雄心的层次，即《哲学之旅》。一位中年男子沮丧地坐在床边。在他旁边躺着一本打开的书和一个半裸的女人。一道光线照亮了他面前的地板。乔·霍珀在他们的日志中写道，“他打开的书是柏拉图，重读太晚了”。
莱文解释这幅画：
柏拉图的哲学家，在寻找现实和真实时，必须远离这个短暂的领域，而去思考永恒的形式和理念。 霍珀画作中沉思的男人位于以女人为代表的尘世领域的诱惑和以空灵的光落为代表的更高精神领域的召唤之间。 在通宵阅读柏拉图之后，思考这个选择及其后果的痛苦是显而易见的。 他被忧郁症患者热切的内心劳动所麻痹。
在另一幅“情侣”画《夜间办公室》中，霍珀创造了一个心理难题。这幅画展示了一个男人专注于他的工作文件，而在他旁边，他迷人的女秘书拉着一个文件。对这幅画的几项研究表明，霍珀是如何对这两个人物的位置进行实验的，也许是为了增强情欲和张力。霍珀向观众展示了这样一种可能性：男人要么对女人的吸引力真的不感兴趣，要么努力忽略她。这幅画另一个有趣的方面是霍珀是如何使用三种光源的，从台灯到窗户，再从上方间接照射。霍珀继续绘制了几张“办公室”作品，但没有其他带有感性的暗流。
霍珀最著名的画作《夜鹰》是他的一幅团体画作。它展示了坐在一家通宵餐厅柜台前的顾客。形状和对角线都经过精心构造。从人行道上看，这是一个电影般的视角，仿佛观众正在接近餐厅。用餐者刺眼的电灯将其与外面的黑夜区分开来，增强了情绪和微妙的情绪。在许多霍珀绘画中，相互作用是最小的。这家餐厅的设计灵感来自格林威治村的一家餐厅。霍珀和他的妻子都为这些人物摆好姿势，乔·霍珀给了这幅画取名。这幅画的灵感可能来自欧内斯特·海明威（Ernest Hemingway）的短篇小说《杀手》（The Killers），霍珀非常欣赏这部小说，也可能来自更具哲理的“一个干净明亮的地方”。这幅画的情绪有时被解释为战争焦虑的表现。霍珀后来说，与他的画的标题一致，夜鹰更多地与夜间捕食者的可能性有关，而不是与孤独有关。
继《夜鹰》之后，他的第二幅最为知名的画作是另一幅城市画作《星期天清晨》，该画作在刺眼的侧灯下展示了一幅空旷的街景，其中有一个消防栓和一根理发杆作为人像的替身。霍珀原本打算把人物放在楼上的窗户里，但为了增加荒凉感，却让它们空着。
霍珀的新英格兰乡村场景，如《加油站》也同样有意义。加油站代表着“一个不同的、同样干净的、光线充足的避难所……为那些需要帮助的人在夜间航行时开放，在他们睡觉之前自己走几英里。”这部作品融合了几个主题：孤独的身影、黄昏的忧郁和孤独的道路。
霍珀《海边房子》接近超现实主义，在那里，一扇敞开的门可以看到大海，没有明显的梯子或台阶，也没有海滩的迹象。
学生时代结束后，霍珀的裸体都是女性。与过去的艺术家们为美化女性形象和突出女性情欲而绘制女性裸体画不同，霍珀的裸体画是心理暴露的孤独女性。一个大胆的例外是《少女秀》，一位红头发的脱衣舞女王自信地跨过舞台，由舞台上的音乐家伴奏。《少女秀》的灵感来自霍珀几天前参观的一场滑稽表演。霍珀的妻子像往常一样为他摆好姿势画画，并在日记中写道：“爱德华开始了一幅新的画布——一个滑稽女皇在脱衣舞，而我在炉子前一丝不挂地摆好姿势，只穿着高跟鞋，摆着彩票舞蹈的姿势。”
霍珀的肖像和自画像在学生时代之后相对较少。霍珀确实为麦克阿瑟家的房子制作了一幅委托制作的“肖像”，《麦克阿瑟家》（The MacArthurs' Home，1939年），在那里他忠实地描述了女演员海伦·海斯家的维多利亚式建筑。她后来报告说，“我想我一生中从来没有遇到过比这更厌世、脾气暴躁的人。”霍珀在整个项目中都发牢骚，再也没有接受过委托。霍珀还画了《奥尔良画像》，这是一幅科德角小镇在其主要街道上的“肖像画”。
尽管霍珀对美国内战和马修·布雷迪（Mathew Brady）的战场照片非常感兴趣，但他只画了两幅历史画。两人都描绘了前往葛底斯堡途中的士兵。在他的主题中，展示动作的绘画也很少见。动作画最好的例子是《马道》，但霍珀为正确解剖马匹所做的努力可能会使他放弃类似的尝试。
霍珀的最后一幅油画《两个喜剧演员》是在他去世前一年完成的，主要讲述了他对戏剧的热爱。两名法国哑剧演员，一男一女，都穿着明亮的白色服装，在昏暗的舞台前鞠躬。乔·霍珀证实，她的丈夫打算用这些形象来暗示他们作为丈夫和妻子一起鞠躬。
霍珀的画作经常被其他人视为具有艺术家可能无意的叙事或主题内容。一幅画的标题可以给它增加很多意义，但是霍珀的画的标题有时是由其他人选择的，或者是霍珀和他的妻子选择的，这样就不清楚它们是否与艺术家的意义有任何真正的联系。例如，霍珀曾经告诉一位采访者，他“喜欢星期天的清晨……但不一定是星期天。这个词后来被其他人加上去了。”
霍珀的画作倾向于阅读主题或叙述性内容，而霍珀并不是有意这样做的，这种倾向甚至延伸到了他的妻子身上。当乔·霍珀在《科德角早晨》里评论这个人物时，“这是一个女人在向外看天气是否适合晾她的衣服，”霍珀反驳道，“我说过吗？ 你做到了诺曼·洛克威尔。在我看来，她只是在看窗外。”1948年《时代》杂志的一篇文章中记录了同样现象的另一个例子：
霍珀的《夏夜》，一对年轻夫妇在农舍门廊的刺眼灯光下交谈，不可避免地充满了浪漫，但一位评论家建议霍珀将其作为《任何女性杂志》的插图，霍珀因此受到了伤害“20 年来，我从没想过把这些人物放进去，直到我去年夏天真正开始。 为什么任何艺术总监都会撕毁这幅画。 这些人物不是我感兴趣的。 那是灯光流下来，四周都是黑夜。”
在美国艺术中的地位
霍珀主要关注安静的时刻，很少表现动作，采用了另一位美国著名现实主义者安德鲁·怀斯采用的现实主义形式，但霍珀的手法与怀斯的超细节风格完全不同。霍珀与一些同时代人合作，与约翰·斯隆和乔治·贝洛斯分享了他的城市情感。约瑟夫·斯特拉和乔治亚·欧姬芙美化了这座城市的纪念性建筑，霍珀将它们简化为日常几何图形，他将这座城市的脉搏描绘为荒凉和危险，而不是“优雅或诱人”。
霍珀崇拜并被拿来比较的伯奇菲尔德在谈到霍珀时说：“他达到了一个完全真实的境界，你可以从他对房屋和纽约生活概念的解读中读懂你所希望的任何人类含义。”他还将霍珀的成功归因于他的成功“大胆的个人主义……在他身上，我们重新获得了托马斯·艾金斯赋予我们的那种坚定的美国独立性，但这种独立性曾一度丧失。”霍珀认为这是一种高度赞扬，因为他认为埃金斯是美国最伟大的画家。
霍珀学者黛博拉·莱昂斯（Deborah Lyons）写道：“我们自己的启示时刻常常在他的作品中得到反映和超越。一旦被看到，霍珀的解释就与我们自己的经验一起存在于我们的意识中。我们永远把某一类型的房子看作是一个漏斗屋，也许是漏斗在我们自己的视野中植入了一个神秘的东西。霍珀的画作突出了我们日常生活中看似平凡和典型的场景，给了他们顿悟的理由。通过这种方式，霍珀的艺术取材于坚韧不拔的美国风景和孤独的加油站，并在其中创造出一种美丽的期待感。
虽然就题材而言，霍珀与同时代的诺曼·洛克威尔相比，但他不喜欢这种比较。霍珀认为自己更微妙，不那么具有说明性，当然也不伤感。霍珀还拒绝与格兰特·伍德和托马斯·哈特·本顿进行比较，称“我认为美国的风景画家讽刺了美国，我一直想做我自己。”
影响
霍珀对艺术界和流行文化的影响是不可否认的。尽管他没有正式的学生，但许多艺术家都认为他有影响力，包括Willem de Kooning、Jim Dine和马克·罗斯科。霍珀影响的一个例子是罗斯科的早期作品《构图I》（约1931年），它是霍珀的《杂碎》的直接转述。
霍珀的电影构图和对明暗的戏剧性运用使他成为电影制片人的最爱。例如，据报道，《铁路旁的房子》对阿尔弗雷德·希区柯克（Alfred Hitchcock）电影《心理变态》（Psycho）中的标志性房子产生了重大影响。在特伦斯·马利克（Terrence Malick）的电影《天堂的日子》（Days of Heaven）中，同一幅画也被认为是对家的影响。1981年的电影《从天堂来的便士》（Pennies from Heaven）包括《夜鹰》的画面，主角在用餐者的位置。德国导演维姆·温德斯（ Wim Wenders）也提到了霍珀的影响。他1997年的电影《暴力的终结》（The End of Violence ）中还融入了由演员们重新创作的《夜鹰》的画面。著名的超现实主义恐怖电影导演达里奥·阿金托甚至在1976年的电影《深红》（ Deep Red）中再现了《夜鹰》中的食客和顾客。雷德利·斯科特（Ridley Scott）曾引用同一幅画作为《银翼杀手》（Blade Runner）的视觉灵感。为了确定2002年电影《毁灭之路》（Road to Perdition）中的场景照明，导演萨姆·门德斯从霍珀的画作中汲取灵感，特别是纽约电影。
向以卡通人物或著名流行文化偶像（如詹姆斯·迪恩和玛丽莲·梦露）为特征的夜鹰致敬的活动经常在海报商店和礼品店中找到。有线电视频道的特纳经典电影频道（Turner Classic Movies）有时会在播放其电影之前播放基于霍珀绘画的动画剪辑。音乐的影响包括歌手及作曲人汤姆·韦特1975年在画作结束后发行的名为《夜鹰在餐厅》（ Nighthawks at the Diner）的录音室直播专辑。1993年，麦当娜受到霍珀1941年画作《少女秀》的充分启发，她以该画作命名了她的世界巡演，并将该画作中的许多戏剧元素和情绪融入了该画作中。2004年，英国吉他手约翰·斯奎尔（ John Squire，原名石玫瑰）根据霍珀的作品发行了一张名为《马歇尔之家》（Marshall's House）的概念专辑。专辑中的每首歌都是以霍珀的一幅画为灵感创作的，并与之同名。加拿大摇滚乐队弱者（The Weakerthans）于2007年发行了他们的专辑《重逢之旅》（ Reunion Tour），其中两首歌曲的灵感来源于霍珀的画作《在空房间里晒太阳》和《夜窗》，并以霍珀的画作命名。此外，他们还在《医院晚祷》（Hospital Vespers）等歌曲中提到了他。霍珀的作品影响了英国乐队《黑暗中的管弦乐团》（Orchestral Manoeuvres in the Dark）的多张唱片；《星期天清晨》是《粉碎的袖子》（sleeve of Crush，1985）的灵感来源；同一乐队2013年的单曲《夜咖啡馆》（Night Café）受到《夜鹰》的影响，并提到了霍珀的名字。歌词中引用了他的七幅画。
在诗歌中，许多诗歌都受到霍珀绘画的启发，通常是生动的描述和戏剧化；这种体裁被称为ekphrasis。除了受霍珀启发的众多个人诗歌外，还有几位诗人根据霍珀的绘画创作了诗集。法国诗人克劳德·埃斯特班（Claude Esteban）根据1921年至1963年间47幅霍珀绘画创作了一本散文诗集《太阳在一间空房间》（Soleil dans une pièce vide，1991），以《太阳在一间空房间》（1963）结尾，因此得名。每首诗都戏剧性地描绘了一幅霍珀绘画，想象了一个幕后故事，该书于1991年获得法国文化大奖。其中的八首诗——《大地涌浪》、《缝纫机旁的女孩》、《293号车厢C室》、《夜鹰》、《南卡罗来纳州的早晨》、《铁路旁的房子》、《阳光下的人》和《华盛顿广场的屋顶》——随后由作曲家格雷西恩·芬齐配乐，歌手娜塔莉·德赛在她的专辑《美国肖像》中以朗诵方式录制（2016年），他们还从美国歌曲集中挑选了10幅霍珀画作和歌曲作为补充。同样，西班牙诗人欧内斯特·法雷斯（Ernest Farrés）以加泰罗尼亚语创作了51首诗歌集，名为《爱德华·霍珀》（Edward Hopper，2006年，劳伦斯·维努蒂2010年英译）詹姆斯·霍格加德（James Hoggard）撰写了《光的三角：爱德华·霍珀的诗》（Triangles of Light: The Edward Hopper Poems ，2009年）。
展览
1980，《爱德华·霍珀：艺术与艺术家》（Edward Hopper: The Art and the Artist ）在惠特尼美国艺术博物馆开幕，参观了伦敦、杜塞尔多夫、阿姆斯特丹、旧金山和芝加哥。这是首次展示霍普尔油画和这些作品的准备研究。这是霍珀在欧洲广受欢迎和享誉全球的开始。
2004年，霍珀的大量画作在欧洲巡回展出，参观了德国科隆路德维希博物馆和伦敦泰特现代美术馆。泰特美术馆的展览成为该美术馆历史上第二大最受欢迎的展览，在开幕的三个月内吸引了42万名参观者。
2007年，在波士顿美术博物馆举办了一个展览，重点介绍了霍珀从1925年到本世纪中叶的最伟大成就。展览包括50幅油画、30幅水彩和12幅版画，其中包括最受欢迎的《夜鹰》、《杂碎》、《灯塔和建筑物》。该展览是由由波士顿美术馆、华盛顿国家美术馆和芝加哥艺术学院主办，全球管理咨询公司博思艾伦汉密尔顿（Booz Allen Hamilton）赞助。
2010年，瑞士洛桑的爱尔米塔奇基金会博物馆举办了一场展览，涵盖了霍珀的整个职业生涯，展出的作品大部分来自纽约市的惠特尼博物馆。展览包括绘画、水彩、蚀刻、卡通、海报，以及一些精选绘画的前期研究。该展览的内容包括：2011年，惠特尼美国艺术博物馆举办了一个名为“爱德华·霍珀和他的时代”（Edward Hopper and His Times）的展览。
2012年，一场展览在巴黎大皇宫开幕，旨在揭示霍珀作品的复杂性，这表明霍珀作品的丰富性。展览按时间顺序分为两个主要部分：第一部分介绍霍珀的形成年代（1900-1924年）第二部分考察了他成熟时期的艺术，从第一幅象征他个人风格的绘画，如《铁路旁的房子》到最后一幅作品。
2020年，贝耶勒基金会（Fondation Beyeler）举办了一个展示霍珀艺术的展览。该展览重点展示了霍珀“对无限广阔的美国风景和城市景观的标志性表现”。这一点在展览中很少提及，但它是理解霍珀作品的一个关键因素。
艺术市场
霍珀的作品很少出现在市场上。这位艺术家作品不多，只画了366幅油画。在20世纪50年代，当他70多岁时，他每年创作大约5幅油画。霍珀的长期经销商弗兰克·雷恩（Frank Rehn）于1924年为他举办了第一次个人展，他以7000美元的价格将《酒店窗口》卖给了收藏家奥尔加·克诺佩克（Olga Knoepke，2020年相当于64501美元）1957年。1999年，福布斯收藏以约1000万美元的价格私下卖给演员史蒂夫·马丁（ Steve Martin）。2006年，马丁在苏富比纽约拍卖行以2689万美元的价格售出，创下了这位艺术家的拍卖记录。
2013年，宾夕法尼亚州美术学院（Pennsylvania Academy of Fine Arts）将霍珀（Hopper）的《威霍肯上空的东风》拍卖，希望获得这幅画价值2200万至2800万美元的资金，以便建立一个基金，收购价值增值的“当代艺术”。这是一幅用黑色泥土色调渲染的街景，描绘了新泽西州威霍肯49街拐角处东大道1001号的房屋，被认为是霍珀的最佳作品之一。它是在1952年画家去世前15年，以非常低的价格直接从处理画家绘画的经销商处购买的。这幅画在纽约克里斯蒂拍卖行以创纪录的3600万美元卖给了一位匿名电话竞拍者。
2018年，在艺术收藏家巴尼·A·埃布斯沃思去世并随后拍卖了他的许多收藏品后，《杂碎》以9200万美元的价格售出，成为霍珀拍卖会上购买的最昂贵的作品。
生卒日期： 1882年7月22日 - 1967年5月15日
国籍：美国
爱德华·霍普的全部作品（371）
爱德华·霍珀（Edward Hopper）是美国现实主义画家和版画家。虽然他的油画广为人知，但他同样精通水彩画家和版画。他的职业生涯决定性地受益于他与艺术家同行约瑟芬·尼维森 (Josephine Nivison) 的婚姻，后者对他的工作做出了很大贡献，无论是作为生活模特还是创意合作伙伴。霍珀是一位小调艺术家，用“带有诗意的层次”的普通主题创作出柔和的戏剧，引人入胜的叙事解释，往往是无意的。在他所描绘的美国，他因“完全真实”而受到称赞。
霍珀于 1882 年出生在纽约市的尼亚克，这是纽约市北部哈德逊河上的一个游艇制造中心。他是一个小康家庭的两个孩子之一。他的父母主要是荷兰血统，是伊丽莎白·格里菲思·史密斯（Elizabeth Griffiths Smith）和干货商人加勒特·亨利·霍珀（Garret Henry Hopper）。虽然不如他的祖先那么成功，但加勒特从他妻子的遗产中获得了相当大的帮助，为他的两个孩子提供了很好的帮助。他四十九岁退休。爱德华和他唯一的妹妹玛丽恩同时就读于私立和公立学校。他们在严格的浸信会家庭中长大。他的父亲性格温和，家庭由女性主导：霍珀的母亲、祖母、姐姐和女仆。
他的出生地和童年故居于 2000 年被列入国家史迹名录。现在作为爱德华霍珀之家艺术中心运营。它是一个非营利性社区文化中心，以展览、研讨会、讲座、表演和特别活动为特色。
霍珀在小学时是个好学生，五岁时就表现出绘画天赋。他欣然吸收了父亲的智力倾向以及对法国和俄罗斯文化的热爱。他还展示了他母亲的艺术遗产。霍珀的父母鼓励他的艺术，并为他提供充足的材料、教学杂志和插图书籍。霍珀在 10 岁的时候就开始在他的画作上签名和日期。这些图纸中最早的包括几何形状的木炭草图，包括花瓶、碗、杯子和盒子。在他的早期作品中已经可以找到在他整个职业生涯中进行的对光影的详细检查。十几岁时，他开始使用钢笔、木炭、水彩和油画——从大自然中汲取灵感并制作政治漫画。 1895 年，他创作了他的第一幅签名油画《洛基湾的划艇》，这是他从业余艺术家的流行杂志《艺术交流》（The Art Interchange）上复制的复制品。霍珀的其他最早的油画，如 《尼亚克的旧冰池》（Old ice pond at Nyack ）和他 1898 年的画作《船》（Ships），已被确认为布鲁斯·克雷恩 和爱德华·莫兰等艺术家的画作复制品。
在他早期的自画像中，霍珀倾向于将自己描绘成瘦弱、不雅和朴实。虽然他是一个高大而安静的少年，但他恶作剧的幽默感在他的艺术中找到了出口，有时是在描绘移民或在喜剧情况下女性统治男性。在后来的生活中，他主要将女性描绘成他画中的人物。高中时，他梦想成为一名造船工程师，但毕业后他宣布打算从事艺术事业。霍珀的父母坚持让他学习商业艺术以获得可靠的收入来源。在发展他的自我形象和个人主义生活哲学的过程中，霍珀受到了拉尔夫·沃尔多·爱默生（Ralph Waldo Emerson）著作的影响。他后来说：“我非常钦佩他……我一遍又一遍地读他。”
霍珀于 1899 年通过函授课程开始艺术研究。很快，他转学到纽约艺术与设计学院（New York School of Art and Design），即帕森斯新设计学院（Parsons The New School for Design）的前身。他在那里学习了六年，师从包括威廉·梅里特·切斯在内的老师，后者指导他学习油画。早期，霍珀模仿蔡斯和法国印象派大师爱德华·马奈和埃德加·德加的风格。事实证明，从真人模特身上画草图对保守的霍珀来说既是挑战又是震惊。
他的另一位老师，艺术家罗伯特·亨利教授生活课。亨利鼓励他的学生用他们的艺术“在世界上引起轰动”。他还建议他的学生，“重要的不是学科，而是你对它的感受”和“忘记艺术，画出你在生活中感兴趣的东西。”亨利以这种方式影响了霍珀，以及未来的艺术家乔治·贝洛斯和Rockwell Kent。他鼓励他们在工作中注入现代精神。亨利圈子里的一些艺术家，包括约翰·斯隆，成为了“八”的成员，也被称为美国阿什坎艺术学院。霍珀现存的第一幅暗示他将室内作为主题的油画是《剧院中的孤独人物》（Solitary Figure in a Theater，约1904年）。在学生时代，他还画了几十幅裸体画、静物画、风景画和肖像画，包括他的自画像。
1905年，霍珀在一家广告公司找到了一份兼职工作，为商业杂志设计封面。霍珀讨厌这插图，直到20世纪20年代中期，由于经济上的需要，他一直受此约束。他暂时逃过了三次欧洲之行，每次都以巴黎为中心，表面上是为了研究那里的艺术场景。然而，事实上，他是一个人学习的，似乎大部分时间都不受艺术新潮流的影响。后来他说他“根本不记得听说过毕加索”。伦勃朗给他留下了深刻的印象，尤其是他的《夜巡》，他说这是“我所见过的最美妙的东西，这是他过去对现实的信仰。”
霍珀开始用深色调色板描绘城市和建筑场景。然后，他转向印象派画家的浅色调色板，然后又回到他喜欢的深色调色板。霍珀后来说：“我克服了这一点，后来在巴黎做的事情更多的是我现在做的事情。”霍珀花了很多时间画街道和咖啡馆的场景，去剧院和歌剧院。与许多模仿抽象立体派实验的同时代人不同，霍珀被现实主义艺术所吸引。后来，他承认，除了法国雕刻家查尔斯·梅里恩（Charles Meryon）以外，他没有受到任何欧洲的影响，霍珀模仿了他在巴黎喜怒无常的场景。
多年的奋斗
上次欧洲之行结束后，霍珀在纽约市租了一个工作室，在那里他努力定义自己的风格。他很不情愿地回到插图中来养活自己。作为一名自由职业者，霍珀被迫招揽项目，不得不敲开杂志社和机构办公室的门寻找生意。他的画作萎靡不振：“我很难决定我想画什么。我有时几个月都找不到它。它来得很慢。”他的插图画家同事Walter Tittle更尖锐地描述了霍珀沮丧的情绪状态，看到了他的朋友“忍受着……长期无法克服的惰性，在画架前一次坐上好几天，感到无助和不快，无法举起手来打破魔咒。”
1912年（2月22日至3月5日），在罗伯特·亨利的倡议下，他参加了由一群艺术家组成的独立派展览，但没有进行任何销售。
1912年，霍珀前往马萨诸塞州的格洛斯特寻求灵感，创作了他在美国的第一幅户外画作。他画了《壁灯》，这是众多灯塔画作中的第一幅。
1913年，在军械库展览上，霍珀卖掉了他的第一幅画《航海》（Sailing，1911年），赚了250美元。霍珀今年31岁，虽然他希望自己的第一次销售能在短时间内带动其他人，但他的职业生涯不会持续很多年。他继续在较小的场所参加团体展览，如纽约的麦克道威尔俱乐部同年父亲去世后不久，霍珀搬到曼哈顿格林威治村的华盛顿广场北3号公寓，在那里他将度过余生。
第二年，他受命制作一些电影海报，并为一家电影公司进行宣传。虽然他不喜欢插图作品，但霍珀一生都致力于电影和戏剧，他将这两种作品作为绘画的主题。每种形式都影响着他的创作方法。
1915年，霍珀在油画上陷入僵局，转而从事蚀刻。到1923年，他已经用这种媒介创作了大约70部作品中的大部分，其中包括巴黎和纽约的许多城市场景。他还为战争制作了一些海报，并继续进行偶尔的商业项目。如果可能的话，霍珀会在访问新英格兰时画一些户外油画，特别是在缅因州奥甘奎特（Ogunquit, Maine）和蒙赫根岛（ Monhegan Island）的艺术殖民地。
20世纪20年代初，他的蚀刻作品开始获得公众认可。他们表达了他后来的一些主题，如《El火车上的夜晚》（Night on the El Train，沉默中的情侣）、《晚风》和《猫船》（The Catboat，简单的航海场景）。当时两幅著名的油画是《纽约室内》和《纽约西餐厅》。他还画了两幅即将问世的“橱窗”画作：《缝纫女工》和《月光室内》，这两幅画都展示了一个人物（穿着衣服或裸体）靠近一个公寓的窗户。
尽管这些年令人沮丧，霍珀还是获得了一些认可。1918年，霍珀因其战争海报《粉碎德国佬》而获得美国航运局奖。他参加了三次展览：1917年与独立艺术家协会合作，1920年1月（惠特尼工作室俱乐部的单人展览，这是惠特尼博物馆的前身），1922年（再次与惠特尼工作室俱乐部合作）。1923年，霍珀因其蚀刻作品获得了两项大奖：芝加哥蚀刻师协会颁发的洛根奖（ Logan Prize）和W.A.布莱恩（W. A. Bryan Prize）奖。
婚姻与突破
到1923年，霍珀缓慢的攀登终于取得了突破。在马萨诸塞州格洛斯特的一次夏季绘画之旅中，他再次遇到了约瑟芬·尼维森（Josephine Nivison），他是一位艺术家，也是罗伯特·亨利的前学生。他们的性格正好相反：她身材矮小，性格开朗，喜欢交际，善于交际，而且开明，而他身材高大，神秘，害羞，安静，内省，保守。一年后，他们结婚了，伴郎是艺术家盖伊·佩内·杜博伊斯。她说：“有时候和埃迪说话就像是往井里扔石头，只是石头碰到井底时不会砰砰作响。”她把自己的事业服从于埃迪，并分享了他隐居的生活方式。他们的余生都是围绕着他们在城市里空余的步行公寓和他们在科德角南特鲁罗的夏天度过的。她管理着他的职业生涯和面试，是他的主要模特，也是他的终身伴侣。
在尼维森的帮助下，霍珀的六幅格洛斯特水彩画于1923年在布鲁克林博物馆展出。其中一个是《复式屋顶》，博物馆以100美元的价格购买了它的永久收藏品。评论家们普遍对他的作品赞不绝口；其中一位说：“多么有活力、力量和直率！观察一下用最朴素的主题可以做些什么。”霍珀在第二年的一次单人画展上卖掉了他所有的水彩画，最后决定放弃插图。
这位艺术家展示了他将对巴黎建筑的吸引力转移到美国城市和乡村建筑的能力。波士顿美术馆馆长卡罗尔·特罗延说：“霍珀非常喜欢这些房子，它们的塔楼、塔楼、门廊、曼萨德式屋顶和装饰物投射出美妙的阴影。他总是说他最喜欢的事情是在房子的侧面画阳光。”
41岁时，霍珀的工作得到了进一步的认可。他继续对自己的职业生涯怀有怨恨，后来拒绝了露面和获奖。由于稳定的销售保证了他的财务稳定，霍珀将过上简单、稳定的生活，并继续以他的个人风格创作艺术40多年。
他的《两个在过道》以个人纪录的1500美元卖出，这使霍珀得以购买一辆汽车，他用这辆汽车到新英格兰的偏远地区进行实地考察。1929年，他制作了《杂碎》和《铁路日落》。第二年，艺术赞助人斯蒂芬·克拉克（Stephen Clark）将《铁路旁的房子》捐赠给现代艺术博物馆，这是它为收藏而获得的第一幅油画。霍珀在1930年左右用油画绘制了他的最后一幅自画像。
霍珀在大萧条期间的表现比其他许多艺术家都好。1931年，包括惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）和大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art）在内的主要博物馆为他的作品支付了数千美元，他的地位急剧上升。那年他卖出了30幅画，包括13幅水彩画。第二年，他参加了第一届惠特尼年展，并在此后的一生中继续在博物馆的每一届年展上展出。1933年，现代艺术博物馆举办了霍珀的第一次大型回顾展。
1930年，霍珀夫妇在科德角的南特鲁罗租了一间小屋。他们余生每年夏天都会回来，1934年在那里建造了一座避暑别墅。从那里，当霍珀需要寻找新的油漆材料时，他们会开车前往其他地区。1937年和1938年夏天，这对夫妇在佛蒙特州南罗亚尔顿的四轮马车农场度过了漫长的旅程，霍珀在那里沿着怀特河绘制了一系列水彩画。这些场景在霍珀的成熟作品中是非典型的，因为大多数都是“纯粹”的风景，没有建筑或人物。《佛蒙特州白河第一支流》，现位于波士顿美术博物馆，是霍珀佛蒙特州最著名的风景区。
在20世纪30年代和40年代早期，霍珀的作品非常多产，包括《纽约电影》、《少女秀》（Girlie Show，1941）、《夜鹰》、《酒店大堂》和《城市的早晨》等许多重要作品。然而，在20世纪40年代末，他经历了一段相对不活跃的时期。他承认：“我希望我能画得更多。我厌倦了阅读和看电影。”在接下来的二十年里，他的健康状况每况愈下，他做过几次前列腺手术和其他医疗问题。但是，在20世纪50年代和60年代初，他创作了几部更重要的作品，《第一排管弦乐队》；还有1952年的《朝阳》和《铁路旁的旅馆》；和1963年的《间歇》。
死亡
霍珀于1967年5月15日在纽约市华盛顿广场附近的工作室自然死亡。两天后，他被安葬在其出生地纽约尼亚克橡树山公墓的家族墓地中。他的妻子十个月后去世，与他同葬。
他的妻子将他们共同收藏的三千多件作品遗赠给惠特尼美国艺术博物馆。霍珀的其他重要作品由纽约现代艺术博物馆、得梅因艺术中心和芝加哥艺术学院举办。
艺术
个性与视野
霍珀一直不愿谈论自己和他的艺术，他只是简单地说：“整个答案就在画布上。”霍珀是一个坚忍和宿命论者——一个安静内向的人，有着温和的幽默感和坦率的态度。霍珀被一种象征性的、反叙事的象征所吸引，他“描绘了短暂的、孤立的、充满暗示的配置时刻”。他沉默的空间和不安的遭遇“触动了我们最脆弱的地方”，并“暗示着一种忧郁，那种忧郁正在上演”。他的色彩感显示出他是一个纯粹的画家，因为他“把清教徒变成了纯粹主义者，在他安静的画布中，瑕疵和祝福平衡”。根据评论家劳埃德·古德里奇（Lloyd Goodrich）的说法，他是“一位杰出的本土画家，比任何其他画家都更能在他的画布上体现美国的品质”。
在政治和社会事务上保守（霍珀断言“艺术家的生活应该由与他们非常亲近的人来书写”），他接受事物的本来面目，表现出缺乏理想主义。他有修养，老于世故，博览群书，他的许多画作都有人物阅读。他通常是一个很好的伙伴，不会被沉默所打扰，尽管有时会沉默寡言、脾气暴躁或超然。他总是认真对待自己的艺术和他人的艺术，当被问及时，他会坦率地回答。
霍珀在 1953 年提交给《现实》杂志的一份题为“声明”的手写便条中给出了他作为艺术家哲学的最系统的声明：
伟大的艺术是艺术家内心生活的外在表现，而这种内心生活将导致他对世界的个人看法。 再多的巧妙发明也无法取代想象力的基本要素。 许多抽象绘画的弱点之一是试图用人类智力的发明来代替私人的想象概念。
人的内心生活是一个广阔而多变的领域，并不只关心色彩、形式和设计的刺激安排。
艺术中使用的生命一词是不可轻视的，因为它意味着存在的全部，而艺术的职责是对它做出反应而不是回避它。
绘画在重新变得伟大之前，必须更全面、更少地处理生活和自然现象。
虽然霍珀声称他没有在他的绘画中有意识地嵌入心理意义，但他对弗洛伊德和潜意识的力量非常感兴趣。他在1939年写道：“每一种艺术都是潜意识的表达，在我看来，大部分重要的品质都是在无意识中表现出来的，而有意识的智力几乎不重要。”
方法
虽然霍珀最为人所知的是他的油画，但他最初还是因为他的水彩画而获得了认可，他还制作了一些商业上成功的蚀刻画。此外，他的笔记本上还有高质量的钢笔和铅笔素描，这些素描从来都不是供公众观看的。
霍珀特别注意几何设计和人体模型的精心布置，使其与环境保持适当的平衡。他是一个缓慢而有条理的艺术家，正如他所写，“一个想法要花很长时间才能产生。然后我要想很长时间。直到我把它都想清楚了，我才开始画画。到了画架上我就没事了”。他经常做预备性的素描，以便写出他精心计算的作文。他和他的妻子对他们的作品做了详细的分类账，记录了诸如“未点亮的女人悲伤的脸”、“天花板上的电灯”和“大腿冷却器”等项目。
在《纽约电影》中，霍珀用53幅剧院内部的草图和沉思的引座员的形象展示了他充分的准备。
有效利用光和影来创造情绪也是霍珀方法的核心。明亮的阳光（作为洞察或启示的象征）及其投射的阴影，在霍珀的绘画作品中也扮演着强有力的象征性角色，如《星期天清晨》、《夏季》、《早上七点》和《在空房间里晒太阳》。他对光影效果的运用被比作黑色电影（Film noir）的摄影。
虽然霍珀是一位现实主义画家，但他的“软”现实主义简化了形状和细节。他用饱和的颜色来增强对比度，营造气氛。
主题和主题
霍珀的主题来自两个主要来源：一是美国生活的共同特征（加油站、汽车旅馆、餐馆、剧院、铁路和街景）及其居民；第二，海景和乡村景观。关于他的风格，霍珀将自己定义为“多种族的混合体”，而不是任何学派的成员，尤其是“阿什坎学校”。霍珀一旦形成了成熟的风格，尽管在他漫长的职业生涯中出现了无数的艺术趋势，但他的艺术始终保持着一贯性和独立性。
霍珀的海景分为三大类：岩石、海洋和海滩草的纯景观，灯塔和农舍，还有帆船。有时他把这些元素结合起来。这些画大多描绘强光和晴朗的天气；他对雪或雨的场景，或季节性的颜色变化都不感兴趣。1916年至1919年间，他在蒙赫根岛上绘制了大部分纯海景。霍珀的《长腿》（The Long Leg，1935年）是一幅几乎全蓝色的帆船画，元素最简单，而他的《地面膨胀》则更为复杂，描绘了一群年轻人出海航行，这一主题让人想起温斯洛·霍默的标志性《微风吹起》。
城市建筑和城市景观也是霍珀的主要主题。他着迷于美国的城市景观，“我们的本土建筑以其丑陋的美，其奇异的屋顶，伪哥特式，法国曼萨德式，殖民地式，混血儿式等等，以灼热的颜色或褪色的油漆的微妙和谐，沿着逐渐变细为沼泽或垃圾堆的无休止的街道相互推挤。”
1925年，他绘制了《铁路旁的房子》。这部经典作品描绘了一座孤立的维多利亚时期的木结构大厦，部分被一条铁路凸起的堤岸遮住。这标志着霍珀的艺术成熟。劳埃德·古德里奇（Lloyd Goodrich）称赞这部作品是“最辛辣、最凄凉的现实主义作品之一”。这部作品是一系列鲜明的乡村和城市场景中的第一部，这些场景使用锐利的线条和巨大的形状，通过不寻常的灯光捕捉拍摄对象的孤独情绪。尽管评论家和观众解读了这些城市景观中的意义和情绪，霍珀坚持认为“我对建筑和人物上的阳光比对任何象征意义更感兴趣。”似乎为了证明这一点，他晚期的绘画《在空房间里晒太阳》是对阳光的纯粹研究。
霍珀的大部分人物画都关注于人类与环境之间的微妙互动，这些互动是通过单独的人物、情侣或团体进行的。他的主要情感主题是孤独、孤独、遗憾、无聊和顺从。他在各种环境中表达情感，包括办公室、公共场所、公寓、路上或度假。就像他在为一部电影或一部戏剧中的舞台剧创作剧照一样，霍珀将他的角色定位为在一个场景的高潮之前或之后拍摄的角色。
霍珀笔下的孤独人物大多是穿着半裸的女性，经常在窗外或工作场所看书或看东西。在20世纪20年代早期，霍珀绘制了他的第一幅这样的图像：《缝纫女工》、《纽约室内》和《月光室内》。然而，《自动机》和《酒店客房》更能代表他的成熟风格，更明显地强调孤独。
正如霍珀学者盖尔·莱文（Gail Levin）所写的《酒店客房》：
备用的垂直和对角色带和尖锐的电阴影在夜间创造出简洁而强烈的戏剧……将辛辣的主题与如此强大的形式安排结合在一起，霍珀的作品足够纯净，接近近乎抽象的情感，但对观察者来说，却有着诗意的层次。
霍珀在《纽约的房间》和《科德角之夜》是他“夫妇”绘画的主要例子。首先，一对年轻夫妇在看报纸时显得疏远和沉默，而她则在钢琴旁闲逛。观众扮演了一个偷窥者的角色，仿佛用望远镜透过公寓的窗户窥视这对夫妻缺乏亲密关系。在后一幅画中，一对老夫妇彼此无话可说，正在和他们的狗玩耍，狗的注意力从主人身上移开了。霍珀将这对夫妇的主题带到了一个更具雄心的层次，即《哲学之旅》。一位中年男子沮丧地坐在床边。在他旁边躺着一本打开的书和一个半裸的女人。一道光线照亮了他面前的地板。乔·霍珀在他们的日志中写道，“他打开的书是柏拉图，重读太晚了”。
莱文解释这幅画：
柏拉图的哲学家，在寻找现实和真实时，必须远离这个短暂的领域，而去思考永恒的形式和理念。 霍珀画作中沉思的男人位于以女人为代表的尘世领域的诱惑和以空灵的光落为代表的更高精神领域的召唤之间。 在通宵阅读柏拉图之后，思考这个选择及其后果的痛苦是显而易见的。 他被忧郁症患者热切的内心劳动所麻痹。
在另一幅“情侣”画《夜间办公室》中，霍珀创造了一个心理难题。这幅画展示了一个男人专注于他的工作文件，而在他旁边，他迷人的女秘书拉着一个文件。对这幅画的几项研究表明，霍珀是如何对这两个人物的位置进行实验的，也许是为了增强情欲和张力。霍珀向观众展示了这样一种可能性：男人要么对女人的吸引力真的不感兴趣，要么努力忽略她。这幅画另一个有趣的方面是霍珀是如何使用三种光源的，从台灯到窗户，再从上方间接照射。霍珀继续绘制了几张“办公室”作品，但没有其他带有感性的暗流。
霍珀最著名的画作《夜鹰》是他的一幅团体画作。它展示了坐在一家通宵餐厅柜台前的顾客。形状和对角线都经过精心构造。从人行道上看，这是一个电影般的视角，仿佛观众正在接近餐厅。用餐者刺眼的电灯将其与外面的黑夜区分开来，增强了情绪和微妙的情绪。在许多霍珀绘画中，相互作用是最小的。这家餐厅的设计灵感来自格林威治村的一家餐厅。霍珀和他的妻子都为这些人物摆好姿势，乔·霍珀给了这幅画取名。这幅画的灵感可能来自欧内斯特·海明威（Ernest Hemingway）的短篇小说《杀手》（The Killers），霍珀非常欣赏这部小说，也可能来自更具哲理的“一个干净明亮的地方”。这幅画的情绪有时被解释为战争焦虑的表现。霍珀后来说，与他的画的标题一致，夜鹰更多地与夜间捕食者的可能性有关，而不是与孤独有关。
继《夜鹰》之后，他的第二幅最为知名的画作是另一幅城市画作《星期天清晨》，该画作在刺眼的侧灯下展示了一幅空旷的街景，其中有一个消防栓和一根理发杆作为人像的替身。霍珀原本打算把人物放在楼上的窗户里，但为了增加荒凉感，却让它们空着。
霍珀的新英格兰乡村场景，如《加油站》也同样有意义。加油站代表着“一个不同的、同样干净的、光线充足的避难所……为那些需要帮助的人在夜间航行时开放，在他们睡觉之前自己走几英里。”这部作品融合了几个主题：孤独的身影、黄昏的忧郁和孤独的道路。
霍珀《海边房子》接近超现实主义，在那里，一扇敞开的门可以看到大海，没有明显的梯子或台阶，也没有海滩的迹象。
学生时代结束后，霍珀的裸体都是女性。与过去的艺术家们为美化女性形象和突出女性情欲而绘制女性裸体画不同，霍珀的裸体画是心理暴露的孤独女性。一个大胆的例外是《少女秀》，一位红头发的脱衣舞女王自信地跨过舞台，由舞台上的音乐家伴奏。《少女秀》的灵感来自霍珀几天前参观的一场滑稽表演。霍珀的妻子像往常一样为他摆好姿势画画，并在日记中写道：“爱德华开始了一幅新的画布——一个滑稽女皇在脱衣舞，而我在炉子前一丝不挂地摆好姿势，只穿着高跟鞋，摆着彩票舞蹈的姿势。”
霍珀的肖像和自画像在学生时代之后相对较少。霍珀确实为麦克阿瑟家的房子制作了一幅委托制作的“肖像”，《麦克阿瑟家》（The MacArthurs' Home，1939年），在那里他忠实地描述了女演员海伦·海斯家的维多利亚式建筑。她后来报告说，“我想我一生中从来没有遇到过比这更厌世、脾气暴躁的人。”霍珀在整个项目中都发牢骚，再也没有接受过委托。霍珀还画了《奥尔良画像》，这是一幅科德角小镇在其主要街道上的“肖像画”。
尽管霍珀对美国内战和马修·布雷迪（Mathew Brady）的战场照片非常感兴趣，但他只画了两幅历史画。两人都描绘了前往葛底斯堡途中的士兵。在他的主题中，展示动作的绘画也很少见。动作画最好的例子是《马道》，但霍珀为正确解剖马匹所做的努力可能会使他放弃类似的尝试。
霍珀的最后一幅油画《两个喜剧演员》是在他去世前一年完成的，主要讲述了他对戏剧的热爱。两名法国哑剧演员，一男一女，都穿着明亮的白色服装，在昏暗的舞台前鞠躬。乔·霍珀证实，她的丈夫打算用这些形象来暗示他们作为丈夫和妻子一起鞠躬。
霍珀的画作经常被其他人视为具有艺术家可能无意的叙事或主题内容。一幅画的标题可以给它增加很多意义，但是霍珀的画的标题有时是由其他人选择的，或者是霍珀和他的妻子选择的，这样就不清楚它们是否与艺术家的意义有任何真正的联系。例如，霍珀曾经告诉一位采访者，他“喜欢星期天的清晨……但不一定是星期天。这个词后来被其他人加上去了。”
霍珀的画作倾向于阅读主题或叙述性内容，而霍珀并不是有意这样做的，这种倾向甚至延伸到了他的妻子身上。当乔·霍珀在《科德角早晨》里评论这个人物时，“这是一个女人在向外看天气是否适合晾她的衣服，”霍珀反驳道，“我说过吗？ 你做到了诺曼·洛克威尔。在我看来，她只是在看窗外。”1948年《时代》杂志的一篇文章中记录了同样现象的另一个例子：
霍珀的《夏夜》，一对年轻夫妇在农舍门廊的刺眼灯光下交谈，不可避免地充满了浪漫，但一位评论家建议霍珀将其作为《任何女性杂志》的插图，霍珀因此受到了伤害“20 年来，我从没想过把这些人物放进去，直到我去年夏天真正开始。 为什么任何艺术总监都会撕毁这幅画。 这些人物不是我感兴趣的。 那是灯光流下来，四周都是黑夜。”
在美国艺术中的地位
霍珀主要关注安静的时刻，很少表现动作，采用了另一位美国著名现实主义者安德鲁·怀斯采用的现实主义形式，但霍珀的手法与怀斯的超细节风格完全不同。霍珀与一些同时代人合作，与约翰·斯隆和乔治·贝洛斯分享了他的城市情感。约瑟夫·斯特拉和乔治亚·欧姬芙美化了这座城市的纪念性建筑，霍珀将它们简化为日常几何图形，他将这座城市的脉搏描绘为荒凉和危险，而不是“优雅或诱人”。
霍珀崇拜并被拿来比较的伯奇菲尔德在谈到霍珀时说：“他达到了一个完全真实的境界，你可以从他对房屋和纽约生活概念的解读中读懂你所希望的任何人类含义。”他还将霍珀的成功归因于他的成功“大胆的个人主义……在他身上，我们重新获得了托马斯·艾金斯赋予我们的那种坚定的美国独立性，但这种独立性曾一度丧失。”霍珀认为这是一种高度赞扬，因为他认为埃金斯是美国最伟大的画家。
霍珀学者黛博拉·莱昂斯（Deborah Lyons）写道：“我们自己的启示时刻常常在他的作品中得到反映和超越。一旦被看到，霍珀的解释就与我们自己的经验一起存在于我们的意识中。我们永远把某一类型的房子看作是一个漏斗屋，也许是漏斗在我们自己的视野中植入了一个神秘的东西。霍珀的画作突出了我们日常生活中看似平凡和典型的场景，给了他们顿悟的理由。通过这种方式，霍珀的艺术取材于坚韧不拔的美国风景和孤独的加油站，并在其中创造出一种美丽的期待感。
虽然就题材而言，霍珀与同时代的诺曼·洛克威尔相比，但他不喜欢这种比较。霍珀认为自己更微妙，不那么具有说明性，当然也不伤感。霍珀还拒绝与格兰特·伍德和托马斯·哈特·本顿进行比较，称“我认为美国的风景画家讽刺了美国，我一直想做我自己。”
影响
霍珀对艺术界和流行文化的影响是不可否认的。尽管他没有正式的学生，但许多艺术家都认为他有影响力，包括Willem de Kooning、Jim Dine和马克·罗斯科。霍珀影响的一个例子是罗斯科的早期作品《构图I》（约1931年），它是霍珀的《杂碎》的直接转述。
霍珀的电影构图和对明暗的戏剧性运用使他成为电影制片人的最爱。例如，据报道，《铁路旁的房子》对阿尔弗雷德·希区柯克（Alfred Hitchcock）电影《心理变态》（Psycho）中的标志性房子产生了重大影响。在特伦斯·马利克（Terrence Malick）的电影《天堂的日子》（Days of Heaven）中，同一幅画也被认为是对家的影响。1981年的电影《从天堂来的便士》（Pennies from Heaven）包括《夜鹰》的画面，主角在用餐者的位置。德国导演维姆·温德斯（ Wim Wenders）也提到了霍珀的影响。他1997年的电影《暴力的终结》（The End of Violence ）中还融入了由演员们重新创作的《夜鹰》的画面。著名的超现实主义恐怖电影导演达里奥·阿金托甚至在1976年的电影《深红》（ Deep Red）中再现了《夜鹰》中的食客和顾客。雷德利·斯科特（Ridley Scott）曾引用同一幅画作为《银翼杀手》（Blade Runner）的视觉灵感。为了确定2002年电影《毁灭之路》（Road to Perdition）中的场景照明，导演萨姆·门德斯从霍珀的画作中汲取灵感，特别是纽约电影。
向以卡通人物或著名流行文化偶像（如詹姆斯·迪恩和玛丽莲·梦露）为特征的夜鹰致敬的活动经常在海报商店和礼品店中找到。有线电视频道的特纳经典电影频道（Turner Classic Movies）有时会在播放其电影之前播放基于霍珀绘画的动画剪辑。音乐的影响包括歌手及作曲人汤姆·韦特1975年在画作结束后发行的名为《夜鹰在餐厅》（ Nighthawks at the Diner）的录音室直播专辑。1993年，麦当娜受到霍珀1941年画作《少女秀》的充分启发，她以该画作命名了她的世界巡演，并将该画作中的许多戏剧元素和情绪融入了该画作中。2004年，英国吉他手约翰·斯奎尔（ John Squire，原名石玫瑰）根据霍珀的作品发行了一张名为《马歇尔之家》（Marshall's House）的概念专辑。专辑中的每首歌都是以霍珀的一幅画为灵感创作的，并与之同名。加拿大摇滚乐队弱者（The Weakerthans）于2007年发行了他们的专辑《重逢之旅》（ Reunion Tour），其中两首歌曲的灵感来源于霍珀的画作《在空房间里晒太阳》和《夜窗》，并以霍珀的画作命名。此外，他们还在《医院晚祷》（Hospital Vespers）等歌曲中提到了他。霍珀的作品影响了英国乐队《黑暗中的管弦乐团》（Orchestral Manoeuvres in the Dark）的多张唱片；《星期天清晨》是《粉碎的袖子》（sleeve of Crush，1985）的灵感来源；同一乐队2013年的单曲《夜咖啡馆》（Night Café）受到《夜鹰》的影响，并提到了霍珀的名字。歌词中引用了他的七幅画。
在诗歌中，许多诗歌都受到霍珀绘画的启发，通常是生动的描述和戏剧化；这种体裁被称为ekphrasis。除了受霍珀启发的众多个人诗歌外，还有几位诗人根据霍珀的绘画创作了诗集。法国诗人克劳德·埃斯特班（Claude Esteban）根据1921年至1963年间47幅霍珀绘画创作了一本散文诗集《太阳在一间空房间》（Soleil dans une pièce vide，1991），以《太阳在一间空房间》（1963）结尾，因此得名。每首诗都戏剧性地描绘了一幅霍珀绘画，想象了一个幕后故事，该书于1991年获得法国文化大奖。其中的八首诗——《大地涌浪》、《缝纫机旁的女孩》、《293号车厢C室》、《夜鹰》、《南卡罗来纳州的早晨》、《铁路旁的房子》、《阳光下的人》和《华盛顿广场的屋顶》——随后由作曲家格雷西恩·芬齐配乐，歌手娜塔莉·德赛在她的专辑《美国肖像》中以朗诵方式录制（2016年），他们还从美国歌曲集中挑选了10幅霍珀画作和歌曲作为补充。同样，西班牙诗人欧内斯特·法雷斯（Ernest Farrés）以加泰罗尼亚语创作了51首诗歌集，名为《爱德华·霍珀》（Edward Hopper，2006年，劳伦斯·维努蒂2010年英译）詹姆斯·霍格加德（James Hoggard）撰写了《光的三角：爱德华·霍珀的诗》（Triangles of Light: The Edward Hopper Poems ，2009年）。
展览
1980，《爱德华·霍珀：艺术与艺术家》（Edward Hopper: The Art and the Artist ）在惠特尼美国艺术博物馆开幕，参观了伦敦、杜塞尔多夫、阿姆斯特丹、旧金山和芝加哥。这是首次展示霍普尔油画和这些作品的准备研究。这是霍珀在欧洲广受欢迎和享誉全球的开始。
2004年，霍珀的大量画作在欧洲巡回展出，参观了德国科隆路德维希博物馆和伦敦泰特现代美术馆。泰特美术馆的展览成为该美术馆历史上第二大最受欢迎的展览，在开幕的三个月内吸引了42万名参观者。
2007年，在波士顿美术博物馆举办了一个展览，重点介绍了霍珀从1925年到本世纪中叶的最伟大成就。展览包括50幅油画、30幅水彩和12幅版画，其中包括最受欢迎的《夜鹰》、《杂碎》、《灯塔和建筑物》。该展览是由由波士顿美术馆、华盛顿国家美术馆和芝加哥艺术学院主办，全球管理咨询公司博思艾伦汉密尔顿（Booz Allen Hamilton）赞助。
2010年，瑞士洛桑的爱尔米塔奇基金会博物馆举办了一场展览，涵盖了霍珀的整个职业生涯，展出的作品大部分来自纽约市的惠特尼博物馆。展览包括绘画、水彩、蚀刻、卡通、海报，以及一些精选绘画的前期研究。该展览的内容包括：2011年，惠特尼美国艺术博物馆举办了一个名为“爱德华·霍珀和他的时代”（Edward Hopper and His Times）的展览。
2012年，一场展览在巴黎大皇宫开幕，旨在揭示霍珀作品的复杂性，这表明霍珀作品的丰富性。展览按时间顺序分为两个主要部分：第一部分介绍霍珀的形成年代（1900-1924年）第二部分考察了他成熟时期的艺术，从第一幅象征他个人风格的绘画，如《铁路旁的房子》到最后一幅作品。
2020年，贝耶勒基金会（Fondation Beyeler）举办了一个展示霍珀艺术的展览。该展览重点展示了霍珀“对无限广阔的美国风景和城市景观的标志性表现”。这一点在展览中很少提及，但它是理解霍珀作品的一个关键因素。
艺术市场
霍珀的作品很少出现在市场上。这位艺术家作品不多，只画了366幅油画。在20世纪50年代，当他70多岁时，他每年创作大约5幅油画。霍珀的长期经销商弗兰克·雷恩（Frank Rehn）于1924年为他举办了第一次个人展，他以7000美元的价格将《酒店窗口》卖给了收藏家奥尔加·克诺佩克（Olga Knoepke，2020年相当于64501美元）1957年。1999年，福布斯收藏以约1000万美元的价格私下卖给演员史蒂夫·马丁（ Steve Martin）。2006年，马丁在苏富比纽约拍卖行以2689万美元的价格售出，创下了这位艺术家的拍卖记录。
2013年，宾夕法尼亚州美术学院（Pennsylvania Academy of Fine Arts）将霍珀（Hopper）的《威霍肯上空的东风》拍卖，希望获得这幅画价值2200万至2800万美元的资金，以便建立一个基金，收购价值增值的“当代艺术”。这是一幅用黑色泥土色调渲染的街景，描绘了新泽西州威霍肯49街拐角处东大道1001号的房屋，被认为是霍珀的最佳作品之一。它是在1952年画家去世前15年，以非常低的价格直接从处理画家绘画的经销商处购买的。这幅画在纽约克里斯蒂拍卖行以创纪录的3600万美元卖给了一位匿名电话竞拍者。
2018年，在艺术收藏家巴尼·A·埃布斯沃思去世并随后拍卖了他的许多收藏品后，《杂碎》以9200万美元的价格售出，成为霍珀拍卖会上购买的最昂贵的作品。
爱德华·霍普作品收藏于：
